Serguéi Vasílievich Rachmaninov |

Sergei Rachmaninov

Y tuve una tierra natal; ¡El es maravilloso! A. Pleshcheev (de G. Heine)

Rachmaninov fue creado a partir de acero y oro; Acero en sus manos, oro en su corazón. Yo Hoffman

“Soy un compositor ruso y mi tierra natal ha dejado su huella en mi carácter y mis puntos de vista”. Estas palabras pertenecen a S. Rachmaninov, el gran compositor, brillante pianista y director de orquesta. Todos los eventos más importantes de la vida social y artística rusa se reflejaron en su vida creativa, dejando una huella indeleble. La formación y el florecimiento de la obra de Rachmaninov cae en los años 1890-1900, época en la que en la cultura rusa se produjeron los procesos más complejos, el pulso espiritual latía febril y nerviosamente. El sentimiento agudamente lírico de la era inherente a Rachmaninov se asoció invariablemente con la imagen de su amada Patria, con la infinidad de sus amplias extensiones, el poder y la destreza violenta de sus fuerzas elementales, la delicada fragilidad de la floreciente naturaleza primaveral.

El talento de Rachmaninov se manifestó temprana y brillantemente, aunque hasta los doce años no mostró mucho entusiasmo por las lecciones de música sistemáticas. Comenzó a aprender a tocar el piano a la edad de 4 años, en 1882 fue admitido en el Conservatorio de San Petersburgo, donde, abandonado a sus propios recursos, prácticamente se entretenía, y en 1885 fue transferido al Conservatorio de Moscú. Aquí Rachmaninoff estudió piano con N. Zverev, luego A. Siloti; en materias teóricas y composición – con S. Taneyev y A. Arensky. Al vivir en una pensión con Zverev (1885-89), pasó por una escuela de disciplina laboral dura, pero muy razonable, que lo convirtió de una persona perezosa y traviesa desesperada en una persona excepcionalmente serena y de voluntad fuerte. "Lo mejor que hay en mí, se lo debo", dijo más tarde Rachmaninov sobre Zverev. En el conservatorio, Rachmaninoff estuvo fuertemente influenciado por la personalidad de P. Tchaikovsky, quien, a su vez, siguió el desarrollo de su favorito Seryozha y, después de graduarse del conservatorio, ayudó a representar la ópera Aleko en el Teatro Bolshoi, sabiendo por su triste experiencia de lo difícil que es para un músico novato abrirse camino.

Rachmaninov se graduó del Conservatorio en piano (1891) y composición (1892) con una Gran Medalla de Oro. En ese momento, ya era autor de varias composiciones, entre ellas el famoso Preludio en Do sostenido menor, el romance "En el silencio de la noche secreta", el Primer Concierto para piano, la ópera "Aleko", escrita como trabajo de graduación. ¡en solo 17 días! Las piezas de fantasía que siguieron, op. 3 (1892), Trío elegíaco “En memoria de un gran artista” (1893), Suite para dos pianos (1893), Momentos de música op. 16 (1896), romances, obras sinfónicas – “El acantilado” (1893), Capriccio sobre temas gitanos (1894) – confirmaron la opinión de Rachmaninov como un talento fuerte, profundo y original. Las imágenes y los estados de ánimo característicos de Rachmaninoff aparecen en estas obras en una amplia gama, desde el dolor trágico del "Momento musical" en si menor hasta la apoteosis del himno del romance "Aguas de manantial", desde la dura presión espontáneo-volitiva del “Momento Musical” en Mi menor a la más fina acuarela del romance “Isla”.

La vida durante estos años fue difícil. Decisivo y poderoso en desempeño y creatividad, Rachmaninoff era por naturaleza una persona vulnerable, que a menudo experimentaba dudas sobre sí mismo. Interferido con dificultades materiales, desorden mundano, deambulando por rincones extraños. Y aunque fue apoyado por personas cercanas a él, principalmente la familia Satin, se sentía solo. La fuerte conmoción provocada por el fracaso de su Primera Sinfonía, interpretada en San Petersburgo en marzo de 1897, lo llevó a una crisis creativa. Durante varios años, Rachmaninoff no compuso nada, pero su actividad interpretativa como pianista se intensificó y debutó como director en la Ópera Privada de Moscú (1897). Durante estos años, conoció a L. Tolstoy, A. Chekhov, artistas del Teatro de Arte, comenzó una amistad con Fyodor Chaliapin, que Rachmaninov consideró una de "las experiencias artísticas más poderosas, profundas y sutiles". En 1899, Rachmaninoff actuó en el extranjero por primera vez (en Londres), y en 1900 visitó Italia, donde aparecieron bocetos de la futura ópera Francesca da Rimini. Un acontecimiento alegre fue la puesta en escena de la ópera Aleko en San Petersburgo con motivo del centenario de A. Pushkin con Chaliapin como Aleko. Así, poco a poco se fue preparando un punto de inflexión interno, ya a principios del siglo XX. hubo un retorno a la creatividad. El nuevo siglo comenzó con el Segundo Concierto para piano, que sonó como una potente alarma. Los contemporáneos escucharon en él la voz del Tiempo con su tensión, explosividad y una sensación de cambios inminentes. Ahora el género del concierto se está convirtiendo en el principal, es en él donde las ideas principales se encarnan con la mayor integridad e inclusión. Comienza una nueva etapa en la vida de Rachmaninov.

