Ramón Vargas |

Ramón Vargas

Ramón Vargas nació en la Ciudad de México y fue el séptimo de una familia de nueve hijos. A los nueve años integró el coro de niños de los muchachos de la Iglesia de la Virgen de Guadalupe. Su director musical fue un sacerdote que estudió en la Academia de Santa Cecilia. A la edad de diez años, Vargas debutó como solista en el Teatro de las Artes. Ramón continuó sus estudios en el Instituto de Música Cardenal Miranda, donde Antonio López y Ricardo Sánchez fueron sus directores. En 1982, Ramón hace su debut Hayden en Lo Especial, Monterrey, y gana el Concurso Nacional Vocal Carlo Morelli. En 1986, el artista ganó el Concurso de Tenor Enrico Caruso en Milán. En el mismo año, Vargas se mudó a Austria y completó sus estudios en la escuela vocal de la Ópera Estatal de Viena bajo la dirección de Leo Müller. En 1990, el artista eligió el camino de un “artista libre” y conoció en Milán al famoso Rodolfo Celletti, quien sigue siendo su maestro vocal hasta el día de hoy. Bajo su dirección, interpreta los papeles principales en Zúrich ("Fra Diavolo"), Marsella ("Lucia di Lammermoor"), Viena ("Magic Flute").

En 1992, Vargas hizo un vertiginoso debut internacional: el Metropolitan Opera de Nueva York invitó a un tenor para reemplazar a Luciano Pavarotti en Lucia de Lammermoor, junto a June Anderson. En 1993 debutó en La Scala como Fenton en una nueva producción de Falstaff dirigida por Giorgio Strehler y Riccardo Muti. En 1994, Vargas obtuvo el derecho honorario de abrir la temporada en el Met con la fiesta del Duque en Rigoletto. Desde entonces, ha sido un adorno de todos los escenarios principales: el Metropolitan, La Scala, Covent Garden, Bastille Opera, Colon, Arena di Verona, Real Madrid y muchos otros.

A lo largo de su carrera, Vargas interpretó más de 50 papeles, de los cuales los más significativos son: Riccardo en Un ballo in maschera, Manrico en Il trovatore, el papel principal en Don Carlos, el Duque en Rigoletto, Alfred en La traviata de J. Verdi, Edgardo en “Lucia di Lammermoor” y Nemorino en “Love Potion” de G. Donizetti, Rudolph en “La Boheme” de G. Puccini, Romeo en “Romeo and Juliet” de C. Gounod, Lensky en “Eugene Onegin” de P. Tchaikovsky. Entre los trabajos destacados del cantante se encuentran el papel de Rudolf en la ópera “Luise Miller” de G. Verdi, que estrenó en una nueva producción en Munich, el título paria en “Idomeneo” de W. Mozart en el Festival de Salzburgo y en París; Chevalier de Grieux en “Manon” de J. Massenet, Gabriele Adorno en la ópera “Simon Boccanegra” de G. Verdi, Don Ottavio en “Don Giovanni” en el Metropolitan Opera, Hoffmann en “Los cuentos de Hoffmann” de J. Offenbach en La Scala.

Ramón Vargas da activamente conciertos por todo el mundo. Su repertorio de concierto es sorprendente por su versatilidad: se trata de una canción clásica italiana y un romántico Lieder alemán, así como canciones de compositores franceses, españoles y mexicanos de los siglos XIX y XX.

El tenor mexicano Ramón Vargas es uno de los grandes cantantes jóvenes de nuestro tiempo, actuando con éxito en los mejores escenarios del mundo. Hace más de una década participó en el Concurso Enrico Caruso de Milán, que se convirtió para él en un trampolín hacia un futuro brillante. Fue entonces cuando el legendario tenor Giuseppe Di Stefano dijo del joven mexicano: “Por fin encontramos a alguien que canta bien. Vargas tiene una voz relativamente pequeña, pero un temperamento brillante y una técnica excelente.

Vargas cree que la fortuna lo encontró en la capital lombarda. Canta mucho en Italia, que se ha convertido en su segunda casa. El año pasado estuvo ocupado con importantes producciones de óperas de Verdi: en La Scala Vargas cantó Réquiem y Rigoletto con Riccardo Muti, en Estados Unidos interpretó el papel de Don Carlos en la ópera del mismo nombre, sin mencionar la música de Verdi. , que cantó en Nueva York. York, Verona y Tokio. Ramón Vargas está hablando con Luigi Di Fronzo.

¿Cómo te acercaste a la música?

Yo tenía más o menos la misma edad que tiene ahora mi hijo Fernando: cinco años y medio. Canté en el coro de niños de la Iglesia de la Virgen de Guadalupe en la Ciudad de México. Nuestro director musical era un sacerdote que estudió en la Accademia Santa Cecilia. Así fue como se formó mi base musical: no solo en términos de técnica, sino también en términos de conocimiento de estilos. Cantamos principalmente música gregoriana, pero también obras polifónicas de los siglos XVII y XVIII, incluidas obras maestras de Mozart y Vivaldi. Algunas composiciones se interpretaron por primera vez, como la Misa del Papa Marcellus Palestrina. Fue una experiencia extraordinaria y muy gratificante en mi vida. Acabé debutando como solista en el Teatro de las Artes cuando tenía diez años.

