Gioachino Rossini |

Gioachino Rossini

Pero la noche azul se está oscureciendo, es hora de que vayamos a la ópera pronto; Está el encantador Rossini, el niño mimado de Europa: Orfeo. Ignorando las duras críticas, Él es eternamente el mismo; siempre nuevo. Él vierte sonidos, hierven. Fluyen, queman. Como besos jóvenes Todo está en la dicha, en la llama del amor, Como un silbido ai Un chorro y salpicaduras de oro... A. Pushkin

Entre los compositores italianos del siglo XIX. Rossini ocupa un lugar especial. El inicio de su camino creativo cae en un momento en que el arte operístico de Italia, que no hace mucho dominaba Europa, empezaba a perder terreno. La opera-buffa se estaba ahogando en un entretenimiento sin sentido, y la opera-seria degeneró en una actuación forzada y sin sentido. Rossini no solo revivió y reformó la ópera italiana, sino que también tuvo un gran impacto en el desarrollo de todo el arte operístico europeo del siglo pasado. “Divino Maestro” – así llamó el gran compositor italiano G. Heine, quien vio en Rossini “el sol de Italia, derrochando sus rayos sonoros en todo el mundo”.

Rossini nació en la familia de un músico de orquesta pobre y un cantante de ópera provincial. Con una compañía itinerante, los padres recorrieron varias ciudades del país, y el futuro compositor ya conocía desde la infancia la vida y las costumbres que dominaban los teatros de ópera italianos. Un temperamento ardiente, una mente burlona, ​​una lengua afilada convivían en la naturaleza del pequeño Gioacchino con una musicalidad sutil, un oído excelente y una memoria extraordinaria.

En 1806, después de varios años de estudios no sistemáticos de música y canto, Rossini ingresó en el Liceo de Música de Bolonia. Allí, el futuro compositor estudió violonchelo, violín y piano. Clases con el famoso compositor de la iglesia S. Mattei en teoría y composición, autoeducación intensiva, estudio entusiasta de la música de J. Haydn y WA ​​Mozart: todo esto permitió que Rossini dejara el liceo como un músico culto que dominaba la habilidad. de componer bien.

Ya al ​​comienzo de su carrera, Rossini mostró una inclinación particularmente pronunciada por el teatro musical. Escribió su primera ópera Demetrio y Polibio a la edad de 14 años. Desde 1810, el compositor ha estado componiendo varias óperas de varios géneros cada año, ganando gradualmente fama en amplios círculos operísticos y conquistando los escenarios de los más grandes teatros italianos: La Fenice en Venecia. , San Carlo de Nápoles, La Scala de Milán.

El año 1813 fue un punto de inflexión en la obra operística del compositor, 2 composiciones puestas en escena ese año - "Italiano en Argel" (onepa-buffa) y "Tancred" (ópera heroica) - determinaron los principales caminos de su trabajo posterior. El éxito de las obras fue causado no solo por la excelente música, sino también por el contenido del libreto, imbuido de sentimientos patrióticos, tan en consonancia con el movimiento de liberación nacional para la reunificación de Italia, que se desarrollaba en ese momento. La protesta pública provocada por las óperas de Rossini, la creación del “Himno de la Independencia” a petición de los patriotas de Bolonia, así como la participación en las manifestaciones de los luchadores por la libertad en Italia, todo esto condujo a una policía secreta a largo plazo. supervisión, que se estableció para el compositor. No se consideraba en absoluto una persona con mentalidad política y escribió en una de sus cartas: “Nunca me inmiscuí en la política. Yo era músico, y nunca se me ocurrió convertirme en otra persona, aunque experimenté la más viva participación en lo que sucedía en el mundo, y especialmente en el destino de mi patria.

Después de “Italian in Algiers” y “Tancred”, el trabajo de Rossini rápidamente va cuesta arriba y después de 3 años alcanza una de las cimas. A principios de 1816 tuvo lugar en Roma el estreno de El barbero de Sevilla. Escrita en apenas 20 días, esta ópera no sólo fue el mayor logro del genio cómico-satírico de Rossini, sino también el punto culminante de casi un siglo de desarrollo del género ópera-buifa.

