Arcángel Corelli (Arcángel Corelli) |
Arcángel Corelli
El trabajo del destacado compositor y violinista italiano A. Corelli tuvo un gran impacto en la música instrumental europea de finales del siglo XIX y primera mitad del siglo XIX, se le considera legítimamente el fundador de la escuela italiana de violín. Muchos de los principales compositores de la era siguiente, incluidos JS Bach y GF Handel, valoraron mucho las composiciones instrumentales de Corelli. Se mostró no solo como compositor y un violinista maravilloso, sino también como maestro (la escuela Corelli tiene toda una galaxia de maestros brillantes) y director de orquesta (fue el líder de varios conjuntos instrumentales). Creatividad Corelli y sus diversas actividades han abierto una nueva página en la historia de la música y los géneros musicales.
Poco se sabe sobre los primeros años de vida de Corelli. Recibió sus primeras lecciones de música de un sacerdote. Después de cambiar varios profesores, Corelli finalmente acaba en Bolonia. Esta ciudad fue el lugar de nacimiento de una serie de notables compositores italianos, y la estancia allí tuvo, al parecer, una influencia decisiva en el destino futuro del joven músico. En Bolonia, Corelli estudia bajo la guía del famoso maestro J. Benvenuti. El hecho de que ya en su juventud Corelli logró un éxito sobresaliente en el campo de la interpretación del violín se evidencia por el hecho de que en 1670, a la edad de 17 años, fue admitido en la famosa Academia de Bolonia. En la década de 1670 Corelli se traslada a Roma. Aquí toca en varios conjuntos orquestales y de cámara, dirige algunos conjuntos y se convierte en director de orquesta de la iglesia. Se sabe por las cartas de Corelli que en 1679 entró al servicio de la reina Cristina de Suecia. Como músico de orquesta, también participa en la composición, componiendo sonatas para su patrona. La primera obra de Corelli (12 sonatas en trío de iglesia) apareció en 1681. A mediados de la década de 1680. Corelli entró al servicio del cardenal romano P. Ottoboni, donde permaneció hasta el final de su vida. Después de 1708, se retiró de la oratoria y concentró todas sus energías en la creatividad.
Las composiciones de Corelli son relativamente pocas en número: en 1685, después del primer opus, su cámara trio sonatas op. 2, en 1689 - 12 iglesia trío sonatas op. 3, en 1694 - sonatas en trío de cámara op. 4, en 1700 - sonatas en trío de cámara op. 5. Finalmente, en 1714, tras la muerte de Corelli, sus concerti grossi op. se publicó en Ámsterdam. 6. Estas colecciones, así como varias obras individuales, constituyen el legado de Corelli. Sus composiciones están destinadas a instrumentos de cuerda frotada (violín, viola da gamba) con el clavicémbalo o el órgano como instrumentos de acompañamiento.
Creatividad Corelli incluye 2 géneros principales: sonatas y conciertos. Fue en la obra de Corelli que se formó el género de la sonata en la forma en que es característico de la era preclásica. Las sonatas de Corelli se dividen en 2 grupos: de iglesia y de cámara. Difieren tanto en la composición de los intérpretes (el órgano acompaña en la sonata de iglesia, el clavicémbalo en la sonata de cámara), como en el contenido (la sonata de iglesia se distingue por su rigor y profundidad de contenido, la de cámara está cerca de la suite de baile). La composición instrumental para la que se componían tales sonatas incluía 2 voces melódicas (2 violines) y acompañamiento (órgano, clavecín, viola da gamba). Por eso se llaman trio sonatas.
Los conciertos de Corelli también se convirtieron en un fenómeno destacado en este género. El género concerto grosso existía mucho antes de Corelli. Fue uno de los precursores de la música sinfónica. La idea del género era una especie de competencia entre un grupo de instrumentos solistas (en los conciertos de Corelli este papel lo desempeñan 2 violines y un violonchelo) con una orquesta: el concierto se construyó así como una alternancia de solo y tutti. Los 12 conciertos de Corelli, escritos en los últimos años de vida del compositor, se convirtieron en una de las páginas más brillantes de la música instrumental de principios del siglo XIX. Siguen siendo quizás la obra más popular de Corelli.
