Franz Liszt Franz Liszt |

Franz Liszt

Sin Liszt en el mundo, todo el destino de la nueva música sería diferente. V. Stasov

El trabajo compositivo de F. Liszt es inseparable de todas las demás formas de la variada e intensa actividad de este verdadero apasionado del arte. Pianista y director de orquesta, crítico musical e incansable figura pública, fue “codicioso y sensible a todo lo nuevo, fresco, vital; el enemigo de todo lo convencional, andante, rutinario” (A. Borodin).

F. Liszt nació en la familia de Adam Liszt, un pastor en la finca del Príncipe Esterhazy, un músico aficionado que dirigió las primeras lecciones de piano de su hijo, quien comenzó a actuar en público a la edad de 9 años, y en 1821- 22 Estudió en Viena con K. Czerny (piano) y A. Salieri (composición). Después de exitosos conciertos en Viena y Pest (1823), A. Liszt llevó a su hijo a París, pero el origen extranjero resultó ser un obstáculo para ingresar al conservatorio, y la educación musical de Liszt se complementó con lecciones privadas de composición de F. Paer y A. Reicha. El joven virtuoso conquista París y Londres con sus actuaciones, compone mucho (la ópera en un acto Don Sancho, o El castillo del amor, piezas para piano).

La muerte de su padre en 1827, que obligó a Liszt desde muy temprano a cuidar de su propia existencia, lo puso cara a cara con el problema de la posición humillante del artista en la sociedad. La cosmovisión del joven se forma bajo la influencia de las ideas del socialismo utópico de A. Saint-Simon, el socialismo cristiano del Abbé F. Lamennay y los filósofos franceses del siglo XIX. etc. La revolución de julio de 1830 en París dio lugar a la idea de la “Sinfonía revolucionaria” (quedó inconclusa), el levantamiento de los tejedores en Lyon (1834) – la pieza para piano “Lyon” (con un epígrafe – el lema de los rebeldes “Vivir, trabajar o morir luchando”). Los ideales artísticos de Liszt se forman en línea con el romanticismo francés, en comunicación con V. Hugo, O. Balzac, G. Heine, bajo la influencia del arte de N. Paganini, F. Chopin, G. Berlioz. Están formulados en una serie de artículos “Sobre la posición de las personas de arte y sobre las condiciones de su existencia en la sociedad” (1835) y en “Cartas del Licenciado en Música” (1837-39), escrito en colaboración con M d'Agout (más tarde escribió bajo el seudónimo de Daniel Stern), con la que Liszt emprendió un largo viaje a Suiza (1835-37), donde enseñó en el Conservatorio de Ginebra, ya Italia (1837-39).

Los “años de vagabundeo” que comenzaron en 1835 se continuaron en giras intensivas de numerosas razas por Europa (1839-47). La llegada de Liszt a su Hungría natal, donde fue honrado como héroe nacional, fue un verdadero triunfo (las ganancias de los conciertos se destinaron a ayudar a los afectados por las inundaciones que azotaron el país). Tres veces (1842, 1843, 1847) Liszt visitó Rusia, estableció amistades de por vida con músicos rusos, transcribió la Marcha de Chernomor de Ruslan y Lyudmila de M. Glinka, el romance de A. Alyabyev El Ruiseñor, etc. Numerosas transcripciones, fantasías, paráfrasis, creadas por Liszt durante estos años, reflejaron no solo los gustos del público, sino que también fueron evidencia de su actividad musical y educativa. En los conciertos para piano de Liszt, las sinfonías de L. Beethoven y la “Sinfonía fantástica” de G. Berlioz, oberturas de “Guillermo Tell” de G. Rossini y “El tirador mágico” de KM Weber, canciones de F. Schubert, preludios de órgano y fugas de JS Bach, así como paráfrasis y fantasías operísticas (sobre temas de Don Giovanni de WA Mozart, óperas de V. Bellini, G. Donizetti, G. Meyerbeer, y posteriormente de G. Verdi), transcripciones de fragmentos de las óperas de Wagner, etc. El piano en manos de Liszt se convierte en un instrumento universal capaz de recrear toda la riqueza del sonido de las partituras de ópera y sinfonía, la potencia del órgano y la melodiosa voz humana.