Reconocimiento general en Rusia y en el extranjero recibe su actividad pianística y de dirección. 2 años (1904-06) Rachmaninov trabajó como director de orquesta en el Teatro Bolshoi, dejando en su historia el recuerdo de las maravillosas producciones de óperas rusas. En 1907 participó en los Conciertos Históricos Rusos organizados por S. Diaghilev en París, en 1909 actuó por primera vez en América, donde interpretó su Tercer Concierto para piano dirigido por G. Mahler. La intensa actividad de conciertos en las ciudades de Rusia y en el extranjero se combinó con una creatividad no menos intensa, y en la música de esta década (en la cantata "Primavera" - 1902, en los preludios op. 23, en los finales de la Segunda Sinfonía y el Tercer Concierto) hay mucho entusiasmo y entusiasmo ardiente. Y en composiciones como los romances "Lila", "Aquí es bueno", en los preludios en re mayor y sol mayor, "la música de las fuerzas cantantes de la naturaleza" sonó con una penetración asombrosa.

Pero en los mismos años también se sienten otros estados de ánimo. Tristes pensamientos sobre la patria y su destino futuro, reflexiones filosóficas sobre la vida y la muerte dan lugar a imágenes trágicas de la Primera Sonata para piano, inspirada en el Fausto de Goethe, el poema sinfónico “La isla de los muertos” basado en la pintura del artista suizo. A. Böcklin (1909), muchas páginas del Tercer Concierto, romances op. 26. Los cambios internos se hicieron especialmente notables después de 1910. Si en el Tercer Concierto la tragedia es finalmente superada y el concierto termina con una apoteosis jubilosa, entonces en las obras que le siguieron se profundiza continuamente, dando vida a imágenes agresivas, hostiles, lúgubres, estados de ánimo depresivos. El lenguaje musical se vuelve más complejo, desaparece el amplio aliento melódico tan característico de Rachmaninov. Tales son el poema vocal-sinfónico “The Bells” (sobre la calle E. Poe, traducido por K. Balmont – 1913); romances op. 34 (1912) y op. 38 (1916); Estudios-pinturas op. 39 (1917). Sin embargo, fue en este momento que Rachmaninoff creó obras llenas de alto significado ético, que se convirtieron en la personificación de la belleza espiritual perdurable, la culminación de la melodía de Rachmaninov: "Vocalise" y "All-Night Vigil" para coro a cappella (1915). “Desde niño, me han fascinado las magníficas melodías de Oktoikh. Siempre he sentido que se necesita un estilo especial, especial para su procesamiento coral y, me parece, lo encontré en las Vísperas. No puedo evitar confesar. que la primera interpretación del Coro Sinodal de Moscú me dio una hora del más feliz placer”, recordó Rachmaninov.

El 24 de diciembre de 1917, Rachmaninov y su familia abandonaron Rusia para siempre. Durante más de un cuarto de siglo vivió en una tierra extranjera, en los EE. UU., y este período estuvo mayormente lleno de agotadora actividad concertística, sujeto a las crueles leyes del negocio de la música. Rachmaninov utilizó una parte significativa de sus honorarios para brindar apoyo material a sus compatriotas en el extranjero y en Rusia. Entonces, toda la colección para la actuación en abril de 1922 se transfirió en beneficio de los hambrientos en Rusia, y en el otoño de 1941 Rakhmaninov envió más de cuatro mil dólares al fondo de ayuda del Ejército Rojo.

En el extranjero, Rachmaninoff vivía aislado, limitando su círculo de amigos a inmigrantes de Rusia. Se hizo una excepción solo para la familia de F. Steinway, el jefe de la firma de pianos, con quien Rachmaninov tenía relaciones amistosas.

Los primeros años de su estancia en el extranjero, Rachmaninov no dejó de pensar en la pérdida de la inspiración creativa. “Después de irme de Rusia, perdí las ganas de componer. Habiendo perdido mi patria, me perdí a mí mismo”. Solo 8 años después de partir al extranjero, Rachmaninov vuelve a la creatividad, crea el Cuarto Concierto para piano (1926), Tres canciones rusas para coro y orquesta (1926), Variaciones sobre un tema de Corelli para piano (1931), Rapsodia sobre un tema de Paganini (1934), Tercera Sinfonía (1936), “Danzas Sinfónicas” (1940). Estas obras son el último y más alto ascenso de Rachmaninoff. Un sentimiento lúgubre de pérdida irreparable, un anhelo ardiente por Rusia da lugar a un arte de enorme poder trágico, que alcanza su clímax en las Danzas Sinfónicas. Y en la brillante Tercera Sinfonía, Rachmaninoff encarna por última vez el tema central de su obra: la imagen de la Patria. El pensamiento intenso severamente concentrado del artista lo evoca desde el fondo de los siglos, surge como un recuerdo infinitamente querido. En un complejo entramado de diversos temas, episodios, emerge una amplia perspectiva, se recrea una epopeya dramática del destino de la Patria, que culmina con una victoriosa afirmación de vida. Entonces, a través de todas las obras de Rachmaninoff, lleva la inviolabilidad de sus principios éticos, alta espiritualidad, fidelidad y amor ineludible por la Patria, cuya personificación era su arte.

