Dinu Lipatti (Dinu Lipatti) |
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Su nombre se ha convertido durante mucho tiempo en propiedad de la historia: han pasado unas cinco décadas desde la muerte del artista. Durante este tiempo, muchas estrellas han subido y bajado en los escenarios de conciertos del mundo, han crecido varias generaciones de pianistas destacados, se han establecido nuevas tendencias en las artes escénicas, las que comúnmente se denominan “estilo interpretativo moderno”. Y mientras tanto, el legado de Dinu Lipatti, a diferencia del legado de muchos otros grandes artistas de la primera mitad de nuestro siglo, no ha sido cubierto con un “estilo de museo”, no ha perdido su encanto, su frescura: resultó para estar más allá de la moda y, además, no solo sigue entusiasmando a los oyentes, sino que también influye en las nuevas generaciones de pianistas. Sus grabaciones no son motivo de orgullo para los coleccionistas de discos antiguos: se reeditan una y otra vez y se agotan al instante. Todo esto no está sucediendo porque Lipatti bien podría estar todavía entre nosotros, estar en su mejor momento, si no fuera por una enfermedad despiadada. Las razones son más profundas: en la esencia misma de su arte eterno, en la profunda veracidad del sentimiento, como si estuviera limpio de todo lo externo, transitorio, multiplicando el poder de la influencia del talento del músico y en este momento la distancia.
Pocos artistas lograron dejar una marca tan vívida en la memoria de las personas en tan poco tiempo, que les asignó el destino. Especialmente si recordamos que Lipatti no fue de ninguna manera un niño prodigio en el sentido generalmente aceptado de la palabra, y relativamente tarde comenzó una extensa actividad concertística. Creció y se desarrolló en un ambiente musical: su abuela y su madre eran excelentes pianistas, su padre era un violinista apasionado (incluso tomó lecciones de P. Sarasate y K. Flesch). En una palabra, no es de extrañar que el futuro músico, sin saber aún el alfabeto, improvisara libremente en el piano. La alegría infantil se combinó extrañamente en sus composiciones sin complicaciones con una seriedad sorprendente; tal combinación de inmediatez de sentimiento y profundidad de pensamiento permaneció más tarde, convirtiéndose en un rasgo característico de un artista maduro.
El primer maestro de Lipatti, de ocho años, fue el compositor M. Zhora. Habiendo descubierto habilidades pianísticas excepcionales en un estudiante, en 1928 lo entregó a la famosa maestra Florika Muzychesk. En esos mismos años, tuvo otro mentor y patrocinador: George Enescu, quien se convirtió en el "padrino" del joven músico, quien siguió de cerca su desarrollo y lo ayudó. A la edad de 15 años, Lipatti se graduó con honores en el Conservatorio de Bucarest y pronto ganó el Premio Enescu por su primera obra importante, las pinturas sinfónicas "Chetrari". Al mismo tiempo, el músico decidió participar en el Concurso Internacional de Piano de Viena, uno de los más “masivos” en términos de número de participantes en la historia de los concursos: luego llegaron a la capital austriaca unos 250 artistas. Lipatti fue segundo (después de B. Kohn), pero muchos miembros del jurado lo llamaron el verdadero ganador. A. Cortot incluso abandonó el jurado en señal de protesta; en cualquier caso, inmediatamente invitó a la juventud rumana a París.
Lipatti vivió en la capital de Francia durante cinco años. Perfeccionó con A. Cortot e I. Lefebur, asistió a la clase de Nadia Boulanger, tomó lecciones de dirección de C. Munsch, composición de I. Stravinsky y P. Duke. Boulanger, que mencionó a decenas de grandes compositores, dijo esto sobre Lipatti: “Un verdadero músico en el pleno sentido de la palabra puede ser considerado aquel que se dedica por completo a la música, olvidándose de sí mismo. Puedo decir con seguridad que Lipatti es uno de esos artistas. Y esa es la mejor explicación de mi creencia en él”. Fue con Boulanger que Lipatti hizo su primera grabación en 1937: los bailes a cuatro manos de Brahms.
Al mismo tiempo, comenzó la actividad concertística del artista. Ya sus primeras actuaciones en Berlín y las ciudades de Italia llamaron la atención de todos. Tras su debut parisino, la crítica lo comparó con Horowitz y auguró unánimemente un futuro brillante para él. Lipatti visitó Suecia, Finlandia, Austria, Suiza y en todas partes tuvo éxito. Con cada concierto, su talento se abría con nuevas facetas. A ello lo facilitó su autocrítica, su método creativo: antes de llevar su interpretación a la escena, logró no sólo un perfecto dominio del texto, sino también una completa fusión con la música, lo que resultó en la más profunda penetración en el autor. intención.