Mientras tanto, los triunfos del gran pianista, que conquistó toda Europa con la fuerza elemental de su tempestuoso temperamento artístico, le reportaron cada vez menos verdaderas satisfacciones. Cada vez era más difícil para Liszt complacer los gustos del público, para quien su virtuosismo fenomenal y la ostentación exterior de su actuación a menudo oscurecían las intenciones serias del educador, que buscaba “cortar el fuego del corazón de la gente”. Habiendo dado un concierto de despedida en Elizavetgrad en Ucrania en 1847, Liszt se mudó a Alemania, a la tranquila Weimar, consagrada por las tradiciones de Bach, Schiller y Goethe, donde ocupó el cargo de director de orquesta en la corte principesca, dirigió la orquesta y la ópera. casa.

El período de Weimar (1848-61), el tiempo de la “concentración del pensamiento”, como lo llamó el propio compositor, es, sobre todo, un período de intensa creatividad. Liszt completa y reelabora muchas composiciones creadas o comenzadas anteriormente e implementa nuevas ideas. Así que desde el creado en los años 30. “Álbum del viajero” crece “Años de andanzas” – ciclos de piezas para piano (año 1 – Suiza, 1835-54; año 2 – Italia, 1838-49, con la adición de “Venecia y Nápoles”, 1840-59) ; recibir los Estudios de acabado final de la más alta habilidad interpretativa ("Etudes of trascendent performance", 1851); “Grandes estudios sobre los caprichos de Paganini” (1851); “Armonías poéticas y religiosas” (10 piezas para piano, 1852). Continuando con el trabajo sobre melodías húngaras (Melodías nacionales húngaras para piano, 1840-43; “Rapsodias húngaras”, 1846), Liszt crea 15 “Rapsodias húngaras” (1847-53). La implementación de nuevas ideas conduce al surgimiento de las obras centrales de Liszt, incorporando sus ideas en nuevas formas: Sonatas en si menor (1852-53), 12 poemas sinfónicos (1847-57), "Faust Symphonies" de Goethe (1854). -57) y Sinfonía a la Divina Comedia de Dante (1856). A ellos se suman 2 conciertos (1849-56 y 1839-61), “Dance of Death” para piano y orquesta (1838-49), “Mephisto-Waltz” (basado en “Faust” de N. Lenau, 1860), etc.

En Weimar, Liszt organiza la interpretación de las mejores obras de ópera y clásicos sinfónicos, las últimas composiciones. Primero puso en escena Lohengrin de R. Wagner, Manfred de J. Byron con música de R. Schumann, dirigió sinfonías y óperas de G. Berlioz, etc. con el objetivo de afirmar los nuevos principios del arte romántico avanzado (el libro F. Chopin, 1850; los artículos Berlioz y su Harold Symphony, Robert Schumann, R. Wagner's Flying Dutchman, etc.). Las mismas ideas subyacen en la organización de la “Nueva Unión de Weimar” y la “Unión Musical General Alemana”, durante cuya creación Liszt contó con el apoyo de destacados músicos agrupados a su alrededor en Weimar (I. Raff, P. Cornelius, K . Tausig, G. Bulow y otros).

Sin embargo, la inercia filistea y las intrigas de la corte de Weimar, que obstaculizaron cada vez más la implementación de los grandiosos planes de List, lo obligaron a dimitir. A partir de 1861, Liszt vivió durante mucho tiempo en Roma, donde intentó reformar la música sacra, escribió el oratorio "Cristo" (1866) y en 1865 recibió el rango de abad (en parte bajo la influencia de la princesa K. Wittgenstein). , con quien se hizo cercano ya en 1847 G.). Grandes pérdidas también contribuyeron al estado de ánimo de decepción y escepticismo: la muerte de su hijo Daniel (1860) y su hija Blandina (1862), que siguió creciendo con los años, una sensación de soledad e incomprensión de sus aspiraciones artísticas y sociales. Se reflejaron en una serie de obras posteriores: el tercer "Año de los vagabundeos" (Roma; obras de teatro "Cipreses de Villa d'Este", 1 y 2, 1867-77), piezas para piano ("Nubes grises", 1881; " Góndola fúnebre”, “Muerte de Czardas”, 1882), el segundo (1881) y tercero (1883) “Valses de Mephisto”, en el último poema sinfónico “De la cuna a la tumba” (1882).