Con El barbero de Sevilla, la fama del compositor traspasó Italia. El estilo brillante de Rossini refrescó el arte de Europa con una alegría exuberante, un ingenio chispeante y una pasión espumosa. “Mi El Peluquero cada día tiene más y más éxito”, escribió Rossini, “e incluso a los más empedernidos opositores a la nueva escuela se las arregló para chupar para que, en contra de su voluntad, empezaran a querer más y más a este chico inteligente. más." La actitud fanáticamente entusiasta y superficial hacia la música de Rossini del público aristocrático y la nobleza burguesa contribuyó a la aparición de muchos opositores al compositor. Sin embargo, entre la intelectualidad artística europea también hubo serios conocedores de su obra. E. Delacroix, O. Balzac, A. Musset, F. Hegel, L. Beethoven, F. Schubert, M. Glinka estaban bajo el hechizo de la música de Rossin. E incluso KM Weber y G. Berlioz, que ocupaban una posición crítica en relación con Rossini, no dudaron de su genialidad. “Después de la muerte de Napoleón, hubo otra persona de la que se habla constantemente en todas partes: en Moscú y Nápoles, en Londres y Viena, en París y Calcuta”, escribió Stendhal sobre Rossini.

Poco a poco, el compositor pierde interés en onepe-buffa. Escrita próximamente en este género, “Cenicienta” no muestra a los oyentes nuevas revelaciones creativas del compositor. La ópera La urraca ladrona, compuesta en 1817, va más allá de los límites del género de la comedia, convirtiéndose en un modelo de drama realista musical cotidiano. Desde ese momento, Rossini comenzó a prestar más atención a las óperas heroico-dramáticas. Después de Otelo, aparecen obras históricas legendarias: Moisés, La dama del lago, Mohamed II.

Después de la primera revolución italiana (1820-21) y su brutal represión por parte de las tropas austríacas, Rossini se fue de gira a Viena con una compañía de ópera napolitana. Los triunfos vieneses fortalecieron aún más la fama europea del compositor. Volviendo por un corto tiempo a Italia para la producción de Semiramide (1823), Rossini fue a Londres y luego a París. Allí vive hasta 1836. En París, el compositor dirige la Ópera Italiana, atrayendo a sus jóvenes compatriotas a trabajar en ella; reelabora para la Gran Ópera las óperas Moisés y Mohamed II (esta última se representó en París con el título El asedio de Corinto); escribe, por encargo de la Opera Comique, la elegante ópera Le Comte Ory; y finalmente, en agosto de 1829, pone en el escenario de la Gran Ópera su última obra maestra: la ópera "Guillermo Tell", que tuvo un gran impacto en el desarrollo posterior del género de la ópera heroica italiana en la obra de V. Bellini. , G. Donizetti y G. Verdi.

“Guillermo Tell” completó la obra escénica musical de Rossini. El silencio operístico del genial maestro que le siguió, que tenía a sus espaldas unas 40 óperas, fue llamado por los contemporáneos el misterio del siglo, rodeando esta circunstancia de todo tipo de conjeturas. El propio compositor escribió más tarde: “Qué temprano, siendo un joven apenas maduro, comencé a componer, así como temprano, antes de lo que nadie podría haber previsto, dejé de escribir. Siempre sucede en la vida: quien comienza temprano debe, según las leyes de la naturaleza, terminar temprano.

Sin embargo, incluso después de dejar de escribir óperas, Rossini siguió estando en el centro de atención de la comunidad musical europea. Todo París escuchó la palabra acertadamente crítica del compositor, su personalidad atrajo como un imán a músicos, poetas y artistas. R. Wagner se reunió con él, C. Saint-Saens estaba orgulloso de su comunicación con Rossini, Liszt mostró sus obras al maestro italiano, V. Stasov habló con entusiasmo sobre reunirse con él.