O. Averianova

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Características de la creatividad

Sergei Vasilyevich Rachmaninoff, junto con Scriabin, es una de las figuras centrales de la música rusa del siglo XX. El trabajo de estos dos compositores atrajo especialmente la atención de los contemporáneos, discutieron acaloradamente al respecto, comenzaron discusiones agudas impresas en torno a sus obras individuales. A pesar de toda la disimilitud de la apariencia individual y la estructura figurativa de la música de Rachmaninov y Scriabin, sus nombres a menudo aparecían uno al lado del otro en estas disputas y se comparaban entre sí. Hubo razones puramente externas para tal comparación: ambos eran alumnos del Conservatorio de Moscú, que se graduaron casi simultáneamente y estudiaron con los mismos maestros, ambos se destacaron de inmediato entre sus pares por la fuerza y ​​​​el brillo de su talento, recibiendo reconocimiento no sólo como compositores de gran talento, sino también como pianistas destacados.

Pero también hubo muchas cosas que los separaron y, a veces, los colocaron en diferentes flancos de la vida musical. El audaz innovador Scriabin, que abrió nuevos mundos musicales, se opuso a Rachmaninov como un artista de pensamiento más tradicional que basó su trabajo en los sólidos cimientos de la herencia clásica nacional. "GRAMO. Rachmaninoff, escribió uno de los críticos, es el pilar alrededor del cual se agrupan todos los campeones de la dirección real, todos aquellos que aprecian los cimientos puestos por Mussorgsky, Borodin, Rimsky-Korsakov y Tchaikovsky.

Sin embargo, a pesar de toda la diferencia en las posiciones de Rachmaninov y Scriabin en su realidad musical contemporánea, los unieron no solo las condiciones generales para la educación y el crecimiento de una personalidad creativa en su juventud, sino también algunas características más profundas de comunidad. . "Un talento rebelde e inquieto": así se describió una vez a Rakhmaninov en la prensa. Fue esta impulsividad inquieta, la excitación del tono emocional, característica de la obra de ambos compositores, lo que la hizo especialmente querida y cercana a amplios círculos de la sociedad rusa de principios del siglo XIX, con sus ansiosas expectativas, aspiraciones y esperanzas. .

“Scriabin y Rachmaninoff son los dos 'gobernantes del pensamiento musical' del mundo musical ruso moderno <...> Ahora comparten la hegemonía entre ellos en el mundo musical”, admitió LL Sabaneev, uno de los más entusiastas apologistas del primero y opositor y detractor igualmente tozudo del segundo. Otro crítico, más moderado en sus juicios, escribió en un artículo dedicado a una descripción comparativa de los tres representantes más destacados de la escuela musical de Moscú, Taneyev, Rachmaninov y Scriabin: el tono de la vida moderna, febrilmente intensa. Ambos son las mejores esperanzas de la Rusia moderna”.

Durante mucho tiempo, dominó la visión de Rachmaninoff como uno de los herederos y sucesores más cercanos de Tchaikovsky. La influencia del autor de La dama de picas sin duda desempeñó un papel importante en la formación y el desarrollo de su obra, lo cual es bastante natural para un graduado del Conservatorio de Moscú, alumno de AS Arensky y SI Taneyev. Al mismo tiempo, también percibió algunas de las características de la escuela de compositores de "Petersburgo": el lirismo excitado de Tchaikovsky se combina en Rachmaninov con la áspera grandeza épica de Borodin, la profunda penetración de Mussorgsky en el sistema del pensamiento musical ruso antiguo y la percepción poética de la naturaleza nativa de Rimsky-Korsakov. Sin embargo, todo lo aprendido de los maestros y antecesores fue profundamente repensado por el compositor, obedeciendo a su fuerte voluntad creadora, y adquiriendo un nuevo carácter individual completamente independiente. El estilo profundamente original de Rachmaninov tiene una gran integridad interna y organicidad.

Si buscamos paralelos con él en la cultura artística rusa de principios de siglo, entonces esta es, en primer lugar, la línea Chekhov-Bunin en la literatura, los paisajes líricos de Levitan, Nesterov, Ostroukhov en la pintura. Estos paralelismos han sido señalados repetidamente por varios autores y se han vuelto casi estereotipados. Se sabe con qué amor ardiente y respeto Rakhmaninov trató el trabajo y la personalidad de Chéjov. Ya en los últimos años de su vida, leyendo las cartas del escritor, lamentaba no haberlo conocido más de cerca en su tiempo. El compositor estuvo asociado con Bunin durante muchos años por simpatía mutua y puntos de vista artísticos comunes. Fueron unidos y relacionados por un amor apasionado por su naturaleza rusa nativa, por los signos de una vida sencilla que ya está dejando en la vecindad inmediata de una persona al mundo que lo rodea, la actitud poética del mundo, coloreado por profundo lirismo penetrante, la sed de liberación espiritual y liberación de las cadenas que constriñen la libertad de la persona humana.