Sin embargo, en los años 60 y 80, Liszt dedica una gran cantidad de fuerza y ​​energía a la construcción de la cultura musical húngara. Vive regularmente en Pest, interpreta allí sus obras, incluidas las relacionadas con temas nacionales (el oratorio La Leyenda de Santa Isabel, 1862; La Misa de la Coronación Húngara, 1867, etc.), contribuye a la fundación de la Academia de Música de Pest (fue su primer presidente), escribe el ciclo para piano “Retratos históricos húngaros”, 1870-86), las últimas “Rapsodias húngaras” (16-19), etc. En Weimar, donde Liszt regresó en 1869, se comprometió con numerosos estudiantes de diferentes países (A. Siloti, V. Timanova, E. d'Albert, E. Sauer y otros). También lo visitan compositores, en particular Borodin, que dejó recuerdos muy interesantes y vívidos de Liszt.

Liszt siempre captó y apoyó lo nuevo y original en el arte con una sensibilidad excepcional, contribuyendo al desarrollo de la música de las escuelas nacionales europeas (checa, noruega, española, etc.), destacando especialmente la música rusa, obra de M. Glinka, A. Dargomyzhsky, los compositores de The Mighty Handful, las artes escénicas A. y N. Rubinsteinov. Durante muchos años, Liszt promovió la obra de Wagner.

El genio pianístico de Liszt determinó la primacía de la música para piano, donde por primera vez tomaron forma sus ideas artísticas, guiadas por la idea de la necesidad de una influencia espiritual activa en las personas. En la idea de Liszt de Programabilidad en la música. La definió como “la renovación de la música a través de su conexión interna con la poesía, como la liberación del contenido artístico del esquematismo”, dando lugar a la creación de nuevos géneros y formas. Las obras de teatro de Listov de los Años de los vagabundeos, que incorporan imágenes cercanas a las obras de literatura, pintura, escultura, leyendas populares (sonata-fantasía "Después de leer a Dante", "Sonetos de Petrarca", "Desposorios" basada en una pintura de Rafael, "El pensador ” basada en una escultura de Miguel Ángel, “La Capilla de Guillermo Tell”, asociada a la imagen del héroe nacional de Suiza), o imágenes de la naturaleza (“En el lago Wallenstadt”, “En la primavera”), son poemas musicales de diferentes escalas. El propio Liszt introdujo este nombre en relación con sus grandes obras sinfónicas de un solo movimiento. Sus títulos dirigen al oyente a los poemas de A. Lamartine (“Preludios”), V. Hugo (“Lo que se escucha en la montaña”, “Mazeppa” – también hay un estudio de piano con el mismo título), F. Schiller (“Ideales”); a las tragedias de W. Shakespeare ("Hamlet"), J. Herder ("Prometeo"), al mito antiguo ("Orfeo"), la pintura de W. Kaulbach ("Batalla de los hunos"), el drama de JW Goethe ("Tasso", el poema está cerca del poema de Byron "La queja de Tasso").

Al elegir las fuentes, Liszt se detiene en obras que contienen ideas consonantes sobre el sentido de la vida, los misterios del ser ("Preludios", "Faust Symphony"), el destino trágico del artista y su gloria póstuma ("Tasso", con el subtítulo “Queja y Triunfo”). También le atraen las imágenes del elemento folclórico (“Tarantella” del ciclo “Venecia y Nápoles”, “Rapsodia española” para piano), especialmente en conexión con su Hungría natal (“Rapsodias húngaras”, poema sinfónico “Hungría” ). El tema heroico y heroico-trágico de la lucha de liberación nacional del pueblo húngaro, la revolución de 1848-49, resonó con extraordinaria fuerza en la obra de Liszt. y sus derrotas ("Marcha Rakoczi", "Procesión fúnebre" para piano; poema sinfónico "Lamento por los héroes", etc.).

Liszt pasó a la historia de la música como un innovador audaz en el campo de la forma musical, la armonía, enriqueció el sonido del piano y la orquesta sinfónica con nuevos colores, dio ejemplos interesantes de resolver géneros oratorios, una canción romántica ("Lorelei" en el arte de H. Heine, “Como el espíritu de Laura” en la calle V. Hugo, “Tres gitanos” en la calle N. Lenau, etc.), obras para órgano. Tomando mucho de las tradiciones culturales de Francia y Alemania, siendo un clásico nacional de la música húngara, tuvo un gran impacto en el desarrollo de la cultura musical en toda Europa.