A. Pilgún
El violín es un instrumento musical de origen nacional. Nació alrededor del siglo XIX y durante mucho tiempo existió solo entre la gente. “El uso generalizado del violín en la vida popular está vívidamente ilustrado por numerosas pinturas y grabados del siglo XIX. Sus tramas son: violín y violonchelo en manos de músicos errantes, violinistas rurales, gente divertida en ferias y plazas, en fiestas y bailes, en tabernas y tabernas. El violín incluso evocaba una actitud de desprecio hacia él: “Conoces a pocas personas que lo usan, excepto aquellos que viven de su trabajo. Se usa para bailar en bodas, mascaradas”, escribió Philibert Iron Leg, músico y científico francés de la primera mitad del siglo XIX.
Una visión desdeñosa del violín como un instrumento folclórico común y tosco se refleja en numerosos dichos y modismos. En francés, la palabra violon (violín) todavía se usa como una maldición, el nombre de una persona inútil y estúpida; en inglés, el violín se llama fiddle y el violinista popular se llama fiddler; al mismo tiempo, estas expresiones tienen un significado vulgar: el verbo fiddlefaddle significa – hablar en vano, charlar; fiddlingmann se traduce como ladrón.
En el arte popular, hubo grandes artesanos entre los músicos errantes, pero la historia no conservó sus nombres. El primer violinista que conocemos fue Battista Giacomelli. Vivió en la segunda mitad del siglo XIX y gozó de extraordinaria fama. Los contemporáneos simplemente lo llamaron il violino.
Grandes escuelas de violín surgieron en el siglo XIX en Italia. Se formaron gradualmente y se asociaron con los dos centros musicales de este país: Venecia y Bolonia.
Venecia, una república comercial, ha vivido durante mucho tiempo una vida de ciudad ruidosa. Había teatros abiertos. En las plazas se organizaban coloridos carnavales con la participación de la gente común, los músicos ambulantes demostraban su arte ya menudo eran invitados a las casas patricias. El violín empezó a hacerse notar e incluso preferir a otros instrumentos. Sonaba excelente en salas de teatro, así como en fiestas patrias; se diferenciaba favorablemente de la dulce pero tranquila viola por la riqueza, belleza y plenitud del timbre, sonaba bien solo y en orquesta.
La escuela veneciana tomó forma en la segunda década del siglo XVI. En la obra de su responsable, Biagio Marini, se sentaron las bases del género sonata para violín solo. Los representantes de la escuela veneciana estaban cerca del arte popular, utilizaban voluntariamente en sus composiciones las técnicas de tocar violinistas populares. Entonces, Biagio Marini escribió (1629) "Ritornello quinto" para dos violines y un quitaron (es decir, un laúd bajo), que recuerda a la música de baile popular, y Carlo Farina en "Capriccio Stravagante" aplicó varios efectos onomatopéyicos, tomándolos prestados de la práctica de deambular músicos En Capriccio, el violín imita el ladrido de los perros, el maullido de los gatos, el grito de un gallo, el cacareo de una gallina, el silbido de los soldados en marcha, etc.
Bolonia fue el centro espiritual de Italia, el centro de la ciencia y el arte, la ciudad de las academias. En Bolonia del siglo XVIII, la influencia de las ideas del humanismo todavía se sentía, las tradiciones del Renacimiento tardío perduraban, por lo que la escuela de violín formada aquí era notablemente diferente de la veneciana. Los boloñeses buscaban dar expresividad vocal a la música instrumental, ya que la voz humana era considerada el criterio supremo. El violín tenía que cantar, se le asemejaba a una soprano, e incluso sus registros se limitaban a tres posiciones, es decir, al rango de una voz femenina aguda.
La escuela de violín de Bolonia incluía a muchos violinistas destacados: D. Torelli, J.-B. Bassani, J.-B. Vitali. Su trabajo y habilidad prepararon ese estilo estricto, noble, sublimemente patético, que encontró su máxima expresión en la obra de Arcangelo Corelli.
Corelli… ¡Cuál de los violinistas no conoce este nombre! Jóvenes alumnos de escuelas de música y colegios estudian sus sonatas, y sus Concerti grossi son interpretados en las salas de la sociedad filarmónica por maestros famosos. En 1953, el mundo entero celebró el 300 aniversario del nacimiento de Corelli, vinculando su obra con las mayores conquistas del arte italiano. Y de hecho, cuando piensas en él, comparas involuntariamente la música pura y noble que creó con el arte de los escultores, arquitectos y pintores del Renacimiento. Con la sabia sencillez de las sonatas de iglesia, se parece a las pinturas de Leonardo da Vinci, y con la letra brillante y sincera y la armonía de las sonatas de cámara, se parece a Rafael.