En los años posteriores a Guillermo Tell, Rossini creó la magnífica obra espiritual Stabat mater, la pequeña misa solemne y el canto de los titanes, una colección original de obras vocales llamada Veladas musicales y un ciclo de piezas para piano que lleva el título lúdico Sins of Old Años. . De 1836 a 1856 Rossini, rodeado de gloria y honores, vivió en Italia. Allí dirigió el Liceo Musical de Bolonia y se dedicó a la docencia. Volviendo luego a París, permaneció allí hasta el final de sus días.

12 años después de la muerte del compositor, sus cenizas fueron trasladadas a su tierra natal y enterradas en el panteón de la Iglesia de Santa Croce de Florencia, junto a los restos de Miguel Ángel y Galileo.

Rossini legó toda su fortuna en beneficio de la cultura y el arte de su ciudad natal de Pesaro. Hoy en día, los festivales de ópera de Rossini se llevan a cabo regularmente aquí, entre los participantes de los cuales se pueden encontrar los nombres de los músicos contemporáneos más importantes.

I. Vetlitsina

• El camino creativo de Rossini →
• Búsquedas artísticas de Rossini en el campo de la “ópera seria” →

Nacido en una familia de músicos: su padre era trompetista, su madre era cantante. Aprende a tocar varios instrumentos musicales, cantando. Estudia composición en la Escuela de Música de Bolonia bajo la dirección del Padre Mattei; no completó el curso. De 1812 a 1815 trabajó para los teatros de Venecia y Milán: la “Italiana en Argel” tuvo un éxito especial. Por orden del empresario Barbaia (Rossini se casa con su novia, la soprano Isabella Colbran), crea dieciséis óperas hasta 1823. Se traslada a París, donde se convierte en director del Théâtre d'Italien, primer compositor del rey e inspector general del canto en Francia. Se despide de las actividades del compositor de ópera en 1829 tras la producción de “Guillermo Tell”. Después de separarse de Colbrand, se casa con Olympia Pelissier, reorganiza el Liceo de Música de Bolonia y permanece en Italia hasta 1848, cuando las tormentas políticas lo llevan nuevamente a París: su villa en Passy se convierte en uno de los centros de la vida artística.

El que fue llamado el “último clásico” y al que el público aplaudió como el rey del género cómico, en las primeras óperas demostró la gracia y brillantez de la inspiración melódica, la naturalidad y ligereza del ritmo, que daba el canto, en el que se debilitaron las tradiciones del siglo XIX, un carácter más sincero y humano. El compositor, pretendiendo adaptarse a las costumbres teatrales modernas, podría, sin embargo, rebelarse contra ellas, obstaculizando, por ejemplo, la arbitrariedad virtuosa de los intérpretes o moderándola.

La innovación más significativa para Italia en ese momento fue el importante papel de la orquesta, que, gracias a Rossini, se volvió viva, móvil y brillante (observamos la forma magnífica de las oberturas, que realmente sintonizan con una cierta percepción). Una alegre inclinación por una especie de hedonismo orquestal se deriva del hecho de que cada instrumento, utilizado de acuerdo con sus capacidades técnicas, se identifica con el canto e incluso con el habla. Al mismo tiempo, Rossini puede afirmar con seguridad que las palabras deben servir a la música, y no al revés, sin desmerecer el significado del texto, sino, por el contrario, usándolo de una manera nueva, fresca y a menudo cambiando al típico patrones rítmicos – mientras que la orquesta acompaña libremente el discurso, creando un claro relieve melódico y sinfónico y realizando funciones expresivas o pictóricas.

El genio de Rossini se manifestó inmediatamente en el género de la ópera seria con la producción de Tancredi en 1813, que le valió al autor su primer gran éxito de público gracias a descubrimientos melódicos con un lirismo sublime y suave, así como un desarrollo instrumental sin restricciones, que debe su origen al género cómico. Los vínculos entre estos dos géneros operísticos son en efecto muy estrechos en Rossini e incluso determinan la asombrosa espectacularidad de su género serio. En el mismo 1813, también presentó una obra maestra, pero en el género cómico, en el espíritu de la antigua ópera cómica napolitana: "Italiano en Argel". Se trata de una ópera rica en ecos de Cimarosa, pero como animada por la energía tormentosa de los personajes, manifestada especialmente en el crescendo final, el primero de Rossini, que luego la utilizará como afrodisíaco al crear situaciones paradójicas o desenfrenadamente alegres.