E. Tsareva

• La trayectoria vital y creativa de Liszt →

Liszt es un clásico de la música húngara. Sus conexiones con otras culturas nacionales. Apariencia creativa, opiniones sociales y estéticas de Liszt. La programación es el principio rector de su creatividad.

Liszt, el mayor compositor del siglo 30, un pianista y director de orquesta brillante e innovador, una destacada figura musical y pública, es el orgullo nacional del pueblo húngaro. Pero el destino de Liszt resultó ser tal que abandonó su tierra natal temprano, pasó muchos años en Francia y Alemania, visitando Hungría solo ocasionalmente, y solo hacia el final de su vida vivió en ella durante mucho tiempo. Esto determinó la complejidad de la imagen artística de Liszt, su estrecho vínculo con la cultura francesa y alemana, de las que tomó mucho, pero a las que mucho dio con su vigorosa actividad creativa. Ni la historia de la vida musical en el París de los años XNUMX, ni la historia de la música alemana a mediados del siglo XIX, estarían completas sin el nombre de Liszt. Sin embargo, pertenece a la cultura húngara y su contribución a la historia del desarrollo de su país natal es enorme.

El mismo Liszt dijo que, habiendo pasado su juventud en Francia, solía considerarla su patria: “Aquí yacen las cenizas de mi padre, aquí, en la tumba sagrada, mi primer dolor ha encontrado su refugio. ¿Cómo no sentirme hijo de un país donde tanto sufrí y tanto amé? ¿Cómo podría imaginar que nací en otro país? ¿Que por mis venas corre otra sangre, que mis seres queridos viven en otro lugar? Habiendo aprendido en 1838 sobre el terrible desastre: la inundación que azotó a Hungría, se sintió profundamente consternado: "Estas experiencias y sentimientos me revelaron el significado de la palabra" patria "".

Liszt estaba orgulloso de su gente, de su tierra natal, y constantemente enfatizaba que era húngaro. “De todos los artistas vivos”, dijo en 1847, “soy el único que se atreve con orgullo a señalar su orgullosa patria. Mientras otros vegetaban en pozas poco profundas, yo siempre navegaba hacia delante en el mar caudaloso de una gran nación. Creo firmemente en mi estrella guía; el propósito de mi vida es que Hungría algún día pueda señalarme con orgullo”. Y repite lo mismo un cuarto de siglo después: “Permítanme admitir que, a pesar de mi lamentable ignorancia de la lengua húngara, sigo siendo un magiar desde la cuna hasta la tumba en cuerpo y alma y, de acuerdo con esta gravísima Me esfuerzo por apoyar y desarrollar la cultura musical húngara”.

A lo largo de su carrera, Liszt recurrió al tema húngaro. En 1840, escribió la Marcha heroica al estilo húngaro, luego la cantata Hungría, el famoso Procesión fúnebre (en honor a los héroes caídos) y, finalmente, varios cuadernos de melodías y rapsodias nacionales húngaras (veintiuna piezas en total). . En el período central – la década de 1850, se crearon tres poemas sinfónicos asociados a las imágenes de la patria (“Lamento por los héroes”, “Hungría”, “Batalla de los hunos”) y quince rapsodias húngaras, que son arreglos libres de folklore. melodías Los temas húngaros también se pueden escuchar en las obras espirituales de Liszt, escritas especialmente para Hungría: "Gran Misa", "Leyenda de Santa Isabel", "Misa de coronación húngara". Aún más a menudo recurre al tema húngaro en los años 70-80 en sus canciones, piezas para piano, arreglos y fantasías sobre los temas de las obras de los compositores húngaros.

Pero estas obras húngaras, numerosas en sí mismas (su número llega a ciento treinta), no están aisladas en la obra de Liszt. Otras obras, especialmente las heroicas, tienen rasgos comunes con ellas, giros específicos separados y principios de desarrollo similares. No hay una línea clara entre las obras húngaras y "extranjeras" de Liszt: están escritas en el mismo estilo y enriquecidas con los logros del arte clásico y romántico europeo. Es por eso que Liszt fue el primer compositor en llevar la música húngara a la arena mundial.

Sin embargo, no solo le preocupaba el destino de la patria.