Durante su vida, Corelli disfrutó de fama mundial. Kuperin, Handel, J.-S. se inclinó ante él. Llevar una vida de soltero; generaciones de violinistas estudiaron sus sonatas. Para Handel, sus sonatas se convirtieron en un modelo de su propio trabajo; Bach tomó de él los temas de las fugas y le debe mucho en la melodiosa forma de violín de sus obras.
Corelli nació el 17 de febrero de 1653 en la pequeña localidad de Romagna Fusignano, situada a medio camino entre Rávena y Bolonia. Sus padres pertenecían al número de residentes educados y ricos de la ciudad. Entre los antepasados de Corelli hubo muchos sacerdotes, médicos, científicos, abogados, poetas, ¡pero ni un solo músico!
El padre de Corelli murió un mes antes del nacimiento de Arcangelo; junto con cuatro hermanos mayores, fue criado por su madre. Cuando el hijo comenzó a crecer, su madre lo llevó a Faenza para que el cura local le diera sus primeras lecciones de música. Las clases continuaron en Lugo, luego en Bolonia, donde Corelli terminó en 1666.
La información biográfica sobre esta época de su vida es muy escasa. Solo se sabe que en Bolonia estudió con el violinista Giovanni Benvenuti.
Los años de aprendizaje de Corelli coincidieron con el apogeo de la escuela de violín boloñesa. Su fundador, Ercole Gaibara, fue el maestro de Giovanni Benvenuti y Leonardo Brugnoli, cuya gran habilidad no pudo sino tener una fuerte influencia en el joven músico. Arcangelo Corelli fue contemporáneo de representantes tan brillantes del arte del violín boloñés como Giuseppe Torelli, Giovanni Battista Bassani (1657-1716) y Giovanni Battista Vitali (1644-1692) y otros.
Bolonia fue famosa no solo por los violinistas. Al mismo tiempo, Domenico Gabrielli sentó las bases de la música solista para violonchelo. Había cuatro academias en la ciudad, sociedades de conciertos musicales que atraían a profesionales y aficionados a sus reuniones. En uno de ellos, la Academia Filarmónica, fundada en 1650, Corelli fue admitido a la edad de 17 años como miembro de pleno derecho.
No está claro dónde vivió Corelli entre 1670 y 1675. Sus biografías son contradictorias. J.-J. Rousseau informa que en 1673 Corelli visitó París y que allí tuvo un gran enfrentamiento con Lully. El biógrafo Pencherle refuta a Rousseau, argumentando que Corelli nunca ha estado en París. El Padre Martini, uno de los músicos más famosos del siglo XIX, sugiere que Corelli pasó estos años en Fusignano, “pero decidió, para satisfacer su ardiente deseo y, cediendo a la insistencia de numerosos amigos queridos, ir a Roma, donde estudió bajo la tutela del célebre Pietro Simonelli, habiendo aceptado con gran soltura las reglas del contrapunto, gracias a las cuales se convirtió en un excelente y completo compositor.
Corelli se trasladó a Roma en 1675. La situación allí era muy difícil. A la vuelta de los siglos XIX-XNUMX, Italia atravesaba un período de feroces guerras internas y estaba perdiendo su antigua importancia política. La expansión intervencionista de Austria, Francia y España se sumó a la lucha civil interna. La fragmentación nacional, las continuas guerras provocaron la reducción del comercio, el estancamiento económico y el empobrecimiento del país. En muchas áreas, se restauraron las órdenes feudales, la gente gimió por requisiciones insoportables.
La reacción clerical se sumó a la reacción feudal. El catolicismo trató de recuperar su antiguo poder de influencia en las mentes. Con particular intensidad, las contradicciones sociales se manifestaron precisamente en Roma, el centro del catolicismo. Sin embargo, en la capital había maravillosos teatros de ópera y teatro, círculos y salones literarios y musicales. Es cierto que las autoridades clericales los oprimieron. En 1697, por orden del Papa Inocencio XII, el teatro de ópera más grande de Roma, Tor di Nona, fue cerrado por “inmoral”.
Los esfuerzos de la iglesia para evitar el desarrollo de la cultura secular no dieron los resultados deseados para ella: la vida musical solo comenzó a concentrarse en las casas de los patrocinadores. Y entre el clero se podían encontrar personas educadas que se distinguían por una cosmovisión humanista y que de ninguna manera compartían las tendencias restrictivas de la iglesia. Dos de ellos, los cardenales Panfili y Ottoboni, desempeñaron un papel destacado en la vida de Corelli.
