Mijail Vasilievich Pletnev |

Mijaíl Pletnev

Mikhail Vasilyevich Pletnev atrae la atención tanto de especialistas como del público en general. Es muy popular; No sería exagerado decir que en este aspecto se encuentra algo apartado en la larga lista de laureados de concursos internacionales de los últimos años. Las actuaciones del pianista casi siempre están agotadas y no hay indicios de que esta situación pueda cambiar.

Pletnev es un artista complejo y extraordinario, con su propio rostro característico y memorable. Puedes admirarlo o no, proclamarlo el líder del arte pianístico moderno o completamente, "de la nada", rechazar todo lo que hace (sucede), en cualquier caso, conocerlo no deja indiferente a la gente. Y eso es lo que importa, al final.

… Nació el 14 de abril de 1957 en Arkhangelsk, en una familia de músicos. Más tarde se mudó con sus padres a Kazan. Su madre, pianista de formación, trabajó en un momento como acompañante y profesora. Mi padre era acordeonista, enseñó en varias instituciones educativas y durante varios años se desempeñó como profesor asistente en el Conservatorio de Kazan.

Misha Pletnev descubrió su habilidad para la música temprano: a la edad de tres años tocó el piano. Kira Alexandrovna Shashkina, profesora de la Escuela Especial de Música de Kazan, comenzó a enseñarle. Hoy recuerda a Shashkina solo con una palabra amable: "Un buen músico ... Además, Kira Alexandrovna alentó mis intentos de componer música, y solo puedo agradecerle mucho por esto".

A la edad de 13 años, Misha Pletnev se mudó a Moscú, donde se convirtió en estudiante de la Escuela Central de Música en la clase de EM Timakin. Un maestro destacado, que abrió el camino al escenario para muchos asistentes al concierto posteriormente famosos, EM Timakin ayudó a Pletnev de muchas maneras. “Sí, sí, mucho. Y casi en primer lugar, en la organización del aparato técnico-motor. Un maestro que piensa de manera profunda e interesante, Evgeny Mikhailovich es excelente para hacer esto. Pletnev permaneció en la clase de Timakin durante varios años y luego, cuando era estudiante, se mudó al profesor del Conservatorio de Moscú, Ya. V. Volante.

Pletnev no tuvo lecciones fáciles con Flier. Y no solo por las altas exigencias de Yakov Vladimirovich. Y no porque representaran a distintas generaciones en el arte. Sus personalidades creativas, caracteres, temperamentos eran demasiado disímiles: un profesor ardiente, entusiasta, a pesar de su edad, y un estudiante que parecía casi todo lo contrario, casi una antípoda… Pero Flier, como dicen, no fue fácil con Pletnev. No fue fácil por su carácter difícil, terco, intratable: tenía un punto de vista propio e independiente sobre casi todo, no dejaba las discusiones, sino que, por el contrario, las buscaba abiertamente, se tomaban poco en fe sin evidencia. Testigos presenciales dicen que Flier a veces tenía que descansar durante mucho tiempo después de las lecciones con Pletnev. Una vez, como si dijera que gasta tanta energía en una lección con él como en dos conciertos en solitario... Sin embargo, todo esto no interfirió con el profundo afecto del maestro y el alumno. Quizás, por el contrario, la fortaleció. Pletnev fue el "canto del cisne" del maestro Flier (desafortunadamente, no tuvo que estar a la altura del triunfo más sonoro de su alumno); el profesor hablaba de él con esperanza, admiración, creía en su futuro: “Ya ves, si juega lo mejor que puede, realmente escucharás algo inusual. Esto no sucede a menudo, créanme, tengo suficiente experiencia … ” (Gornostaeva V. Disputas en torno al nombre // Cultura soviética. 1987. 10 de marzo.).

Y se debe mencionar un músico más, enumerando aquellos a quienes Pletnev está en deuda, con quienes tuvo contactos creativos bastante largos. Este es Lev Nikolaevich Vlasenko, en cuya clase se graduó del conservatorio en 1979, y luego fue asistente en prácticas. Es interesante recordar que este talento es, en muchos aspectos, una configuración creativa diferente a la de Pletnev: su emotividad generosa y abierta, su amplio alcance interpretativo, todo esto revela en él a un representante de un tipo artístico diferente. Sin embargo, en el arte, como en la vida, los opuestos a menudo convergen, resultan útiles y necesarios el uno para el otro. Hay muchos ejemplos de esto en la vida pedagógica cotidiana, y en la práctica de hacer música en conjunto, etc., etc.