Ya en su juventud soñaba con dar una educación musical a los más amplios sectores del pueblo, para que los compositores crearan canciones siguiendo el modelo de la Marsellesa y otros himnos revolucionarios que levantaran a las masas a luchar por su liberación. Liszt tuvo el presentimiento de un levantamiento popular (lo cantó en la pieza para piano “Lyon”) e instó a los músicos a no limitarse a los conciertos en beneficio de los pobres. “Durante demasiado tiempo en los palacios los miraron (a los músicos.— Maryland) como sirvientes de la corte y parásitos, durante demasiado tiempo glorificaron los amores de los fuertes y las alegrías de los ricos: ¡finalmente ha llegado para ellos la hora de despertar el coraje en los débiles y aliviar el sufrimiento de los oprimidos! El arte debe infundir belleza en las personas, inspirar decisiones heroicas, despertar a la humanidad, ¡mostrar uno mismo!”. A lo largo de los años, esta creencia en el alto papel ético del arte en la vida de la sociedad provocó una actividad educativa a gran escala: Liszt actuó como pianista, director de orquesta, crítico, un activo propagandista de las mejores obras del pasado y del presente. El mismo estaba subordinado a su labor como docente. Y, naturalmente, con su obra quiso establecer altos ideales artísticos. Estos ideales, sin embargo, no siempre se le presentaron claramente.

Liszt es el representante más brillante del romanticismo en la música. Ardiente, entusiasta, emocionalmente inestable, apasionadamente buscador, él, como otros compositores románticos, pasó por muchas pruebas: su camino creativo fue complejo y contradictorio. Liszt vivió tiempos difíciles y, como Berlioz y Wagner, no escapó a la vacilación y la duda, sus opiniones políticas eran vagas y confusas, era aficionado a la filosofía idealista, a veces incluso buscaba consuelo en la religión. “Nuestra era está enferma y nosotros estamos enfermos con ella”, respondió Liszt a los reproches por la variabilidad de sus puntos de vista. Pero el carácter progresista de su trabajo y actividades sociales, la extraordinaria nobleza moral de su apariencia como artista y como persona se mantuvieron inalterables a lo largo de su larga vida.

“Ser la encarnación de la pureza moral y la humanidad, haberla adquirido a costa de penurias, sacrificios dolorosos, servir como blanco del ridículo y la envidia: este es el destino habitual de los verdaderos maestros del arte”, escribieron los veinticuatro. -Años de edad, Liszt. Y así fue siempre. Intensas búsquedas y dura lucha, trabajo titánico y perseverancia en la superación de obstáculos lo acompañaron toda su vida.

Los pensamientos sobre el alto propósito social de la música inspiraron el trabajo de Liszt. Se esforzó por hacer que sus obras fueran accesibles a la más amplia gama de oyentes, y esto explica su obstinada atracción por la programación. Allá por 1837, Liszt fundamenta sucintamente la necesidad de la programación en la música y los principios básicos a los que se adherirá a lo largo de su trabajo: “Para algunos artistas, su trabajo es su vida… Especialmente un músico que se inspira en la naturaleza, pero no copia expresa en sonidos los secretos más íntimos de su destino. Piensa en ellos, encarna sentimientos, habla, pero su lenguaje es más arbitrario e indefinido que cualquier otro, y, como hermosas nubes doradas que toman al atardecer cualquier forma que les dé la fantasía de un vagabundo solitario, se presta también fácilmente a las más variadas interpretaciones. Por tanto, no es en modo alguno inútil y en todo caso nada divertido -como suele decirse- que un compositor esboce un esbozo de su obra en unas pocas líneas y, sin caer en minucias y detalles, exprese la idea que sirvió. él como base para la composición. Entonces la crítica tendrá libertad para elogiar o reprochar la realización más o menos acertada de esta idea.

El giro de Liszt hacia la programación fue un fenómeno progresivo, debido al rumbo total de sus aspiraciones creativas. Liszt quería hablar a través de su arte no con un círculo estrecho de conocedores, sino con las masas de oyentes, para emocionar a millones de personas con su música. Es cierto que la programación de Liszt es contradictoria: en un esfuerzo por encarnar grandes pensamientos y sentimientos, a menudo cayó en la abstracción, en vagas filosofías, y por lo tanto, involuntariamente, limitó el alcance de sus obras. Pero los mejores de ellos superan esta incertidumbre abstracta y la vaguedad del programa: las imágenes musicales creadas por Liszt son concretas, inteligibles, los temas son expresivos y en relieve, la forma es clara.