Este es sin duda el mérito de algún maestro…

Sí, tuve un profesor de canto excepcional, Antonio López. Tenía mucho cuidado con la naturaleza vocal de sus alumnos. Justo lo contrario de lo que está pasando en Estados Unidos, donde el porcentaje de cantantes que logran lanzar una carrera es ridículo comparado con el número de los que tienen voz y estudian canto. Esto se debe a que el educador debe alentar al alumno a seguir su naturaleza específica, mientras que los métodos violentos se utilizan generalmente. Los peores de los profesores te obligan a imitar cierto estilo de canto. Y eso significa el final.

Algunos, como Di Stefano, argumentan que los maestros importan poco en comparación con el instinto. ¿Estás de acuerdo con esto?

Básicamente de acuerdo. Porque cuando no hay temperamento o una voz hermosa, ni siquiera una bendición papal puede hacerte cantar. Hay, sin embargo, excepciones. La historia de las artes escénicas conoce grandes voces “hechas”, como la de Alfredo Kraus, por ejemplo (aunque hay que decir que soy krausista). Y, por otro lado, hay artistas dotados de un talento natural pronunciado, como José Carreras, que es todo lo contrario a Kraus.

¿Es cierto que en los primeros años de su éxito venía regularmente a Milán para estudiar con Rodolfo Celletti?

La verdad es que hace unos años tomé lecciones de él y hoy a veces nos encontramos. Celletti es una personalidad y maestro de una enorme cultura. Inteligente y de buen gusto.

¿Qué lección enseñaron los grandes cantantes a los artistas de tu generación?

Su sentido del drama y la naturalidad debe ser revivido a toda costa. A menudo pienso en el estilo lírico que distinguió a artistas legendarios como Caruso y Di Stefano, pero también en el sentido de la teatralidad que ahora se está perdiendo. Les pido que me entiendan correctamente: la pureza y la precisión filológica en relación con el original son muy importantes, pero no se debe olvidar la simplicidad expresiva que, al final, da las emociones más vívidas. También deben evitarse las exageraciones irrazonables.

Mencionas a menudo a Aureliano Pertile. ¿Por qué?

Porque, si bien la voz de Pertile no era una de las más bellas del mundo, se caracterizaba por una pureza de producción sonora y expresividad, única en su género. Desde este punto de vista, Pertile enseñó una lección inolvidable en un estilo que hoy no se comprende del todo. Su consistencia como intérprete, un canto desprovisto de gritos y espasmos, debe ser revaluado. Pertile siguió una tradición que venía del pasado. Se sentía más cercano a Gigli que a Caruso. También soy un ferviente admirador de Gigli.

¿Por qué hay directores “aptos” para la ópera y otros menos sensibles al género?

No lo sé, pero para la cantante esta diferencia juega un papel muy importante. Tenga en cuenta que un cierto tipo de comportamiento también se nota entre algunos de los espectadores: cuando el director camina hacia adelante, sin prestar atención al cantante en el escenario. O cuando alguna de las batutas del gran director “cubre” las voces en el escenario, exigiendo a la orquesta un sonido demasiado fuerte y brillante. Hay, sin embargo, directores con los que es estupendo trabajar. ¿Nombres? Muti, Levine y Viotti. Músicos que disfrutan si el cantante canta bien. Disfrutando de la hermosa nota de salida como si la estuvieran tocando con la cantante.

¿En qué se convirtieron para el mundo de la ópera las celebraciones de Verdi que tuvieron lugar en todas partes en 2001?

Este es un momento importante de crecimiento colectivo, porque Verdi es la columna vertebral de la ópera. Aunque adoro a Puccini, Verdi, desde mi punto de vista, es el autor que encarna el espíritu del melodrama más que nadie. No solo por la música, sino por el sutil juego psicológico entre los personajes.

¿Cómo cambia la percepción del mundo cuando un cantante alcanza el éxito?

Existe el riesgo de volverse materialista. Tener autos cada vez más potentes, ropa cada vez más elegante, bienes raíces en todos los rincones del mundo. Este riesgo debe evitarse porque es muy importante no dejarse influir por el dinero. Estoy tratando de hacer obras de caridad. Aunque no soy creyente, creo que debo devolver a la sociedad lo que la naturaleza me ha dado con la música. En cualquier caso, el peligro existe. Es importante, como dice el proverbio, no confundir el éxito con el mérito.

¿Puede un éxito inesperado comprometer la carrera de un cantante?

En cierto sentido, sí, aunque ese no es el verdadero problema. Hoy, los límites de la ópera se han ampliado. No solo porque, afortunadamente, no hay guerras o epidemias que obliguen a los teatros a cerrar y hacer inaccesibles ciudades y países individuales, sino porque la ópera se ha convertido en un fenómeno internacional. Lo malo es que todos los cantantes quieren viajar por el mundo sin rechazar invitaciones en cuatro continentes. Piensa en la enorme diferencia entre lo que era la imagen hace cien años y lo que es hoy. Pero esta forma de vida es dura y difícil. Además, hubo momentos en que se hicieron cortes en las óperas: dos o tres arias, un dúo famoso, un ensamble, y eso es suficiente. Ahora realizan todo lo que está escrito, si no más.

¿También te gusta la música ligera...

Esta es mi antigua pasión. Michael Jackson, los Beatles, los artistas de jazz, pero sobre todo la música que crea la gente, los estratos más bajos de la sociedad. A través de ella, las personas que sufren se expresan.

Entrevista a Ramón Vargas publicada en la revista Amadeus en 2002. Publicación y traducción del italiano por Irina Sorokina.