En Roma, Corelli ganó rápidamente una posición alta y fuerte. Inicialmente, trabajó como segundo violinista en la orquesta del teatro Tor di Nona, luego como tercero de cuatro violinistas en el conjunto de la Iglesia francesa de San Luis. Sin embargo, no duró mucho en el puesto de segundo violinista. El 6 de enero de 1679, en el Teatro Capranica, dirigió la obra de su amigo el compositor Bernardo Pasquini “Paloma e amore e pieta”. En este momento, ya está siendo evaluado como un violinista maravilloso e insuperable. Las palabras del abad F. Raguenay pueden servir como prueba de lo dicho: “Vi en Roma”, escribió el abad, “en la misma ópera, Corelli, Pasquini y Gaetano, que, por supuesto, tienen el mejor violín. , clavecín y tiorba en el mundo.”
Es posible que de 1679 a 1681 Corelli estuviera en Alemania. Esta suposición es expresada por M. Pencherl, basada en el hecho de que en estos años Corelli no figuraba como empleado de la orquesta de la iglesia de St. Louis. Varias fuentes mencionan que estuvo en Munich, trabajó para el duque de Baviera, visitó Heidelberg y Hannover. Sin embargo, agrega Pencherl, ninguna de estas pruebas ha sido probada.
En cualquier caso, desde 1681, Corelli ha estado en Roma, actuando a menudo en uno de los salones más brillantes de la capital italiana: el salón de la reina sueca Cristina. “La Ciudad Eterna”, escribe Pencherl, “en ese momento estaba abrumada por una ola de entretenimiento secular. Las casas aristocráticas competían entre sí en términos de diversas festividades, representaciones de comedia y ópera, actuaciones de virtuosos. Entre los mecenas se destacaron el Príncipe Ruspoli, Condestable de Columnas, Rospigliosi, el Cardenal Savelli, Duquesa de Bracciano, Cristina de Suecia, quien, a pesar de su abdicación, conservó toda su augusta influencia. Se distinguió por la originalidad, la independencia de carácter, la vivacidad mental y la inteligencia; a menudo se la conocía como la "Palas del Norte".
Christina se instaló en Roma en 1659 y se rodeó de artistas, escritores, científicos, artistas. Poseedora de una gran fortuna, organizaba grandes celebraciones en su Palacio Riario. La mayoría de las biografías de Corelli mencionan un día festivo que ella ofreció en honor al embajador inglés que llegó a Roma en 1687 para negociar con el Papa en nombre del rey Jaime II, que buscaba restaurar el catolicismo en Inglaterra. A la celebración asistieron 100 cantantes y una orquesta de 150 instrumentos, dirigida por Corelli. Corelli dedicó su primera obra impresa, Twelve Church Trio Sonatas, publicada en 1681, a Christina de Suecia.
Corelli no abandonó la orquesta de la iglesia de San Luis y la gobernó en todas las festividades de la iglesia hasta 1708. El punto de inflexión en su destino fue el 9 de julio de 1687, cuando fue invitado al servicio del cardenal Panfili, de quien en 1690 pasó al servicio del cardenal Ottoboni. Un veneciano, sobrino del Papa Alejandro VIII, Ottoboni fue el hombre más educado de su época, un conocedor de la música y la poesía, y un generoso filántropo. Escribió la ópera “II Colombo obero l'India scoperta” (1691), y Alessandro Scarlatti creó la ópera “Statira” en su libreto.
“A decir verdad”, escribió Blainville, “las vestimentas clericales no le sientan muy bien al cardenal Ottoboni, quien tiene una apariencia excepcionalmente refinada y galante y, aparentemente, está dispuesto a cambiar su clero por uno secular. Ottoboni ama la poesía, la música y la sociedad de los eruditos. Cada 14 días organiza reuniones (academias) donde se reúnen prelados y eruditos, y donde Quintus Sectanus, también conocido como Monseñor Segardi, juega un papel importante. Su Santidad también mantiene a su costa a los mejores músicos y otros artistas, entre los que se encuentra el célebre Arcangelo Corelli.
La capilla del cardenal contaba con más de 30 músicos; bajo la dirección de Corelli, se ha convertido en un conjunto de primera clase. Exigente y sensible, Arcangelo logró una precisión de juego excepcional y una unidad de golpes, que ya era del todo insólita. “Detenía la orquesta tan pronto como notaba una desviación en al menos un arco”, recordó su alumno Geminiani. Los contemporáneos hablaban de la orquesta de Ottoboni como un “milagro musical”.