… En sus años escolares, Pletnev participó en el Concurso Internacional de Música de París (1973) y ganó el Gran Premio. En 1977 ganó el primer premio en el Concurso de Piano de toda la Unión en Leningrado. Y luego siguió uno de los eventos principales y decisivos de su vida artística: un triunfo dorado en el Sexto Concurso Tchaikovsky (1978). Aquí es donde comienza su camino hacia el gran arte.

Es de destacar que entró en el escenario de los conciertos como un artista casi completo. Si por lo general en tales casos uno tiene que ver cómo un aprendiz se convierte gradualmente en un maestro, un aprendiz en un artista maduro e independiente, entonces con Pletnev no fue posible observar esto. El proceso de maduración creativa resultó estar aquí, por así decirlo, restringido, oculto a miradas indiscretas. El público inmediatamente se familiarizó con un concertista bien establecido: tranquilo y prudente en sus acciones, perfectamente en control de sí mismo, sabiendo firmemente esa el quiere decir y as debería estar hecho. En su juego no se vio nada artísticamente inmaduro, inarmónico, inquieto, de estudiante crudo, aunque en ese momento solo tenía 20 años y poca experiencia escénica, prácticamente no la tenía.

Entre sus compañeros, se distinguió notablemente tanto por la seriedad y el rigor de las interpretaciones interpretativas como por una actitud extremadamente pura y espiritualmente elevada hacia la música; este último, quizás, predispuso a él sobre todo ... Sus programas de esos años incluían la famosa Treinta y dos Sonata de Beethoven, un lienzo musical complejo y filosóficamente profundo. Y es característico que fue esta composición la que pasó a convertirse en una de las culminaciones creativas del joven artista. El público de finales de los setenta, es poco probable que principios de los ochenta haya olvidado Arietta (la segunda parte de la sonata) interpretada por Pletnev, entonces, por primera vez, el joven la sorprendió con su forma de pronunciar, por así decirlo, en voz baja. , muy pesado y significativo, el texto musical. Por cierto, ha conservado esta manera hasta el día de hoy, sin perder su efecto hipnótico en la audiencia. (Hay un aforismo medio en broma según el cual todos los concertistas se pueden dividir en dos categorías principales; algunos pueden tocar bien la primera parte de la Sonata Treinta y dos de Beethoven, otros pueden tocar la segunda parte. Pletnev toca ambas partes por igual bueno, esto realmente rara vez sucede.).

En general, mirando hacia atrás en el debut de Pletnev, uno no puede dejar de enfatizar que incluso cuando todavía era bastante joven, no había nada frívolo, superficial en su interpretación, nada de oropel virtuoso vacío. Con su excelente técnica pianística -elegante y brillante- nunca dio motivos para reprocharse los efectos puramente externos.

Casi desde las primeras actuaciones del pianista, la crítica habló de su mente clara y racional. De hecho, el reflejo del pensamiento siempre está claramente presente en lo que hace en el teclado. “No la inclinación de los movimientos espirituales, sino la uniformidad la investigación”- esto es lo que determina, según V. Chinaev, el tono general del arte de Pletnev. El crítico agrega: “Pletnev realmente explora el tejido sonoro, y lo hace a la perfección: todo se destaca, hasta el más mínimo detalle, los matices de los plexos texturizados, la lógica de las proporciones formales, dinámicas y discontinuas emerge en la mente del oyente. El juego de la mente analítica: confiado, conocedor, inconfundible ” (Chinaev V. Calma de claridad // Sov. music. 1985. No. 11. P. 56.).

Una vez, en una entrevista publicada en la prensa, el interlocutor de Pletnev le dijo: “Tú, Mikhail Vasilievich, eres considerado un artista de un almacén intelectual. Sopesar en este sentido los diversos pros y contras. Curiosamente, ¿qué entiendes por inteligencia en el arte de la música, en particular, la interpretación? ¿Y cómo se correlacionan lo intelectual y lo intuitivo en tu trabajo?

