sonata |

italiano sonata, de sonare – sonar

Uno de los principales géneros de instrumentos solistas o de conjuntos de cámara. música. Classic S., por regla general, producción de muchas partes. con partes extremas rápidas (la primera – en la llamada forma de sonata) y medias lentas; a veces también se incluye un minueto o scherzo en el ciclo. Con la excepción de las variedades antiguas (trío sonata), S., a diferencia de algunos otros géneros de cámara (trío, cuarteto, quinteto, etc.), no involucra a más de 2 intérpretes. Estas normas se formaron en la era del clasicismo (ver la Escuela Clásica de Viena).

El surgimiento del término “S.” se remonta a la época de la formación de independientes. instrumento géneros Inicialmente, S. se llamaban wok. piezas con instrumentos o solas. instrumento obras, que, sin embargo, todavía estaban estrechamente relacionadas con el wok. manera de escribir y eran preim. transcripciones simples de wok. obras de teatro. Como instr. reproduce el término "S". encontrada ya en el siglo XIII. Más ampliamente llamado “sonata” o “sonado” comienza a usarse solo en la época del Renacimiento tardío (siglo XVI) en España en decadencia. tablatura (por ejemplo, en El Maestro de L. Milan, 13; en Sila de Sirenas de E. Valderrabano, 16), luego en Italia. A menudo hay un nombre doble. – canzona da sonar o canzona per sonare (por ejemplo, y H. Vicentino, A. Bankieri y otros).

Para estafar Siglo XVI en Italia (arreglo principal en la obra de F. Maskera), la comprensión del término "S". como una designación de un instr independiente. obras de teatro (a diferencia de la cantata como obras de teatro). Al mismo tiempo, especialmente en contra. 16 – rogar. Siglo 16, el término "S". aplicado a los más diversos en forma y función instr. ensayos A veces S. se llamaban instr. partes de los servicios de la iglesia (son dignos de mención los títulos "Alla devozione" - "En un carácter piadoso" o "Graduale" en las sonatas de Banchieri, el nombre de una de las obras de este género de K. Monteverdi es "Sonata sopra Sancta Maria" – “Sonata-liturgia de la Virgen María”), así como oberturas de ópera (por ejemplo, la introducción a la ópera de MA Honor La manzana dorada, llamada por S. – Il porno d'oro, 17). Durante mucho tiempo no hubo una distinción clara entre las designaciones “S.”, “sinfonía” y “concierto”. A principios del siglo XVII (barroco temprano), se formaron 1667 tipos de S.: sonata da chiesa (iglesia. S.) y sonata da camera (cámara, frente. S.). Por primera vez se encuentran estas designaciones en “Canzoni, overo sonate concertate per chiesa e camera” de T. Merula (17). Sonata da chiesa se basó más en la polifonía. forma, sonata da camera se distinguió por el predominio de un almacén homofónico y la confianza en la bailabilidad.

Al principio. Siglo 17 el llamado. Sonata en trío para 2 o 3 intérpretes con acompañamiento de bajo continuo. Era una forma de transición de la polifonía del siglo XVI. a solo S. 16-17 siglos. En realizar. composiciones de S. en este momento el lugar principal lo ocupan las cuerdas. instrumentos de arco con su gran amplitud melódica. oportunidades.

En el 2do piso. Siglo 17 hay una tendencia al desmembramiento de S. en partes (generalmente 3-5). Están separados entre sí por una línea doble o designaciones especiales. El ciclo de 5 partes está representado por muchas sonatas de G. Legrenzi. Como excepción, también se encuentran S. de una sola parte (en Sat: Sonate da organo di varii autori, ed. Arresti). El más típico es un ciclo de 4 partes con una secuencia de partes: lento – rápido – lento – rápido (o: rápido – lento – rápido – rápido). 1ra parte lenta – introductoria; suele basarse en imitaciones (a veces de un almacén homofónico), tiene improvisación. carácter, a menudo incluye ritmos punteados; la segunda parte rápida es fuga, la tercera parte lenta es homofónica, por regla general, en el espíritu de una sarabanda; concluye. la parte rápida también es fuga. Sonata da camera fue un estudio libre de danzas. habitaciones, como una suite: allemande – courant – sarabande – gigue (o gavotte). Este esquema podría complementarse con otros bailes. partes.