La fuente de inspiración de Rachmaninov fue una variedad de impulsos que emanan de la vida real, la belleza de la naturaleza, las imágenes de la literatura y la pintura. “… Encuentro”, dijo, “que las ideas musicales nacen en mí con mayor facilidad bajo la influencia de ciertas impresiones extramusicales”. Pero al mismo tiempo, Rachmaninov se esforzó no tanto por un reflejo directo de ciertos fenómenos de la realidad por medio de la música, por "pintar en sonidos", sino por la expresión de su reacción emocional, sentimientos y experiencias que surgen bajo la influencia de varios impresiones recibidas externamente. En este sentido, podemos hablar de él como uno de los representantes más llamativos y típicos del realismo poético de los años 900, cuya tendencia principal fue formulada con éxito por VG Korolenko: "No solo reflejamos los fenómenos como son y hacemos No crear una ilusión por capricho de un mundo inexistente. Creamos o manifestamos una nueva relación del espíritu humano con el mundo circundante que nace en nosotros.

Uno de los rasgos más característicos de la música de Rachmaninov, que llama la atención en primer lugar al familiarizarse con ella, es la melodía más expresiva. Entre sus contemporáneos, destaca por su capacidad para crear melodías de amplio y largo despliegue, de gran aliento, combinando la belleza y plasticidad del dibujo con una expresividad brillante e intensa. El melodismo, la melodía es la principal cualidad del estilo de Rachmaninov, que determina en gran medida la naturaleza del pensamiento armónico del compositor y la textura de sus obras, saturadas, por regla general, con voces independientes, ya sea moviéndose hacia adelante o desapareciendo en un denso denso. tejido sonoro.

Rachmaninoff creó su propio tipo de melodía muy especial, basado en una combinación de las técnicas características de Tchaikovsky: desarrollo melódico dinámico intensivo con el método de transformaciones variantes, llevado a cabo de manera más suave y tranquila. Después de un despegue rápido o un ascenso largo e intenso a la cima, la melodía, por así decirlo, se congela en el nivel alcanzado, invariablemente regresa a un sonido largamente cantado, o lentamente, con repisas elevadas, regresa a su altura original. La relación inversa también es posible, cuando una estancia más o menos larga en una zona limitada de gran altitud se ve repentinamente interrumpida por el curso de la melodía durante un amplio intervalo, introduciendo una sombra de expresión lírica aguda.

En tal interpenetración de dinámica y estática, LA Mazel ve uno de los rasgos más característicos de la melodía de Rachmaninov. Otro investigador atribuye un significado más general a la proporción de estos principios en el trabajo de Rachmaninov, señalando la alternancia de momentos de "frenado" y "avance" que subyacen en muchas de sus obras. (VP Bobrovsky expresa una idea similar, señalando que "el milagro de la individualidad de Rachmaninoff radica en la unidad orgánica única de dos tendencias dirigidas de manera opuesta y su síntesis inherente solo en él": una aspiración activa y una tendencia a "permanecer mucho tiempo en lo que ha sido logrado."). La inclinación por el lirismo contemplativo, la inmersión prolongada en algún estado de ánimo, como si el compositor quisiera detener el tiempo fugaz, combinó con una enorme energía que se precipita hacia el exterior, una sed de autoafirmación activa. De ahí la fuerza y ​​nitidez de los contrastes en su música. Trató de llevar cada sentimiento, cada estado mental al grado extremo de expresión.

En las melodías líricas que se desarrollan libremente de Rachmaninov, con su respiración larga e ininterrumpida, a menudo se escucha algo parecido a la amplitud "inevitable" de la canción popular rusa persistente. Al mismo tiempo, sin embargo, la conexión entre la creatividad de Rachmaninov y la composición de canciones populares era de naturaleza muy indirecta. Solo en casos raros y aislados, el compositor recurrió al uso de melodías populares genuinas; no luchó por una similitud directa de sus propias melodías con las populares. “En Rachmaninov”, señala acertadamente el autor de un trabajo especial sobre sus melodías, “rara vez aparece directamente una conexión con ciertos géneros del arte popular. Específicamente, el género muchas veces parece disolverse en el “sentimiento” general del folk y no es, como lo fue con sus antecesores, el principio cimentador de todo el proceso de formación y devenir de una imagen musical. En repetidas ocasiones, se ha llamado la atención sobre rasgos tan característicos de la melodía de Rachmaninov, que la acercan a la canción popular rusa, como la suavidad del movimiento con predominio de los pasos, el diatonismo, la abundancia de giros frigios, etc. Asimilación profunda y orgánica. por el compositor, estas características se convierten en una propiedad inalienable del estilo de su autor individual, adquiriendo un color expresivo especial peculiar sólo a él.