"Primero, si se quiere, sobre la intuición", respondió. — Me parece que la intuición como habilidad se acerca a lo que entendemos por talento artístico y creativo. Gracias a la intuición, llamémoslo, si se quiere, el don de la providencia artística, una persona puede lograr más en el arte que escalando solo una montaña de conocimiento y experiencia especiales. Hay muchos ejemplos para apoyar mi idea. Sobre todo en la música.

Pero creo que la pregunta debe formularse de manera un poco diferente. Por qué or una cosa or ¿otro? (Pero, desafortunadamente, así es como suelen abordar el problema del que estamos hablando). ¿Por qué no una intuición muy desarrollada? más buen conocimiento, buena comprensión? ¿Por qué no la intuición más la capacidad de comprender racionalmente la tarea creativa? No hay mejor combinación que esta.

A veces se escucha que la carga de conocimiento puede hasta cierto punto agobiar a una persona creativa, amortiguar en él el principio intuitivo… No lo creo. Más bien, al contrario: el conocimiento y el pensamiento lógico dan fuerza a la intuición, agudeza. Llévalo a un nivel superior. Si una persona siente sutilmente el arte y al mismo tiempo tiene la capacidad de realizar operaciones analíticas profundas, irá más lejos en creatividad que alguien que se basa únicamente en el instinto.

Por cierto, aquellos artistas que personalmente me gustan especialmente en las artes musicales y escénicas se distinguen por una combinación armoniosa de lo intuitivo, y lo racional-lógico, el inconsciente, y lo consciente. Todos ellos son fuertes tanto en su conjetura artística como en su intelecto.

… Dicen que cuando el destacado pianista italiano Benedetti-Michelangeli estuvo de visita en Moscú (fue a mediados de los años sesenta), le preguntaron en una de las reuniones con los músicos de la capital qué, en su opinión, es especialmente importante para un intérprete. ? Respondió: conocimientos teórico-musicales. Curioso, ¿no? ¿Y qué significa el conocimiento teórico para un intérprete en el sentido más amplio de la palabra? Esto es inteligencia profesional. En cualquier caso, el núcleo de la misma…” (Vida musical. 1986. Núm. 11. Pág. 8.).

Hablar sobre el intelectualismo de Pletnev ha estado ocurriendo durante mucho tiempo, como se señaló. Puedes escucharlos tanto en los círculos de especialistas como entre los amantes de la música comunes. Como señaló una vez un escritor famoso, hay conversaciones que, una vez que comienzan, no se detienen ... En realidad, no había nada reprobable en estas conversaciones en sí mismas, a menos que lo olvide: en este caso, no deberíamos hablar sobre la "frialdad" primitivamente entendida de Pletnev ( si solo fuera frío, emocionalmente pobre, no tendría nada que hacer en el escenario del concierto) y no sobre algún tipo de "pensamiento" sobre él, sino sobre la actitud especial del artista. Una tipología especial de talento, una “manera” especial de percibir y expresar la música.

En cuanto a la contención emocional de Pletnev, de la que tanto se habla, la pregunta es, ¿merece la pena discutir sobre gustos? Sí, Pletnev es de naturaleza cerrada. La severidad emocional de su interpretación a veces puede llegar casi al ascetismo, incluso cuando interpreta a Tchaikovsky, uno de sus autores favoritos. De alguna manera, después de una de las actuaciones del pianista, apareció una reseña en la prensa, cuyo autor usó la expresión: "letras indirectas": era precisa y precisa.

Tal, repetimos, es la naturaleza artística del artista. Y uno solo puede alegrarse de que no "juegue", no use cosméticos escénicos. Al final, entre los que realmente tener algo que decir, el aislamiento no es tan raro: tanto en la vida como en el escenario.

Cuando Pletnev hizo su debut como concertista, un lugar destacado en sus programas lo ocuparon obras de JS Bach (Partita en si menor, Suite en la menor), Liszt (Rapsodias XNUMX y XNUMX, Concierto para piano No. XNUMX), Tchaikovsky ( Variaciones en fa mayor, conciertos para piano), Prokofiev (Séptima Sonata). Posteriormente, interpretó con éxito una serie de obras de Schubert, la Tercera Sonata de Brahms, obras del ciclo Años de andanzas y la Duodécima Rapsodia de Liszt, Islamey de Balakirev, Rapsodia sobre un tema de Paganini de Rachmaninov, la Gran Sonata, Las Estaciones y obras individuales de Tchaikovsky. .