La definición de sonata da camera a menudo se reemplazaba por el nombre. – “suite”, “partita”, “francés. obertura”, “orden”, etc. En contra. Siglo 17 en Alemania hay productos. tipo mixto, combinando las propiedades de ambos tipos de S. (D. Becker, I. Rosenmüller, D. Buxtehude y otros). A la Iglesia. S. penetrar partes que son de naturaleza cercana a la danza (gigue, minuet, gavotte), en la cámara – partes libres de preludio de la iglesia. S. A veces esto llevó a una fusión completa de ambos tipos (GF Teleman, A. Vivaldi).

Las piezas se combinan en S. por medio de temáticas. conexiones (especialmente entre las partes extremas, por ejemplo, en C. op. 3 No 2 Corelli), con la ayuda de un plan tonal armonioso (las partes extremas en la tonalidad principal, las partes medias en la secundaria), a veces con la ayuda de un diseño de programa (S. “Historias Bíblicas” Kunau).

En el 2do piso. Siglo XVII junto con las sonatas en trío, la posición dominante la ocupa S. para violín, un instrumento que está experimentando su primer y más alto florecimiento en este momento. Género skr. S. se desarrolló en el trabajo de G. Torelli, J. Vitali, A. Corelli, A. Vivaldi, J. Tartini. Un número de compositores tienen el 17er piso. Siglo XVIII (JS Bach, GF Teleman y otros) hay una tendencia a agrandar las partes y reducir su número a 1 o 18, generalmente debido al rechazo de una de las 2 partes lentas de la iglesia. S. (por ejemplo, IA Sheibe). Las indicaciones del tempo y la naturaleza de las partes se vuelven más detalladas (“Andante”, “Grazioso”, “Affettuoso”, “Allegro ma non troppo”, etc.). S. para violín con una parte desarrollada del clavier aparece por primera vez en JS Bach. Nombre “DE.” en relación con la pieza de clave solista, I. Kunau fue el primero en utilizarla.

En el período clásico temprano (mediados del siglo XVIII) S. se reconoce gradualmente como el género más rico y complejo de la música de cámara. En 18, IA Schultz definió S. como una forma que “abarca todos los caracteres y todas las expresiones”. DG Türk señaló en 1775: “Entre las piezas escritas para clave, la sonata ocupa legítimamente el primer lugar”. Según FW Marpurg, en S. necesariamente “hay tres o cuatro piezas sucesivas en un tempo dado por designaciones, por ejemplo, Allegro, Adagio, Presto, etc.” El piano de clavier pasa a primer plano, en cuanto al piano de acción de martillo recién aparecido. (una de las primeras muestras - S. op. 1789 Avison, 8), y para el clavicordio o clavicordio (para representantes de las escuelas del norte y medio alemán - WF Bach, KFE Bach, KG Nefe , J. Benda, EV Wolf y otros, el clavicordio era un instrumento favorito). La tradición de acompañar a C. basso continuo se está extinguiendo. Se está extendiendo un tipo intermedio de piano clavier, con la participación opcional de uno o dos instrumentos más, a menudo violines u otros instrumentos melódicos (sonatas de C. Avison, I. Schobert y algunas sonatas tempranas de WA ​​Mozart), especialmente en París y Londres. S. se crean para el clásico. composición doble con la participación obligatoria de clavier y c.-l. instrumento melódico (violín, flauta, violonchelo, etc.). Entre las primeras muestras – S. op. 1764 Giardini (3), S. op. 1751 Pellegrini (4).

La aparición de una nueva forma de S. estuvo determinada en gran medida por la transición de la polifonía. almacén de fuga a homofónica. La sonata allegro clásica se forma de forma especialmente intensa en las sonatas de una parte de D. Scarlatti y en las sonatas de 3 partes de CFE Bach, así como de sus contemporáneos: B. Pasquini, PD Paradisi y otros. Las obras de la mayoría de los compositores de esta galaxia están en el olvido, solo se siguen interpretando las sonatas de D. Scarlatti y CFE Bach. D. Scarlatti escribió más de 500 S. (a menudo llamados Essercizi o piezas para clavecín); se distinguen por su minuciosidad, acabado de filigrana, variedad de formas y tipos. KFE Bach establece un clásico. la estructura del ciclo S. de 3 partes (ver forma cíclica de Sonata). En el trabajo de los maestros italianos, especialmente GB Sammartini, a menudo se encuentra un ciclo de 2 partes: Allegro – Menuetto.