Basado en los principios de la programación, afirmando el contenido ideológico del arte con su actividad creativa, Liszt enriqueció inusualmente los recursos expresivos de la música, cronológicamente por delante incluso de Wagner en este aspecto. Con sus coloridos hallazgos, Liszt amplió el alcance de la melodía; al mismo tiempo, se le puede considerar legítimamente uno de los innovadores más atrevidos del siglo XIX en el campo de la armonía. Liszt es también el creador de un nuevo género de "poema sinfónico" y un método de desarrollo musical llamado "monotematismo". Finalmente, sus logros en el campo de la técnica y la textura del piano son especialmente significativos, ya que Liszt fue un pianista brillante, cuyo igual no ha conocido la historia.

El legado musical que dejó es enorme, pero no todas las obras son iguales. Las áreas principales en el trabajo de Liszt son el piano y la sinfonía: aquí sus aspiraciones ideológicas y artísticas innovadoras estaban en plena vigencia. De indudable valor son las composiciones vocales de Liszt, entre las que destacan las canciones; mostró poco interés por la ópera y la música instrumental de cámara.

Temas, imágenes de la creatividad de Liszt. Su importancia en la historia del arte musical húngaro y mundial.

El legado musical de Liszt es rico y variado. Vivió de acuerdo con los intereses de su tiempo y se esforzó por responder creativamente a las demandas reales de la realidad. De ahí el almacén heroico de la música, su drama inherente, su energía ardiente, su patetismo sublime. Los rasgos de idealismo inherentes a la visión del mundo de Liszt, sin embargo, afectaron a una serie de obras, dando lugar a una cierta indefinición de expresión, vaguedad o abstracción de contenido. Pero en sus mejores obras estos momentos negativos son superados, en ellos, para usar la expresión de Cui, “la vida genuina hierve”.

El estilo marcadamente individual de Liszt fundió muchas influencias creativas. El heroísmo y el poderoso dramatismo de Beethoven, junto con el romanticismo violento y el colorido de Berlioz, el demonismo y el brillante virtuosismo de Paganini, tuvieron una influencia decisiva en la formación de los gustos artísticos y las visiones estéticas del joven Liszt. Su posterior evolución creativa procedió bajo el signo del romanticismo. El compositor absorbió con avidez las impresiones vitales, literarias, artísticas y actualmente musicales.

Una biografía inusual contribuyó al hecho de que varias tradiciones nacionales se combinaron en la música de Liszt. De la escuela romántica francesa tomó brillantes contrastes en la yuxtaposición de imágenes, su pintoresquismo; de la música de ópera italiana del siglo XIX (Rossini, Bellini, Donizetti, Verdi) – pasión emocional y dicha sensual de cantilena, recitación vocal intensa; de la escuela alemana – la profundización y expansión de los medios de expresividad de la armonía, la experimentación en el campo de la forma. Debe agregarse a lo dicho que en el período de madurez de su obra, List también experimentó la influencia de las jóvenes escuelas nacionales, principalmente rusas, cuyos logros estudió con detenimiento.

Todo esto se fusionó orgánicamente en el estilo artístico de Liszt, que es inherente a la estructura musical nacional-húngara. Tiene ciertas esferas de imágenes; Entre ellos, se pueden distinguir cinco grupos principales:

1) Las imágenes heroicas de un personaje invocador, brillantemente mayor, están marcadas por una gran originalidad. Se caracterizan por un almacén orgullosamente caballeroso, brillantez y brillantez de presentación, sonido ligero de cobre. Melodía elástica, el ritmo punteado está "organizado" por un paso de marcha. Así aparece en la mente de Liszt un valiente héroe que lucha por la felicidad y la libertad. Los orígenes musicales de estas imágenes están en los temas heroicos de Beethoven, en parte de Weber, pero lo más importante es que es aquí, en esta zona, donde se ve más claramente la influencia de la melodía nacional húngara.

Entre las imágenes de procesiones solemnes, también hay temas menores más improvisados, percibidos como una historia o una balada sobre el pasado glorioso del país. La yuxtaposición de menor - paralelo mayor y el uso generalizado de la melismática enfatizan la riqueza del sonido y la variedad de colores.