Imposible no mencionar sus veladas monográficas dedicadas a las sonatas de Mozart y Beethoven, sin mencionar el Segundo Concierto para piano de Saint-Saens, preludios y fugas de Shostakovich. En la temporada 1986/1987, el Concierto en re mayor de Haydn, la Suite para piano de Debussy, los Preludios de Rachmaninov, op. 23 y otras piezas.

Persistentemente, con firme determinación, Pletnev busca sus propias esferas estilísticas más cercanas a él en el repertorio pianístico mundial. Se prueba a sí mismo en el arte de diferentes autores, épocas, tendencias. En algunos aspectos también falla, pero en la mayoría de los casos encuentra lo que necesita. En primer lugar, en la música del siglo XIX (JS Bach, D. Scarlatti), en los clásicos vieneses (Haydn, Mozart, Beethoven), en algunas regiones creativas del romanticismo (Liszt, Brahms). Y, por supuesto, en los escritos de los autores de las escuelas rusa y soviética.

Más discutible es Chopin de Pletnev (Segunda y Tercera sonatas, polonesas, baladas, nocturnos, etc.). Es aquí, en esta música, que se empieza a sentir que al pianista le faltan por momentos la inmediatez y la apertura de los sentimientos; además, es característico que en un repertorio diferente nunca se le ocurra hablar de ello. Es aquí, en el mundo de la poética de Chopin, donde de repente se nota que Pletnev no es demasiado propenso a las efusiones tormentosas del corazón, que él, en términos modernos, no es muy comunicativo, y que siempre hay una cierta distancia entre él y el público. Si los intérpretes que, mientras conducen un musical “conversan” con el oyente, parecen estar en “usted” con él; Pletnev siempre y solo en "usted".

Y otro punto importante. Como saben, en Chopin, en Schumann, en las obras de algunos otros románticos, a menudo se requiere que el intérprete tenga un juego exquisitamente caprichoso de estados de ánimo, impulsividad e imprevisibilidad de movimientos espirituales. flexibilidad del matiz psicológico, en fin, todo lo que le sucede sólo a la gente de un determinado almacén poético. Sin embargo, Pletnev, músico y persona, tiene algo un poco diferente… La improvisación romántica tampoco está cerca de él, esa especial libertad y soltura de la forma escénica, cuando parece que la obra surge espontáneamente, casi espontáneamente bajo los dedos de el concertista.

Por cierto, uno de los musicólogos más respetados, una vez que visitó la actuación de un pianista, expresó la opinión de que la música de Pletnev "está naciendo ahora, en este mismo minuto". (Tsareva E. Creando una imagen del mundo // Sov. music. 1985. No. 11. P. 55.). ¿No lo es? ¿No sería más exacto decir que es al revés? En cualquier caso, es mucho más común escuchar que todo (o casi todo) en la obra de Pletnev está cuidadosamente pensado, organizado y construido de antemano. Y luego, con su precisión y consistencia inherentes, se incorpora "en el material". Encarnado con precisión de francotirador, con casi un cien por ciento de éxito en el objetivo. Este es el método artístico. Este es el estilo, y el estilo, ya sabes, es una persona.

Es sintomático que a veces se compare a Pletnev, el actor, con Karpov, el jugador de ajedrez: encuentran algo en común en la naturaleza y la metodología de sus actividades, en los enfoques para resolver las tareas creativas a las que se enfrentan, incluso en la “imagen” puramente externa de lo que crean: uno detrás del teclado del piano, otros en el tablero de ajedrez. Las interpretaciones escénicas de Pletnev se comparan con las construcciones clásicamente claras, armoniosas y simétricas de Karpov; estos últimos, a su vez, se asemejan a las construcciones sonoras de Pletnev, impecables en términos de lógica de pensamiento y técnica de ejecución. Por toda la convencionalidad de tales analogías, por toda su subjetividad, claramente llevan algo que llama la atención...