El significado del término "S". en el período clásico temprano no era del todo estable. A veces se usaba como el nombre de un instr. obras de teatro (J. Carpani). En Inglaterra, S. a menudo se identifica con "Lección" (S. Arnold, op. 7) y sonata solista, es decir, S. para melódico. instrumento (violín, violonchelo) con bajo continuo (P. Giardini, op.16), en Francia – con una pieza para clavecín (JJC Mondonville, op. 3), en Viena – con divertissement (GK Wagenseil, J. Haydn), en Milán – con un nocturno (GB Sammartini, JK Bach). A veces se usaba el término sonata da camera (KD Dittersdorf). Durante algún tiempo el S. eclesiástico también conservó su significado (17 sonatas eclesiásticas de Mozart). Las tradiciones barrocas también se reflejan en la abundante ornamentación de las melodías (Benda), y en la introducción de pasajes figurativos virtuosos (M. Clementi), en los rasgos del ciclo, por ejemplo. en las sonatas de F. Durante, la primera parte de la fuga se opone a menudo a la segunda, escrita en carácter de giga. La conexión con la antigua suite también es evidente en el uso del minué para las partes media o final de S. (Wagenseil).

Primeros temas clásicos. S. a menudo conserva las características de la polifonía de imitación. almacén, en contraste, por ejemplo, con una sinfonía con su tematismo homofónico característico en este período, debido a otras influencias en el desarrollo del género (principalmente la influencia de la música de ópera). Normas clásicas. S. finalmente toma forma en las obras de J. Haydn, WA ​​Mozart, L. Beethoven, M. Clementi. Un ciclo de 3 partes con movimientos extremadamente rápidos y una parte media lenta se vuelve típico de S. (en contraste con la sinfonía con su ciclo normativo de 4 partes). Esta estructura del ciclo se remonta a la antigua C. da chiesa y solo instr. concierto barroco. El lugar principal en el ciclo lo ocupa la 1ra parte. Casi siempre está escrito en forma de sonata, el más desarrollado de todos los instrumentos clásicos. formularios También hay excepciones: por ejemplo, en fp. La sonata de Mozart A-dur (K.-V. 331) la primera parte está escrita en forma de variaciones, en su propia C. Es-dur (K.-V. 282) la primera parte es adagio. La segunda parte contrasta fuertemente con la primera por el ritmo pausado, el carácter lírico y contemplativo. Esta parte permite una mayor libertad en la elección de la estructura: puede utilizar una forma compleja de 3 partes, forma de sonata y sus diversas modificaciones (sin desarrollo, con un episodio), etc. A menudo se introduce un minué como segunda parte (por ejemplo, C. Esdur, K.-V. 282, A-dur, K.-V. 331, Mozart, C-dur para Haydn). El tercer movimiento, normalmente el más rápido del ciclo (Presto, allegro vivace y tempos cerrados), se acerca al primer movimiento con su carácter activo. La forma más típica para el finale es el rondó y la sonata rondó, con menos frecuencia las variaciones (C. Es-dur para violín y piano, K.-V. 481 de Mozart; C. A-dur para piano de Haydn). Sin embargo, también hay desviaciones de tal estructura del ciclo: de 52 fp. Las sonatas 3 (primeras) de Haydn son de cuatro partes y 8 son de dos partes. Ciclos similares también son característicos de algunos skr. sonatas de Mozart.

En el período clásico, en el centro de atención está la S. para el piano, que desplaza por todas partes a los viejos tipos de cuerdas. instrumentos de teclado. S. también se usa ampliamente para la descomposición. instrumentos con acompañamiento fp., especialmente Skr. S. (por ejemplo, Mozart posee 47 skr. C).