2) Las imágenes trágicas son una especie de paralelo a las heroicas. Tales son las procesiones de duelo o canciones de lamentación favoritas de Liszt (las llamadas “trenody”), cuya música está inspirada en los trágicos acontecimientos de la lucha de liberación del pueblo en Hungría o la muerte de sus principales figuras políticas y públicas. El ritmo de marcha aquí se vuelve más agudo, se vuelve más nervioso, espasmódico y, a menudo, en lugar de

existe

or

(por ejemplo, el segundo tema del primer movimiento del Segundo Concierto para piano). Recordamos las marchas fúnebres de Beethoven y sus prototipos en la música de la Revolución Francesa de finales del siglo XIX (véase, por ejemplo, la famosa Marcha fúnebre de Gossek). Pero Liszt está dominado por el sonido de los trombones, bajos profundos, "bajos", campanas fúnebres. Como señala el musicólogo húngaro Bence Szabolczy, “estas obras tiemblan con una pasión sombría, que solo encontramos en los últimos poemas de Vörösmarty y en las últimas pinturas del pintor Laszlo Paal”.

Los orígenes nacional-húngaros de tales imágenes son indiscutibles. Para verlo, basta remitirse al poema orquestal “Lamento por los héroes” (“Heroi'de funebre”, 1854) oa la popular pieza para piano “El cortejo fúnebre” (“Funerailles”, 1849). Ya el primer tema de la "Procesión fúnebre", que se desarrolla lentamente, contiene un giro característico de un segundo ampliado, que le da un tono especial a la marcha fúnebre. La astringencia del sonido (armónica mayor) se conserva en la posterior cantilena lírica lúgubre. Y, como sucede a menudo con Liszt, las imágenes de duelo se transforman en heroicas: a un poderoso movimiento popular, a una nueva lucha, la muerte de un héroe nacional está llamando.

3) Otra esfera emocional y semántica está asociada a imágenes que transmiten sentimientos de duda, un estado de ánimo ansioso. Este conjunto complejo de pensamientos y sentimientos entre los románticos se asoció con la idea del Fausto de Goethe (compárese con Berlioz, Wagner) o el Manfredo de Byron (compárese con Schumann, Tchaikovsky). El Hamlet de Shakespeare se incluía a menudo en el círculo de estas imágenes (compárese con Tchaikovsky, con el propio poema de Liszt). La encarnación de tales imágenes requería nuevos medios expresivos, especialmente en el campo de la armonía: Liszt a menudo usa intervalos aumentados y disminuidos, cromatismos, incluso armonías fuera de tono, combinaciones de cuartos, modulaciones audaces. “Algún tipo de impaciencia febril y agonizante arde en este mundo de armonía”, señala Sabolci. Estas son las frases iniciales de ambas sonatas para piano o de la Sinfonía Fausto.

4) A menudo se utilizan medios de expresión cercanos en significado en la esfera figurativa donde predominan la burla y el sarcasmo, se transmite el espíritu de negación y destrucción. Esa “satánica” que esbozaba Berlioz en el “Sábado de las brujas” de la “Sinfonía Fantástica” adquiere en Liszt un carácter aún más espontáneamente irresistible. Esta es la personificación de las imágenes del mal. La base del género, la danza, aparece ahora bajo una luz distorsionada, con acentos agudos, en consonancias disonantes, enfatizadas por notas de gracia. El ejemplo más obvio de esto son los tres Valses de Mephisto, el final de la Sinfonía de Fausto.

5) La hoja también capturó expresivamente una amplia gama de sentimientos amorosos: embriaguez por la pasión, un impulso extático o dicha soñadora, languidez. Ahora es una cantilena de respiración tensa en el espíritu de las óperas italianas, ahora una recitación oratoriamente excitada, ahora una languidez exquisita de armonías de "Tristán", abundantemente provistas de alteraciones y cromatismo.