Vale la pena agregar a lo que se ha dicho que el estilo artístico de Pletnev es generalmente típico de las artes musicales y escénicas de nuestro tiempo. En particular, esa encarnación escénica anti-improvisación, que acabamos de señalar. Algo similar se puede observar en la práctica de los artistas más destacados de la actualidad. En esto, como en muchas otras cosas, Pletnev es muy moderno. Quizás por eso existe un debate tan acalorado en torno a su arte.

… Por lo general, da la impresión de una persona completamente segura de sí misma, tanto en el escenario como en la vida cotidiana, en la comunicación con los demás. A algunas personas les gusta, a otras no les gusta mucho… En la misma conversación con él, cuyos fragmentos se citaron anteriormente, se tocó indirectamente este tema:

– Por supuesto, ya sabes, Mikhail Vasilyevich, que hay artistas que tienden a sobreestimarse a sí mismos en un grado u otro. Otros, por el contrario, sufren de una subestimación de su propio “yo”. Podrías comentar este hecho, y sería bueno desde este ángulo: la autoestima interna del artista y su bienestar creativo. Exactamente creativo...

– En mi opinión, todo depende de en qué etapa de trabajo se encuentre el músico. en que etapa Imagine que cierto ejecutante está aprendiendo una pieza o un programa de concierto que es nuevo para él. Entonces, una cosa es dudar al comienzo del trabajo o incluso en medio de él, cuando estás uno a uno con la música y contigo mismo. Y otra muy distinta: en el escenario...

Mientras el artista está en la soledad creativa, mientras todavía está en proceso de trabajo, es muy natural que desconfíe de sí mismo, subestime lo que ha hecho. Todo esto es solo para bien. Pero cuando te encuentras en público, la situación cambia, y fundamentalmente. Aquí, cualquier tipo de reflexión, subestimación de uno mismo está plagada de serios problemas. A veces irreparable.

Hay músicos que constantemente se atormentan con pensamientos de que no podrán hacer algo, cometerán un error, fallarán en alguna parte; etc. Y en general, dicen, qué deben hacer en el escenario cuando hay, digamos, Benedetti Michelangeli en el mundo... Es mejor no aparecer en el escenario con esa mentalidad. Si el oyente en la sala no tiene confianza en el artista, involuntariamente le pierde el respeto. Así (esto es lo peor de todo) ya su arte. No hay convicción interna, no hay capacidad de persuasión. El actor duda, el actor duda y el público también duda.

En general, lo resumiría así: dudas, subestimación de sus esfuerzos en el proceso de la tarea, y quizás más confianza en sí mismo en el escenario.

– Confianza en sí mismo, dices… Es bueno si este rasgo es inherente a una persona en principio. Si ella está en su naturaleza. ¿Y si no?

“Entonces no lo sé. Pero sé firmemente algo más: todo el trabajo preliminar sobre el programa que está preparando para su exhibición pública debe hacerse con la mayor minuciosidad. La conciencia del ejecutante, como dicen, debe ser absolutamente pura. Luego viene la confianza. al menos asi es para mi (Vida musical. 1986. Núm. 11. Pág. 9.).

… En el juego de Pletnev, siempre se llama la atención sobre la minuciosidad del acabado exterior. Llama la atención la búsqueda de detalles de la joyería, la impecable corrección de las líneas, la claridad de los contornos del sonido y la estricta alineación de las proporciones. En realidad, Pletnev no sería Pletnev si no fuera por esta perfección absoluta en todo lo que es obra de sus manos, si no fuera por esta habilidad técnica cautivadora. “En el arte, una forma elegante es una gran cosa, especialmente donde la inspiración no se abre paso en oleadas tormentosas…” (Sobre la interpretación musical. – M., 1954. P. 29.)– una vez escribió VG Belinsky. Tenía en mente al actor contemporáneo VA Karatygin, pero expresó la ley universal, que está relacionada no solo con el teatro dramático, sino también con el escenario del concierto. Y nada menos que Pletnev es una magnífica confirmación de esta ley. Puede ser más o menos apasionado por el proceso de hacer música, puede actuar con más o menos éxito; lo único que simplemente no puede ser es descuidado...