El 26 de abril de 1706, Corelli fue admitido en la Academia de Arcadia, fundada en Roma en 1690, para proteger y glorificar la poesía y la elocuencia populares. Arcadia, que unía a príncipes y artistas en una fraternidad espiritual, contaba entre sus miembros con Alessandro Scarlatti, Arcangelo Corelli, Bernardo Pasquini, Benedetto Marcello.
“Una gran orquesta tocaba en Arcadia bajo la batuta de Corelli, Pasquini o Scarlatti. Se entregó a las improvisaciones poéticas y musicales, lo que provocó competencias artísticas entre poetas y músicos.
Desde 1710, Corelli dejó de actuar y se dedicó solo a la composición, trabajando en la creación de los "Concerti grossi". A fines de 1712, abandonó el Palacio Ottoboni y se mudó a su apartamento privado, donde guardó sus efectos personales, instrumentos musicales y una extensa colección de pinturas (136 pinturas y dibujos), que contenía pinturas de Trevisani, Maratti, Brueghel, Poussin paisajes, Madonna Sassoferrato. Corelli tenía una gran educación y era un gran conocedor de la pintura.
El 5 de enero de 1713, escribió un testamento, dejando una pintura de Brueghel al cardenal Colonne, una de las pinturas de su elección al cardenal Ottoboni, y todos los instrumentos y manuscritos de sus composiciones a su amado alumno Matteo Farnari. No se olvidó de dar una modesta pensión vitalicia a sus sirvientes Pippo (Philippa Graziani) y su hermana Olympia. Corelli murió la noche del 8 de enero de 1713. “Su muerte entristeció a Roma y al mundo”. Ante la insistencia de Ottoboni, Corelli está enterrado en el Panteón de Santa Maria della Rotunda como uno de los más grandes músicos de Italia.
“Corelli el compositor y Corelli el virtuoso son inseparables”, escribe el historiador musical soviético K. Rosenshield. “Ambos confirmaron el estilo del alto clasicismo en el arte del violín, combinando la profunda vitalidad de la música con la perfección armoniosa de la forma, la emotividad italiana con el dominio completo de un comienzo lógico y razonable”.
En la literatura soviética sobre Corelli, se notan numerosas conexiones de su trabajo con melodías y bailes populares. En las gigas de las sonatas de cámara se escuchan los ritmos de las danzas folclóricas, y la más famosa de sus obras para violín solo, Folia, está repleta del tema de una canción popular hispano-portuguesa que habla de un amor desdichado.
Otra esfera de imágenes musicales cristalizó con Corelli en el género de las sonatas de iglesia. Estas obras suyas están llenas de majestuoso patetismo, y las esbeltas formas de la fuga allegro anticipan las fugas de J.-S. Llevar una vida de soltero. Como Bach, Corelli narra en sonatas experiencias profundamente humanas. Su cosmovisión humanista no le permitió subordinar su trabajo a motivos religiosos.
Corelli se distinguió por exigencias excepcionales en la música que compuso. Si bien comenzó a estudiar composición allá por los años 70 del siglo VI y trabajó intensamente toda su vida, sin embargo, de todo lo que escribió, publicó solo 6 ciclo (opus 1-6), que componían la armoniosa construcción de su herencia creativa: 12 iglesia trio sonatas (1681); 12 sonatas en trío de cámara (1685); 12 iglesia trío sonatas (1689); 12 sonatas en trío de cámara (1694); una colección de sonatas para violín solo con bajo – 6 de iglesia y 6 de cámara (1700) y 12 Grandes Conciertos (concerto grosso) – 6 de iglesia y 6 de cámara (1712).
Cuando las ideas artísticas lo exigieron, Corelli no se limitó a romper las reglas canonizadas. La segunda colección de sus sonatas en trío causó controversia entre los músicos boloñeses. Muchos de ellos protestaron contra las quintas paralelas “prohibidas” que se usaban allí. En respuesta a una carta que le dirigió desconcertado, si lo hizo deliberadamente, Corelli respondió cáusticamente y acusó a sus oponentes de no conocer las reglas elementales de la armonía: “No veo cuán grande es su conocimiento de composiciones y modulaciones, porque si se conmovieran en el arte y comprendieran sus sutilezas y profundidades, sabrían qué es la armonía y cómo puede encantar, elevar el espíritu humano, y no serían tan mezquinos, cualidad que suele generar la ignorancia.