La otra cara de este estilo, tan irresistiblemente impresionante como la riqueza melódica de la música de Rachmaninov, es un ritmo inusualmente enérgico, imperiosamente conquistador y al mismo tiempo flexible, a veces caprichoso. Tanto los contemporáneos del compositor como los investigadores posteriores escribieron mucho sobre este ritmo específico de Rachmaninoff, que involuntariamente atrae la atención del oyente. A menudo es el ritmo el que determina el tono principal de la música. AV Ossovsky señaló en 1904 con respecto al último movimiento de la Segunda Suite para dos pianos que Rachmaninov en él “no tuvo miedo de profundizar el interés rítmico de la forma de Tarantella a un alma inquieta y oscurecida, no ajena a los ataques de algún tipo de demonismo en veces."

El ritmo aparece en Rachmaninov como portador de un principio volitivo efectivo que dinamiza el tejido musical e introduce un "flujo de sentimientos" líricos en la corriente principal de un todo armonioso arquitectónicamente completo. BV Asafiev, comparando el papel del principio rítmico en las obras de Rachmaninov y Tchaikovsky, escribió: “Sin embargo, en este último, la naturaleza fundamental de su sinfonía “inquieta” se manifestó con particular fuerza en la colisión dramática de los temas mismos. En la música de Rachmaninov, la muy apasionada en su integridad creativa, la unión del depósito de sentimiento lírico-contemplativo con el depósito organizativo de voluntad fuerte del "yo" del compositor-intérprete resulta ser esa "esfera individual" de contemplación personal, el cual estaba controlado por el ritmo en el sentido del factor volitivo…”. El patrón rítmico en Rachmaninov siempre está muy claramente delineado, independientemente de si el ritmo es simple, uniforme, como los golpes pesados ​​y medidos de una gran campana, o complejo, intrincadamente florido. Favorito del compositor, especialmente en las obras de la década de 1910, el ostinato rítmico le da al ritmo un significado no solo formativo, sino en algunos casos también temático.

En el campo de la armonía, Rachmaninoff no fue más allá del sistema clásico mayor-menor en la forma que adquirió en la obra de los compositores románticos europeos, Tchaikovsky y representantes del Mighty Handful. Su música siempre es tonalmente definida y estable, pero al utilizar los medios de la armonía tonal clásico-romántica, se caracterizó por algunos rasgos característicos por los cuales no es difícil establecer la autoría de una u otra composición. Entre las características individuales especiales del lenguaje armónico de Rachmaninov se encuentran, por ejemplo, la conocida lentitud del movimiento funcional, la tendencia a permanecer en una clave durante mucho tiempo y, a veces, el debilitamiento de la gravedad. Se llama la atención sobre la abundancia de formaciones complejas de múltiples tercios, filas de acordes no decimales y undecimales, que a menudo tienen un significado más colorido, fónico que funcional. La conexión de este tipo de armonías complejas se realiza mayoritariamente con la ayuda de la conexión melódica. El predominio del elemento de la canción melódica en la música de Rachmaninov determina el alto grado de saturación polifónica de su tejido sonoro: los complejos armónicos individuales surgen constantemente como resultado del libre movimiento de voces "cantantes" más o menos independientes.

Hay un giro armónico favorito de Rachmaninov, que usó con tanta frecuencia, especialmente en las composiciones del período temprano, que incluso recibió el nombre de "armonía de Rachmaninov". Esta rotación se basa en un acorde de séptima introductorio reducido de una menor armónica, generalmente utilizado en forma de terzkvartakkord con el reemplazo de II grado III y resolución en una tríada tónica en la tercera posición melódica.

El paso a un cuarto reducido que surge en este caso en la voz melódica evoca un sentimiento lúgubre conmovedor.

Como una de las características notables de la música de Rachmaninov, varios investigadores y observadores notaron su coloración menor predominante. Sus cuatro conciertos para piano, tres sinfonías, ambas sonatas para piano, la mayoría de los estudios-imágenes y muchas otras composiciones fueron escritas en menor. Incluso los mayores a menudo adquieren una coloración menor debido a las alteraciones decrecientes, las desviaciones tonales y el uso generalizado de pasos laterales menores. Pero pocos compositores han logrado tal variedad de matices y grados de concentración expresiva en el uso de la tonalidad menor. La observación de LE Gakkel de que en los estudios-pinturas op. 39 “dada la gama más amplia de colores menores del ser, matices menores del sentimiento de vida” puede extenderse a una parte significativa de toda la obra de Rachmaninoff. Críticos como Sabaneev, que albergaba una hostilidad prejuiciosa hacia Rachmaninov, lo llamaron “un llorón inteligente”, cuya música refleja “la trágica impotencia de un hombre sin fuerza de voluntad”. Mientras tanto, el menor "oscuro" denso de Rachmaninov a menudo suena valiente, protestante y lleno de una tremenda tensión volitiva. Y si las notas tristes son captadas por el oído, entonces este es el "dolor noble" del artista patriota, ese "gemido ahogado sobre la tierra natal", que fue escuchado por M. Gorki en algunas de las obras de Bunin. Al igual que este escritor cercano a él en espíritu, Rachmaninov, en palabras de Gorky, "pensó en Rusia como un todo", lamentando sus pérdidas y experimentando ansiedad por el destino del futuro.