“Hay concertistas”, continúa Mikhail Vasilievich, en cuya interpretación a veces se siente una especie de aproximación, de esbozo. Ahora, mira, "untan" densamente un lugar técnicamente difícil con el pedal, luego levantan artísticamente las manos, giran los ojos hacia el techo, desviando la atención del oyente de lo principal, del teclado ... Personalmente, esto es ajena a mí. Repito: parto de la premisa de que en un trabajo realizado en público, todo debe llevarse a la plena perfección profesional, nitidez y perfección técnica en el curso de los deberes. En la vida, en la vida cotidiana, solo respetamos a las personas honestas, ¿no? — y no respetamos a los que nos descarrían. Es lo mismo en el escenario”.

Con los años, Pletnev es cada vez más estricto consigo mismo. Los criterios por los que se guía en su trabajo se están volviendo más rígidos. Los plazos de aprendizaje de nuevas obras se alargan.

“Verá, cuando todavía era estudiante y recién comenzaba a tocar, mis requisitos para tocar se basaban no solo en mis propios gustos, puntos de vista, enfoques profesionales, sino también en lo que escuchaba de mis maestros. En cierta medida, me vi a mí mismo a través del prisma de su percepción, me juzgué según sus instrucciones, valoraciones y deseos. Y fue completamente natural. A todos les pasa cuando estudian. Ahora yo mismo, de principio a fin, determino mi actitud ante lo que se ha hecho. Es más interesante, pero también más difícil, más responsable”.

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Pletnev hoy avanza de manera constante y constante. Esto es perceptible para todo observador sin prejuicios, cualquiera que Sabe cómo ver. Y quiere ver, por supuesto. Al mismo tiempo, sería un error pensar, por supuesto, que su camino es siempre uniforme y recto, libre de zigzags internos.

“No puedo decir de ninguna manera que ahora he llegado a algo inquebrantable, definitivo, firmemente establecido. No puedo decir: antes, dicen, cometí tal o cual error, pero ahora lo sé todo, lo entiendo y no volveré a repetir los errores. Por supuesto, algunos conceptos erróneos y errores de cálculo del pasado se vuelven más obvios para mí a lo largo de los años. Sin embargo, estoy lejos de pensar que hoy no caiga en otros delirios que se harán sentir más adelante.

Tal vez sea la imprevisibilidad del desarrollo de Pletnev como artista, esas sorpresas y sorpresas, dificultades y contradicciones, esas ganancias y pérdidas que implica este desarrollo, lo que provoca un mayor interés en su arte. Un interés que ha demostrado su solidez y estabilidad tanto en nuestro país como en el exterior.

Por supuesto, no todos aman a Pletnev por igual. No hay nada más natural y comprensible. El destacado escritor de prosa soviético Y. Trifonov dijo una vez: "En mi opinión, un escritor no puede ni debe ser del agrado de todos". (Trifonov Yu. Cómo responderá nuestra palabra … – M., 1985. S. 286.). Músico también. Pero prácticamente todos respetan a Mikhail Vasilyevich, sin excluir a la mayoría absoluta de sus colegas en el escenario. Probablemente no haya un indicador más confiable y verdadero, si hablamos de los méritos reales y no imaginarios del artista.

El respeto del que goza Pletnev se ve facilitado en gran medida por sus discos de gramófono. Por cierto, es uno de esos músicos que no solo no pierde en las grabaciones, sino que a veces incluso gana. Una excelente confirmación de ello son los discos que representan la interpretación por parte del pianista de varias sonatas de Mozart (“Melody”, 1985), la sonata en si menor, “Mephisto-Waltz” y otras piezas de Liszt (“Melody”, 1986), la Primer Concierto para piano y “Rapsodia sobre un tema Paganini” de Rachmaninov (“Melodía”, 1987). “Las Estaciones” de Tchaikovsky (“Melodía”, 1988). Esta lista podría continuar si lo desea...