Es característico que solo en los últimos años comenzó a recurrir a la herencia de Beethoven, y antes se consideraba que no estaba listo para esto. Un día comentó que le tomó cuatro años preparar el Quinto Concierto de Beethoven o el Primero de Tchaikovsky. Por supuesto, esto no habla de sus habilidades limitadas, sino solo de sus exigencias extremas sobre sí mismo. Pero cada una de sus actuaciones es el descubrimiento de algo nuevo. Manteniéndose escrupulosamente fiel al texto del autor, el pianista encendía siempre la interpretación con los “colores” de su individualidad.
Uno de estos signos de su individualidad fue la asombrosa naturalidad del fraseo: sencillez exterior, claridad de conceptos. Al mismo tiempo, para cada compositor, encontró colores de piano especiales que correspondían a su propia visión del mundo. Su Bach sonaba como una protesta contra la flaca reproducción de “museo” del gran clásico. “¿Quién se atreve a pensar en el cembalo mientras escucha la Primera Partita interpretada por Lipatti, llena de tanta fuerza nerviosa, tan melodioso legato y tanta gracia aristocrática?” exclamó uno de los críticos. Mozart lo atrajo, en primer lugar, no con gracia y ligereza, sino con emoción, incluso dramatismo y fortaleza. “Sin concesiones al estilo galante”, parece decir su juego. Esto se enfatiza por el rigor rítmico, el pedaleo medio, el toque enérgico. Su comprensión de Chopin se encuentra en el mismo plano: nada de sentimentalismo, estricta sencillez y, al mismo tiempo, un enorme poder de sentimiento...
La Segunda Guerra Mundial encontró al artista en Suiza, en otra gira. Regresó a su tierra natal, continuó actuando, componiendo música. Pero el ambiente asfixiante de la Rumanía fascista lo reprimió, y en 1943 logró partir hacia Estocolmo, y de allí a Suiza, que se convirtió en su último refugio. Dirigió el departamento de interpretación y la clase de piano en el Conservatorio de Ginebra. Pero justo en el momento en que terminó la guerra y se abrieron brillantes perspectivas ante el artista, aparecieron los primeros signos de una enfermedad incurable: la leucemia. Escribe amargamente a su maestro M. Zhora: “Cuando estaba sano, la lucha contra la miseria era agotadora. Ahora que estoy enfermo, hay invitaciones de todos los países. Firmé compromisos con Australia, América del Sur y del Norte. ¡Qué ironía del destino! Pero no me rindo. Lucharé pase lo que pase”.
La lucha se prolongó durante años. Las giras largas tuvieron que ser canceladas. En la segunda mitad de los años 40, apenas salió de Suiza; la excepción fueron sus viajes a Londres, donde debutó en 1946 junto a G. Karajan, interpretando el Concierto de Schumann bajo su dirección. Lipatti luego viajó a Inglaterra varias veces más para grabar. Pero en 1950, ya no podía soportar ni siquiera un viaje así, y la firma I-am-a le envió su “equipo” a Ginebra: en pocos días, a costa del mayor esfuerzo, 14 valses de Chopin, Se grabaron la Sonata de Mozart (No. 8), la Partita de Bach (Si bemol mayor), la Mazurca 32 de Chopin. En agosto, actuó con la orquesta por última vez: sonó el Concierto de Mozart (n. ° 21), G. Karayan estaba en el podio. Y el 16 de septiembre, Dinu Lipatti se despidió del público en Besançon. El programa del concierto incluyó la Partita en si bemol mayor de Bach, la Sonata de Mozart, dos improvisadas de Schubert y los 14 valses de Chopin. Jugó solo 13, el último ya no era lo suficientemente fuerte. Pero en cambio, al darse cuenta de que nunca más volvería a estar en el escenario, el artista interpretó la Coral de Bach, arreglada para piano por Myra Hess… La grabación de este concierto se convirtió en uno de los documentos más emocionantes y dramáticos de la historia musical de nuestro siglo…
Tras la muerte de Lipatti, su maestro y amigo A. Cortot escribió: “Querido Dinu, tu estancia temporal entre nosotros no sólo te ha adelantado de común acuerdo al primer puesto entre los pianistas de tu generación. En el recuerdo de quienes te escucharon, dejas la confianza de que si el destino no hubiera sido tan cruel contigo, entonces tu nombre se habría convertido en leyenda, en un ejemplo de servicio desinteresado al arte. El tiempo transcurrido desde entonces ha demostrado que el arte de Lipatti sigue siendo un ejemplo hasta el día de hoy. Su legado de sonido es comparativamente pequeño: solo unas nueve horas de grabaciones (si cuentas las repeticiones). Además de las composiciones antes mencionadas, logró plasmar en discos conciertos de Bach (No. 1), Chopin (No. 1), Grieg, Schumann, obras de Bach, Mozart, Scarlatti, Liszt, Ravel, su propia composiciones – Concertino en el estilo clásico y Sonata para la mano izquierda… Eso es casi todo. Pero todos los que se familiaricen con estos discos seguramente estarán de acuerdo con las palabras de Florica Muzycescu: “El discurso artístico con el que se dirigía a la gente siempre ha cautivado a la audiencia, también captura a quienes lo escuchan tocar en el disco”.
Grigoriev L., Platek Ya.