La imagen creativa de Rachmaninov en sus principales características se mantuvo íntegra y estable a lo largo del viaje de medio siglo del compositor, sin experimentar fracturas ni cambios bruscos. Principios estéticos y estilísticos, aprendidos en su juventud, fue fiel a los últimos años de su vida. Sin embargo, podemos observar una cierta evolución en su obra, que se manifiesta no solo en el crecimiento de la habilidad, el enriquecimiento de la paleta sonora, sino que también afecta parcialmente la estructura figurativa y expresiva de la música. En este camino se perfilan claramente tres grandes períodos, aunque desiguales tanto en duración como en grado de productividad. Están delimitados entre sí por cesuras temporales más o menos largas, bandas de duda, reflexión y vacilación, cuando de la pluma del compositor no salió una sola obra completa. El primer período, que cae en los años 90 del siglo XIX, puede denominarse una época de desarrollo creativo y maduración del talento, que pasó a afirmar su camino a través de la superación de las influencias naturales a una edad temprana. Las obras de este período a menudo aún no son lo suficientemente independientes, imperfectas en forma y textura. (Algunos de ellos (Primer Concierto para piano, Trío elegíaco, piezas para piano: Melodía, Serenata, Humoresque) fueron revisados ​​posteriormente por el compositor y su textura fue enriquecida y desarrollada)., aunque en varias de sus páginas (los mejores momentos de la ópera juvenil “Aleko”, el Trío Elegíaco en memoria de PI Tchaikovsky, el famoso preludio en Do sostenido menor, algunos de los momentos musicales y romances), la individualidad del compositor ya ha sido revelado con suficiente certeza.

Una pausa inesperada llega en 1897, tras la fallida interpretación de la Primera Sinfonía de Rachmaninov, obra en la que el compositor invirtió mucho trabajo y energía espiritual, que fue incomprendida por la mayoría de los músicos y condenada casi unánimemente en las páginas de la prensa, incluso ridiculizada. por algunos de los críticos. El fracaso de la sinfónica provocó un profundo trauma mental en Rachmaninoff; según su propia confesión posterior, “era como un hombre que ha tenido un derrame cerebral y que durante mucho tiempo perdió la cabeza y las manos”. Los siguientes tres años fueron años de un silencio creativo casi total, pero al mismo tiempo de reflexión concentrada, de reevaluación crítica de todo lo hecho anteriormente. El resultado de este intenso trabajo interno del compositor sobre sí mismo fue un auge creativo inusualmente intenso y brillante a comienzos del nuevo siglo.

Durante los primeros tres o cuatro años del siglo 23, Rakhmaninov creó una serie de obras de varios géneros, notables por su profunda poesía, frescura e inmediatez de inspiración, en las que la riqueza de la imaginación creativa y la originalidad de la "escritura" del autor. se combinan con la artesanía de alto acabado. Entre ellos se encuentran el Segundo Concierto para piano, la Segunda Suite para dos pianos, la sonata para violonchelo y piano, la cantata “Primavera”, Diez Preludios op. XNUMX, la ópera "Francesca da Rimini", algunos de los mejores ejemplos de las letras vocales de Rachmaninov ("Lila", "Extracto de A. Musset"), Esta serie de obras estableció la posición de Rachmaninoff como uno de los compositores rusos más grandes e interesantes. de nuestro tiempo, aportándole un amplio reconocimiento en los círculos de la intelectualidad artística y entre las masas de oyentes.

Un período de tiempo relativamente corto, de 1901 a 1917, fue el más fructífero en su trabajo: durante esta década y media, se escribieron la mayoría de las obras maduras e independientes de Rachmaninov, que se convirtieron en una parte integral de los clásicos musicales nacionales. Casi todos los años trajeron nuevas obras, cuya aparición se convirtió en un evento notable en la vida musical. Con la incesante actividad creativa de Rachmaninoff, su obra no se mantuvo invariable durante este período: a la vuelta de las dos primeras décadas, se notan en ella síntomas de un cambio en gestación. Sin perder sus cualidades "genéricas" generales, su tono se vuelve más severo, los estados de ánimo perturbadores se intensifican, mientras que la efusión directa de sentimiento lírico parece disminuir, los colores claros y transparentes aparecen con menos frecuencia en la paleta sonora del compositor, el color general de la música oscurece y espesa. Estos cambios se notan en la segunda serie de preludios para piano, op. 32, dos ciclos de estudios-pinturas, y especialmente grandes composiciones monumentales como “Las campanas” y “Vigilia de toda la noche”, que plantean cuestiones profundas y fundamentales de la existencia humana y el propósito de vida de una persona.

La evolución experimentada por Rachmaninov no escapó a la atención de sus contemporáneos. Uno de los críticos escribió sobre The Bells: “Rakhmaninov parece haber comenzado a buscar nuevos estados de ánimo, una nueva forma de expresar sus pensamientos... Aquí se siente el nuevo estilo renacido de Rachmaninov, que no tiene nada en común con el estilo de Tchaikovsky. ”

Después de 1917 comienza una nueva ruptura en la obra de Rachmaninov, esta vez mucho más prolongada que la anterior. Solo después de toda una década, el compositor volvió a componer música, habiendo arreglado tres canciones populares rusas para coro y orquesta y completado el Cuarto Concierto para piano, iniciado en vísperas de la Primera Guerra Mundial. Durante los años 30 escribió (salvo algunas transcripciones de conciertos para piano) sólo cuatro, sin embargo, significativos en cuanto a la idea de obras mayores.