Además de lo principal en su vida: tocar el piano, Pletnev también compone, dirige, enseña y se dedica a otras obras; En una palabra, cuesta mucho. Ahora, sin embargo, está pensando cada vez más en el hecho de que es imposible trabajar constantemente solo para el “otorgamiento”. Que hay que frenar de vez en cuando, mirar alrededor, percibir, asimilar…

“Necesitamos algunos ahorros internos. Sólo cuando lo están, hay ganas de encontrarse con los oyentes, de compartir lo que se tiene. Para un músico intérprete, así como para un compositor, escritor, pintor, esto es extremadamente importante: el deseo de compartir... De decirle a la gente lo que sabe y siente, transmitir su entusiasmo creativo, su admiración por la música, su comprensión de ella. Si no existe tal deseo, no eres un artista. Y tu arte no es arte. He notado más de una vez, al encontrarme con grandes músicos, que por eso suben al escenario, que necesitan hacer públicos sus conceptos creativos, contar su actitud ante tal o cual obra, el autor. Estoy convencido de que esta es la única manera de tratar su negocio”.

G. Tsipin, 1990

En 1980 Pletnev hizo su debut como director. Dando las principales fuerzas de la actividad pianística, a menudo apareció en la consola de las principales orquestas de nuestro país. Pero el auge de su carrera como director llegó en los años 90, cuando Mikhail Pletnev fundó la Orquesta Nacional Rusa (1990). Bajo su dirección, la orquesta, reunida entre los mejores músicos y personas afines, se ganó rápidamente la reputación de ser una de las mejores orquestas del mundo.

La actividad de conducción de Mikhail Pletnev es rica y variada. Durante las últimas temporadas, el Maestro y la RNO han presentado una serie de programas monográficos dedicados a JS Bach, Schubert, Schumann, Mendelssohn, Brahms, Liszt, Wagner, Mahler, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov, Scriabin, Prokofiev, Shostakovich, Stravinsky… La creciente atención al director se centra en el género de la ópera: en octubre de 2007, Mikhail Pletnev hizo su debut como director de ópera en el Teatro Bolshoi con la ópera La dama de picas de Tchaikovsky. En los años siguientes, el director realizó conciertos de Aleko y Francesca da Rimini de Rachmaninov, Carmen de Bizet (Sala de Conciertos PI Tchaikovsky) y Noche de mayo de Rimsky-Korsakov (Museo Estatal de Arkhangelskoye).

Además de la fructífera colaboración con la Orquesta Nacional Rusa, Mikhail Pletnev actúa como director invitado con grupos musicales tan destacados como la Orquesta de Cámara Mahler, la Orquesta Concertgebouw, la Orquesta Filarmónica, la Orquesta Sinfónica de Londres, la Orquesta Sinfónica de Birmingham, la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles, la Filarmónica de Tokio …

En 2006, Mikhail Pletnev creó la Fundación Mikhail Pletnev para el Apoyo de la Cultura Nacional, una organización cuyo objetivo, además de proporcionar la creación principal de Pletnev, la Orquesta Nacional Rusa, es organizar y apoyar proyectos culturales del más alto nivel, como el Volga. Tours, un concierto conmemorativo en memoria de las víctimas de las terribles tragedias de Beslan, el programa musical y educativo “La magia de la música”, diseñado específicamente para alumnos de orfanatos e internados para niños con discapacidades físicas y mentales, un programa de suscripción en el Sala de Conciertos “Orchestrion”, donde se realizan conciertos junto al MGAF, incluso para ciudadanos en situación de desprotección social, amplia actividad discográfica y el Gran Festival RNO.

Un lugar muy significativo en la actividad creativa de M. Pletnev está ocupado por la composición. Entre sus obras se encuentran Tríptico para Orquesta Sinfónica, Fantasía para Violín y Orquesta, Capricho para Piano y Orquesta, arreglos para piano de suites de la música de los ballets El Cascanueces y La Bella Durmiente de Tchaikovsky, extractos de la música del ballet Anna Karenina de Shchedrin, Concierto para viola, arreglo para clarinete del Concierto para violín de Beethoven.

Las actividades de Mikhail Pletnev están constantemente marcadas por altos premios: es galardonado con premios estatales e internacionales, incluidos los premios Grammy y Triumph. Solo en 2007, el músico recibió el Premio del Presidente de la Federación Rusa, la Orden al Mérito de la Patria, grado III, la Orden de Daniel de Moscú, otorgada por Su Santidad el Patriarca Alejo II de Moscú y Toda Rusia.