La mente cáustica y terrenal del compositor encuentra en la diversión una salida a su ansia de caricatura y a su sano entusiasmo, que no le permite caer ni en el conservadurismo del clasicismo ni en los extremos del romanticismo.

Conseguirá un resultado cómico muy completo en El barbero de Sevilla, y una década más tarde llegará a la elegancia de El conde Ory. Además, en el género serio, Rossini avanzará a pasos agigantados hacia una ópera de cada vez mayor perfección y profundidad: desde la heterogénea, pero ardiente y nostálgica “La dama del lago” hasta la tragedia “Semiramide”, que cierra el período italiano. del compositor, lleno de vertiginosas vocalizaciones y fenómenos misteriosos en el gusto barroco, al “Sitio de Corinto” con sus coros, a la solemne descriptividad y sacra monumentalidad de “Moisés” y, finalmente, a “Guillermo Tell”.

Si no deja de sorprender que Rossini consiguiera estos logros en el campo de la ópera en apenas veinte años, es igualmente llamativo que el silencio que siguió a un período tan fructífero y que se prolongó durante cuarenta años, que se considera uno de los casos más incomprensibles del historia de la cultura, ya sea por un desprendimiento casi demostrativo, digno, sin embargo, de esta mente misteriosa, o por la evidencia de su legendaria pereza, por supuesto, más ficcional que real, dada la capacidad de obra del compositor en sus mejores años. Pocos notaron que lo asaltaba cada vez más un anhelo neurótico de soledad, desplazando una tendencia a la diversión.

Rossini, sin embargo, no dejó de componer, aunque cortó todo contacto con el gran público, dirigiéndose principalmente a un reducido grupo de invitados, asiduos a sus veladas de casa. La inspiración de las últimas obras espirituales y de cámara ha ido surgiendo en nuestros días, despertando el interés no solo de los entendidos: se han descubierto verdaderas obras maestras. La parte más brillante del legado de Rossini sigue siendo la ópera, en la que fue el legislador de la futura escuela italiana, creando una ingente cantidad de modelos utilizados por los compositores posteriores.

Para resaltar mejor los rasgos característicos de tan gran talento, se llevó a cabo una nueva edición crítica de sus óperas por iniciativa del Centro de Estudios de Rossini en Pesaro.

G. Marchesi (traducido por E. Greceanii)

Composiciones de Rossini:

operas – Demetrio y Polibio (Demetrio e Polibio, 1806, post. 1812, trad. “Balle”, Roma), Pagaré de matrimonio (La cambiale di matrimonio, 1810, tr. “San Moise”, Venecia), Caso extraño (L'equivoco stravagante, 1811, “Teatro del Corso”, Bolonia), Happy Deception (L'inganno felice, 1812, tr “San Moise”, Venecia), Ciro en Babilonia ( Ciro in Babilonia, 1812, tr “Municipale”, Ferrara), Silk Stairs (La scala di seta, 1812, tr “San Moise”, Venecia), Touchstone (La pietra del parugone, 1812, tr “La Scala”, Milán) , El azar hace ladrón, o Maletas mixtas (L'occasione fa il ladro, ossia Il cambio della valigia, 1812, tr San Moise, Venecia), Signor Bruschino, o Hijo accidental (Il signor Bruschino, ossia Il figlio per azzardo, 1813 , ibíd.), Tancredi , 1813, tr Fenice, Venecia), Italiano en Argelia (L'italiana in Algeri, 1813, tr San Benedetto, Venecia), Aureliano en Palmira (Aureliano in Palmira, 1813, tr “La Scala”, Milán), turcos en Italia (Il turco in Italia, 1814, ibid.), Sigismondo (Sigismondo, 1814, tr “Fenice”, Venecia), Isabel, reina de Inglaterra (Elisabetta, regina d'Inghilterra, 1815, tr “San Carlo”, Nápoles), Torvaldo y Dorliska (Torvaldo eDorliska, 1815, tr “Balle”, Roma), Almaviva, o Vana precaución (Almaviva, ossia L'inutile precauzione; conocido con el nombre de El barbero de Sevilla – Il barbiere di Siviglia, 1816, tr Argentina, Roma), Periódico o Matrimonio por concurso (La gazzetta, ossia Il matrimonio per concorso, 1816, tr Fiorentini, Nápoles), Otelo, o el Moro veneciano (Otello, ossia Il toro di Venezia, 1816, tr “Del Fondo”, Nápoles), Cenicienta o el triunfo de la virtud (Cenerentola, ossia La bonta in trionfo, 1817, tr “Balle”, Roma), Urraca ladrona (La gazza ladra, 1817, tr “La Scala”, Milán), Armida (Armida, 1817, tr “San Carlo”, Nápoles), Adelaida de Borgoña (Adelaide di Borgogna, 1817, t -r “Argentina”, Roma) , Moisés en Egipto (Mosè in Egitto, 1818, tr “San Carlo”, Nápoles; francés. Ed – bajo el título Moisés y Faraón, o Cruzando el Mar Rojo – Moïse et Pharaon, ou Le passage de la mer rouge, 1827, “Rey. Academia de Música y Danza, París), Adina o Califa de Bagdad (Adina, ossia Il califfo di Bagdad, 1818, post. 1826, tr “San Carlo”, Lisboa), Ricciardo y Zoraida (Ricciardo e Zoraide, 1818, tr “San Carlo”, Nápoles), Hermione (Ermione, 1819, ibid), Eduardo y Christina (Eduardo e Cristina, 1819, tr San Benedetto, Venecia), Dama del lago (La donna del lago, 1819, tr San Carlo, Nápoles), Bianca y Faliero, o el Consejo de los Tres (Bianca e Faliero, ossia II consiglio dei tre, 1819, La Scala shopping mall, Milán), Mohammed II (Maometto II, 1820, centro comercial San Carlo, Nápoles; francés. Ed – bajo el título El asedio de Corinto – Le siège de Corinthe, 1826, “Rey. desorden (de extractos de las óperas de Rossini) – Ivanhoe (Ivanhoe, 1826, tr “Odeon”, París), Testament (Le testament, 1827, ibid.), Cenicienta (1830, tr “Covent Garden”, Londres), Robert Bruce (1846 , King's Academy of Music and Dance, París), Nos vamos a París (Andremo a Parigi, 1848, Théâtre Italien, París), Funny Accident (Un curioso accidente, 1859, ibíd.); para solistas, coro y orquesta – Himno de la Independencia (Inno dell`Indipendenza, 1815, tr “Contavalli”, Bolonia), cantatas – Aurora (1815, ed. 1955, Moscú), Las bodas de Tetis y Peleo (Le nozze di Teti e di Peleo, 1816, centro comercial Del Fondo, Nápoles), Sincero homenaje (Il vero omaggio, 1822, Verona), A presagio feliz (L'augurio felice, 1822, ibid), Bardo (Il bardo, 1822), Santa Alianza (La Santa alleanza, 1822), Queja de las Musas por la muerte de Lord Byron (Il pianto delie Muse in morte di Lord Byron, 1824, Almack Hall, Londres), Coro de la Guardia Municipal de Bolonia (Coro dedicato alla guardia civica di Bologna, instrumentado por D. Liverani, 1848, Bolonia), Himno a Napoleón III y su valiente pueblo (Hymne b Napoleon et a son