El estilo de las sonatas de Corelli ahora parece sobrio y estricto. Sin embargo, durante la vida del compositor, sus obras fueron percibidas de manera diferente. Sonatas italianas “¡Increíble! sentimientos, imaginación y alma, – escribió Raguenay en la obra citada, – los violinistas que las ejecutan están sujetos a su poder apasionante y frenético; atormentan sus violines. como si estuviera poseído.”
A juzgar por la mayor parte de la biografía, Corelli tenía un carácter equilibrado, que también se manifestaba en el juego. Sin embargo, Hawkins en The History of Music escribe: “Un hombre que lo vio tocar afirmó que durante la interpretación sus ojos se llenaron de sangre, se pusieron de color rojo fuego y las pupilas se revolvieron como si estuvieran en agonía”. Es difícil creer en una descripción tan "colorida", pero tal vez haya algo de verdad en ella.
Hawkins relata que una vez en Roma, Corelli no pudo tocar un pasaje del Concerto grosso de Handel. Handel trató en vano de explicarle a Corelli, el director de la orquesta, cómo tocar y, finalmente, perdiendo la paciencia, le arrebató el violín de las manos y lo tocó él mismo. Entonces Corelli le respondió de la manera más cortés: “Pero, querido sajón, esta es música de estilo francés, en la que no estoy versado”. De hecho, se interpretó la obertura “Trionfo del tempo”, escrita al estilo del concerto grosso de Corelli, con dos violines solos. Verdaderamente handeliano en poder, era ajeno a la forma tranquila y elegante de tocar de Corelli "y no logró" atacar "con suficiente poder" estos pasajes retumbantes.
Pencherl describe otro caso similar con Corelli, que sólo puede entenderse recordando algunas de las características de la escuela de violín boloñesa. Como se mencionó, los boloñeses, incluido Corelli, limitaron el rango del violín a tres posiciones y lo hicieron deliberadamente con el deseo de acercar el instrumento al sonido de la voz humana. Como resultado de esto, Corelli, el mejor intérprete de su época, poseía el violín solo dentro de tres posiciones. Una vez fue invitado a Nápoles, a la corte del rey. En el concierto, le ofrecieron interpretar la parte de violín en la ópera de Alessandro Scarlatti, que contenía un pasaje con posiciones altas, y Corelli no pudo tocar. Confundido, comenzó la siguiente aria en lugar de do menor en do mayor. “Hagámoslo de nuevo”, dijo Scarlatti. Corelli comenzó de nuevo en una mayor y el compositor lo interrumpió nuevamente. “El pobre Corelli estaba tan avergonzado que prefirió regresar tranquilamente a Roma”.
Corelli fue muy modesto en su vida personal. La única riqueza de su vivienda era una colección de pinturas y herramientas, pero el mobiliario consistía en un sillón y taburetes, cuatro mesas, de las cuales una era de alabastro de estilo oriental, una cama sencilla sin dosel, un altar con un crucifijo y dos cómoda. Handel informa que Corelli solía vestirse de negro, usaba un abrigo oscuro, siempre caminaba y protestaba si le ofrecían un carruaje.
La vida de Corelli, en general, resultó bien. Era reconocido, gozaba de honor y respeto. Incluso estando al servicio de los mecenas, no bebió la copa amarga, que, por ejemplo, fue a Mozart. Tanto Panfili como Ottoboni resultaron ser personas que apreciaban mucho al extraordinario artista. Ottoboni fue un gran amigo de Corelli y de toda su familia. Pencherle cita las cartas del cardenal al legado de Ferrara, en las que suplica ayuda a los hermanos Arcangelo, pertenecientes a una familia a la que ama con ardiente y especial ternura. Rodeado de simpatía y admiración, financieramente seguro, Corelli podría dedicarse tranquilamente a la creatividad durante la mayor parte de su vida.
Se puede decir muy poco sobre la pedagogía de Corelli y, sin embargo, obviamente fue un excelente educador. Con él estudiaron notables violinistas, que en la primera mitad del siglo XVI hicieron la gloria del arte del violín en Italia: Pietro Locatelli, Francisco Geminiani, Giovanni Battista Somis. Alrededor del 1697, uno de sus eminentes alumnos, el inglés Lord Edinhomb, encargó un retrato de Corelli al artista Hugo Howard. Esta es la única imagen existente del gran violinista. Los grandes rasgos de su rostro son majestuosos y tranquilos, valientes y orgullosos. Así fue en vida, sencillo y orgulloso, valiente y humano.
L.Raaben