* * *

En un entorno de búsquedas complejas, a menudo contradictorias, una lucha aguda e intensa de direcciones, una ruptura de las formas habituales de conciencia artística que caracterizaron el desarrollo del arte musical en la primera mitad del siglo XIX, Rachmaninoff se mantuvo fiel a los grandes clásicos. tradiciones de la música rusa desde Glinka hasta Borodin, Mussorgsky, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov y sus alumnos más cercanos y directos y seguidores de Taneyev, Glazunov. Pero no se limitó al papel de guardián de estas tradiciones, sino que las percibió activa y creativamente, afirmando su poder vivo e inagotable, la capacidad de un mayor desarrollo y enriquecimiento. Artista sensible e impresionable, Rachmaninov, a pesar de su adhesión a los preceptos de los clásicos, no permaneció sordo a las llamadas de la modernidad. En su actitud ante las nuevas tendencias estilísticas del siglo XIX, hubo un momento no solo de confrontación, sino también de cierta interacción.

Durante un período de medio siglo, la obra de Rachmaninov ha experimentado una evolución significativa, y las obras no solo de la década de 1930, sino también de la década de 1910 difieren significativamente tanto en su estructura figurativa como en el lenguaje, medios de expresión musical desde principios, aún no. opus completamente independientes del final del anterior. siglos. En algunos de ellos, el compositor entra en contacto con el impresionismo, el simbolismo, el neoclasicismo, aunque de manera profundamente peculiar, percibe individualmente los elementos de estas corrientes. Con todos los cambios y giros, la imagen creativa de Rachmaninov se mantuvo internamente muy integral, conservando las características básicas y definitorias que su música debe su popularidad a la más amplia gama de oyentes: lirismo apasionado y cautivador, veracidad y sinceridad de expresión, visión poética del mundo. .

Yu. Vamos

director de orquesta Rachmaninoff

Rachmaninov pasó a la historia no solo como compositor y pianista, sino también como un destacado director de orquesta de nuestro tiempo, aunque este lado de su actividad no fue tan largo e intenso.

Rachmaninov hizo su debut como director en el otoño de 1897 en la Ópera Privada Mamontov de Moscú. Antes de eso, no tuvo que dirigir una orquesta ni estudiar dirección, pero el brillante talento del músico ayudó a Rachmaninoff a aprender rápidamente los secretos del dominio. Baste recordar que apenas logró completar el primer ensayo: no sabía que los cantantes debían indicar las introducciones; y unos días después, Rachmaninov ya había hecho su trabajo a la perfección, dirigiendo la ópera Sansón y Dalila de Saint-Saens.

“El año de mi estadía en la ópera Mamontov fue de gran importancia para mí”, escribió. “Allí adquirí una técnica genuina de director, que luego me sirvió muchísimo”. Durante la temporada de trabajo como segundo director de teatro, Rachmaninov realizó veinticinco representaciones de nueve óperas: "Sansón y Dalila", "Sirena", "Carmen", "Orfeo" de Gluck, "Rogneda" de Serov, " Mignon” de Tom, “La tumba de Askold”, “La fuerza del enemigo”, “Noche de mayo”. La prensa notó de inmediato la claridad del estilo de su director, la naturalidad, la falta de posturas, un férreo sentido del ritmo transmitido a los intérpretes, un gusto delicado y un maravilloso sentido de los colores orquestales. Con la adquisición de experiencia, estas características de Rachmaninoff como músico comenzaron a manifestarse al máximo, complementadas con confianza y autoridad en el trabajo con solistas, coro y orquesta.

En los años siguientes, Rachmaninoff, ocupado con la composición y la actividad pianística, dirigió solo ocasionalmente. El apogeo de su talento como director cae en el período 1904-1915. Desde hace dos temporadas trabaja en el Teatro Bolshoi, donde su interpretación de óperas rusas goza de especial éxito. Los críticos llaman a los eventos históricos en la vida del teatro la actuación de aniversario de Ivan Susanin, que dirigió en honor al centenario del nacimiento de Glinka, y la Semana de Tchaikovsky, durante la cual Rachmaninov dirigió La dama de espadas, Eugene Onegin, Oprichnik. y ballets.

Posteriormente, Rachmaninov dirigió la representación de La dama de picas en San Petersburgo; los críticos acordaron que fue él quien fue el primero en comprender y transmitir a la audiencia todo el significado trágico de la ópera. Entre los éxitos creativos de Rachmaninov en el Teatro Bolshoi está también su producción de Pan Voevoda de Rimsky-Korsakov y sus propias óperas The Miserly Knight y Francesca da Rimini.