Por supuesto, no hay demarcaciones claras entre las esferas figurativas marcadas. Los temas heroicos se acercan a los trágicos, los motivos “fáusticos” a menudo se transforman en “mefistófeles”, y los temas “eróticos” incluyen tanto sentimientos nobles y sublimes como tentaciones de seducción “satánica”. Además, la paleta expresiva de Liszt no se agota con esto: en las "Rapsodias húngaras" predominan las imágenes de danza del género folclórico, en los "Años de vagabundeos" hay muchos bocetos de paisajes, en los estudios (o conciertos) hay visiones fantásticas de scherzo. Sin embargo, los logros de List en estas áreas son los más originales. Fueron ellos quienes tuvieron una fuerte influencia en el trabajo de las siguientes generaciones de compositores.

* * *

Durante el apogeo de la actividad de List, en los años 50-60, su influencia se limitó a un estrecho círculo de estudiantes y amigos. Con los años, sin embargo, los logros pioneros de Liszt fueron cada vez más reconocidos.

Naturalmente, en primer lugar, su influencia afectó la interpretación y la creatividad del piano. Voluntaria o involuntariamente, todo el que recurría al piano no podía pasar por alto las gigantescas conquistas de Liszt en este ámbito, que se reflejaban tanto en la interpretación del instrumento como en la textura de las composiciones. Con el tiempo, los principios ideológicos y artísticos de Liszt ganaron reconocimiento en la práctica de los compositores y fueron asimilados por representantes de varias escuelas nacionales.

Se ha generalizado el principio generalizado de programación, planteado por Liszt como contrapeso a Berlioz, más propio de la interpretación pictórico-“teatral” de la trama elegida. En particular, los principios de Liszt fueron más utilizados por los compositores rusos, especialmente Tchaikovsky, que los de Berlioz (aunque estos últimos no fueron pasados ​​por alto, por ejemplo, por Mussorgsky en Night on Bald Mountain o Rimsky-Korsakov en Scheherazade).

También se ha generalizado el género del poema sinfónico programático, cuyas posibilidades artísticas han ido desarrollando los compositores hasta el día de hoy. Inmediatamente después de Liszt, Saint-Saens y Franck escribieron poemas sinfónicos en Francia; en la República Checa – Crema agria; en Alemania, R. Strauss logró los más altos logros en este género. Es cierto que tales obras estaban lejos de estar siempre basadas en el monotematismo. Los principios del desarrollo de un poema sinfónico en combinación con una sonata allegro a menudo se interpretaban de manera diferente, más libremente. Sin embargo, el principio monotemático, en su interpretación más libre, se utilizó, además, en composiciones no programadas ("el principio cíclico" en las obras sinfónicas e instrumentales de cámara de Frank, la sinfonía c-moll de Taneyev y otras). Finalmente, los compositores posteriores a menudo recurrieron al tipo poético del concierto para piano de Liszt (ver el Concierto para piano de Rimsky-Korsakov, el Primer Concierto para piano de Prokofiev, el Segundo Concierto para piano de Glazunov y otros).

No solo se desarrollaron los principios compositivos de Liszt, sino también las esferas figurativas de su música, especialmente el heroico, "Faustiano", "Mefistófeles". Recordemos, por ejemplo, los orgullosos “temas de la autoafirmación” en las sinfonías de Scriabin. En cuanto a la denuncia del mal en imágenes "mefistofélicas", como distorsionadas por la burla, sostenida en el espíritu de frenéticas "danzas de la muerte", su desarrollo posterior se encuentra incluso en la música de nuestro tiempo (ver las obras de Shostakovich). También está muy extendido el tema de las dudas “fáusticas”, las seducciones “diabólicas”. Estas diversas esferas se reflejan plenamente en la obra de R. Strauss.

El colorido lenguaje musical de Liszt, rico en sutiles matices, también recibió un desarrollo significativo. En particular, la brillantez de sus armonías sirvió de base para la búsqueda de los impresionistas franceses: sin los logros artísticos de Liszt, ni Debussy ni Ravel son inconcebibles (este último, además, utilizó ampliamente los logros del pianismo de Liszt en sus obras). ).

Las "percepciones" de Liszt sobre el período tardío de la creatividad en el campo de la armonía fueron apoyadas y estimuladas por su creciente interés en las jóvenes escuelas nacionales. Fue entre ellos –y sobre todo entre los kuchkistas– donde Liszt encontró oportunidades para enriquecer el lenguaje musical con nuevos giros modales, melódicos y rítmicos.

Druskin

• Obras para piano de Liszt →
• Obras sinfónicas de Liszt →

• El trabajo vocal de Liszt →

• Lista de obras de Liszt →