vaillant peuple, 1867, Palacio de la Industria, París), National Anthem (El himno nacional, himno nacional inglés, 1867, Birmingham); para orquesta – sinfonías (D-dur, 1808; Es-dur, 1809, utilizada como obertura de la farsa Un pagaré de matrimonio), Serenata (1829), Marcha militar (Marcia militare, 1853); para instrumentos y orquesta – Variaciones para instrumentos obligados F-dur (Variazioni a piu strumenti obligati, para clarinete, 2 violines, viola, violonchelo, 1809), Variaciones C-dur (para clarinete, 1810); para banda de música – fanfarria para 4 trompetas (1827), 3 marchas (1837, Fontainebleau), Corona de Italia (La corona d'Italia, fanfarria para orquesta militar, ofrenda a Victor Emmanuel II, 1868); conjuntos instrumentales de cámara – dúos para trompas (1805), 12 valses para 2 flautas (1827), 6 sonatas para 2 skr., vlc. y k-bass (1804), 5 cuerdas. cuartetos (1806-08), 6 cuartetos para flauta, clarinete, trompa y fagot (1808-09), Tema y Variaciones para flauta, trompeta, trompa y fagot (1812); para piano – Vals (1823), Congreso de Verona (Il congreso di Verona, 4 manos, 1823), Palacio de Neptuno (La reggia di Nettuno, 4 manos, 1823), Alma del Purgatorio (L'vme du Purgatoire, 1832); para solistas y coro – cantata Queja de la Armonía por la muerte de Orfeo (Il pianto d'Armonia sulla morte di Orfeo, para tenor, 1808), Muerte de Dido (La morte di Didone, monólogo escénico, 1811, español 1818, tr “San Benedetto”, Venecia), cantata (para 3 solistas, 1819, tr “San Carlo”, Nápoles), Partenope e Higea (para 3 solistas, 1819, ibíd.), Gratitud (La riconoscenza, para 4 solistas, 1821, ibíd. mismo); para voz y orquesta – Cantata La ofrenda del pastor (Omaggio pastorale, a 3 voces, para la apertura solemne del busto de Antonio Canova, 1823, Treviso), Canto de titanes (Le chant des Titans, para 4 bajos al unísono, 1859, español 1861, París); para voz y piano – Cantatas Elie e Irene (a 2 voces, 1814) y Juana de Arco (1832), Veladas musicales (Soirees musicales, 8 arietes y 4 dúos, 1835); Cuarteto de 3 woks (1826-27); Ejercicios de soprano (Gorgheggi e solfeggi per soprano. Vocalizzi e solfeggi per rendere la voce agile ed apprendere a cantare secondo il gusto moderno, 1827); 14 álbumes de wok. e instr. piezas y conjuntos, unidos bajo el nombre. Pecados de vejez (Péchés de vieillesse: Álbum de canciones italianas – Álbum per canto italiano, Álbum francés – Álbum francais, Piezas restringidas – Morceaux reservas, Cuatro aperitivos y cuatro postres – Quatre hors d'oeuvres et quatre mendiants, para fp., Álbum para fp ., skr., vlch., armonio y trompa, muchos otros, 1855-68, París, no publicado); musica espiritual – Graduado (para 3 voces masculinas, 1808), Misa (para voces masculinas, 1808, español en Rávena), Laudamus (c. 1808), Qui tollis (c. 1808), Misa Solemne (Messa solenne, conjunta. con P. Raimondi, 1819, Español 1820, Iglesia de San Fernando, Nápoles), Cantemus Domino (a 8 voces con piano u órgano, 1832, Español 1873), Ave María (a 4 voces, 1832, Español 1873), Quoniam (para bajo y orquesta, 1832), Stabat mater (para 4 voces, coro y orquesta, 1831-32, 2ª ed. 1841-42, editada en 1842, Ventadour Hall, París), 3 coros - Faith, Hope, Mercy (La foi, L' esperance, La charite, para coro femenino y piano, 1844), Tantum ergo (para 2 tenores y bajo), 1847, Iglesia de San Francesco dei Minori Conventuali, Bolonia), About Salutaris Hostia (para 4 voces 1857), Pequeña Misa Solemne (Petite messe solennelle, para 4 voces, coro, armonio y piano, 1863, español 1864, en la casa del Conde Pilet-Ville, París), el mismo (para solistas, coro y orquesta., 1864, español 1869, “Italiano Teatro”, París), Requ iem Melody (Canto de Réquiem, para contralto y piano, 1864); musica para representaciones teatrales – Edipo en Colón (a la tragedia de Sófocles, 14 números para solistas, coro y orquesta, 1815-16?).