En el escenario sinfónico, Rachmaninov desde los primeros conciertos demostró ser un maestro completo de gran escala. El epíteto "brillante" ciertamente acompañó las reseñas de sus actuaciones como director. La mayoría de las veces, Rachmaninoff apareció en el puesto del director en conciertos de la Sociedad Filarmónica de Moscú, así como con las orquestas Siloti y Koussevitzky. En 1907-1913, dirigió mucho en el extranjero, en las ciudades de Francia, Holanda, EE. UU., Inglaterra, Alemania.

El repertorio de Rachmaninov como director fue inusualmente multifacético en esos años. Pudo penetrar en los más diversos estilos y caracteres de la obra. Naturalmente, la música rusa estaba más cerca de él. Revivió en el escenario la Sinfonía Bogatyr de Borodin, casi olvidada en ese momento, contribuyó a la popularidad de las miniaturas de Lyadov, que interpretó con una brillantez excepcional. Su interpretación de la música de Tchaikovsky (especialmente las sinfonías 4 y 5) estuvo marcada por un significado y una profundidad extraordinarios; en las obras de Rimsky-Korsakov, pudo desplegar la gama más brillante de colores para la audiencia, y en las sinfonías de Borodin y Glazunov, cautivó a la audiencia con amplitud épica e integridad dramática de interpretación.

Uno de los pináculos del arte de dirección de Rachmaninov fue la interpretación de la sinfonía en sol menor de Mozart. El crítico Wolfing escribió: “¿Qué significan muchas sinfonías escritas e impresas antes de la interpretación de Rachmaninov de la sinfonía g-moll de Mozart? … El genio artístico ruso por segunda vez transformó y mostró la naturaleza artística del autor de esta sinfonía. Podemos hablar no solo del Mozart de Pushkin, sino también del Mozart de Rachmaninov…”

Junto a esto, encontramos mucha música romántica en los programas de Rachmaninov – por ejemplo, la Sinfonía Fantástica de Berlioz, las sinfonías de Mendelssohn y Franck, la obertura Oberon de Weber y fragmentos de las óperas de Wagner, el poema de Liszt y la Suite Lírica de Grieg… Y al lado – una interpretación magnífica de autores modernos: poemas sinfónicos de R. Strauss, obras de los impresionistas: Debussy, Ravel, Roger-Ducasse... Y, por supuesto, Rachmaninov fue un intérprete insuperable de sus propias composiciones sinfónicas. El conocido musicólogo soviético V. Yakovlev, que escuchó a Rachmaninov más de una vez, recuerda: “No solo el público y la crítica, los experimentados miembros de la orquesta, los profesores, los artistas reconocieron su liderazgo como el punto más alto en este arte… Sus métodos de trabajo eran reducido no tanto a un espectáculo, sino a comentarios separados, explicaciones mezquinas, muchas veces cantaba o de una forma u otra explicaba lo que había considerado previamente. Todos los que asistieron a sus conciertos recuerdan aquellos gestos amplios y característicos de toda la mano, no provenientes sólo del pincel; a veces estos gestos suyos eran considerados excesivos por los miembros de la orquesta, pero le eran familiares y los entendían. No había artificialidad en los movimientos, poses, ningún efecto, ningún dibujo a mano. Hubo una pasión sin límites, precedida por el pensamiento, el análisis, la comprensión y la comprensión del estilo del intérprete.

Agreguemos que Rachmaninoff, el director de orquesta, también fue un músico de conjunto sin igual; los solistas en sus conciertos fueron artistas como Taneyev, Scriabin, Siloti, Hoffmann, Casals, y en las representaciones de ópera Chaliapin, Nezhdanova, Sobinov...

Después de 1913, Rachmaninoff se negó a interpretar obras de otros autores y dirigió solo sus propias composiciones. Solo en 1915 se desvió de esta regla al realizar un concierto en memoria de Scriabin. Sin embargo, incluso más tarde, su reputación como director fue inusualmente alta en todo el mundo. Baste decir que inmediatamente después de llegar a los Estados Unidos en 1918, se le ofreció la dirección de las orquestas más grandes del país, en Boston y Cincinnati. Pero en ese momento ya no pudo dedicar tiempo a la dirección, obligado a realizar una intensa actividad concertística como pianista.

Solo en el otoño de 1939, cuando se organizó en Nueva York un ciclo de conciertos de las obras de Rachmaninov, el compositor accedió a dirigir uno de ellos. Luego, la Orquesta de Filadelfia interpretó la Tercera Sinfonía y las Campanas. Repitió el mismo programa en 1941 en Chicago, y un año después dirigió la representación de “Isla de los Muertos” y “Bailes Sinfónicos” en Egan Arbor. El crítico O. Daune escribió: “Rakhmaninov demostró que tiene la misma habilidad y control sobre la interpretación, la musicalidad y el poder creativo, dirigiendo la orquesta, que demuestra cuando toca el piano. El carácter y el estilo de su forma de tocar, así como su forma de dirigir, golpean con calma y confianza. Es la misma ausencia total de ostentación, el mismo sentido de la dignidad y la sobriedad evidente, la misma fuerza imperiosa admirable. Las grabaciones de La isla de los muertos, Vocalise y la Tercera sinfonía realizadas en ese momento nos han conservado evidencia del arte de dirección del brillante músico ruso.

L. Grigoriev, J. Platek