El género S. alcanzó su punto más alto con Beethoven, quien creó 32 fp., 10 scr. y 5 violonchelo S. En la obra de Beethoven se enriquece el contenido figurativo, se encarnan los dramas. colisiones, se agudiza el comienzo del conflicto. Muchos de sus S. alcanzan proporciones monumentales. Junto con el refinamiento de la forma y la concentración de la expresión, característicos del arte del clasicismo, las sonatas de Beethoven también muestran rasgos que luego fueron adoptados y desarrollados por compositores románticos. Beethoven a menudo escribe S. en forma de un ciclo de 4 partes, reproduciendo la secuencia de partes de una sinfonía y un cuarteto: una sonata allegro es una letra lenta. movimiento – minueto (o scherzo) – finale (p. ej. S. para piano op. 2 n.° 1, 2, 3, op. 7, op. 28). Las partes intermedias a veces están dispuestas en orden inverso, a veces una letra lenta. la parte es reemplazada por una parte con un tempo más móvil (allegretto). Tal ciclo echaría raíces en el S. de muchos compositores románticos. Beethoven también tiene S. de 2 partes (S. para pianoforte op. 54, op. 90, op. 111), así como un solista con una secuencia libre de partes (movimiento de variación - scherzo - marcha fúnebre - finale en piano. C. op. 26; op. C. quasi una fantasia op. 27 n.° 1 y 2; C. op. 31 n.° 3 con un scherzo en 2° lugar y un minueto en 3°). En el último S. de Beethoven se intensifica la tendencia a una estrecha fusión del ciclo ya una mayor libertad de interpretación. Se introducen conexiones entre las partes, se realizan transiciones continuas de una parte a otra, se incluyen secciones de fuga en el ciclo (finales de S. op. 101, 106, 110, fugato en la 1ª parte de S. op. 111). La primera parte a veces pierde su posición de liderazgo en el ciclo, el final a menudo se convierte en el centro de gravedad. Hay reminiscencias de temas sonados anteriormente en descomposición. partes del ciclo (S. op. 101, 102 nº 1). Medio. En las sonatas de Beethoven, las introducciones lentas a los primeros movimientos también comienzan a desempeñar un papel (op. 13, 78, 111). Algunas de las canciones de Beethoven se caracterizan por elementos de software, que se han desarrollado ampliamente en la música de los compositores románticos. Por ejemplo, 3 partes de S. para piano. Op. 81a se llaman. “Despedida”, “Despedida” y “Regreso”.

Una posición intermedia entre el clasicismo y el romanticismo la ocupan las sonatas de F. Schubert y KM Weber. Basados ​​en los ciclos de sonatas de 4 partes (raramente 3 partes) de Beethoven, estos compositores utilizan ciertos métodos nuevos de expresividad en sus composiciones. Los juegos melódicos son de gran importancia. principio, elementos de canciones folklóricas (especialmente en las partes lentas de los ciclos). Lírica. el personaje aparece más claramente en el fp. sonatas de Schubert.

En la obra de los compositores románticos tiene lugar un mayor desarrollo y transformación de la música clásica. (predominantemente de Beethoven) tipo S., saturándolo con nuevas imágenes. Característica es la mayor individualización de la interpretación del género, su interpretación en el espíritu de lo romántico. poesía. S. durante este período conserva la posición de uno de los principales géneros de instr. la música, aunque algo relegada por pequeñas formas (por ejemplo, canción sin letra, nocturno, preludio, estudio, piezas características). F. Mendelssohn, F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt, J. Brahms, E. Grieg y otros hicieron una gran contribución al desarrollo de la sísmica. Sus composiciones sísmicas revelan nuevas posibilidades del género al reflejar fenómenos y conflictos de la vida. El contraste de las imágenes de S. se agudiza tanto dentro de las partes como en su relación entre sí. El deseo de los compositores por más temática también se ve afectado. la unidad del ciclo, aunque en general los románticos se adhieren al clásico. 3 partes (por ejemplo, S. para pianoforte op. 6 y 105 de Mendelssohn, S. para violín y pianoforte op. 78 y 100 de Brahms) y 4 partes (por ejemplo, S. para pianoforte op. 4, 35 y 58 Chopin, S. para Schumann) ciclos. Algunas de las secuencias del FP se distinguen por una gran originalidad en la interpretación de partes del ciclo. Brahms (S. op. 2, cinco partes S. op. 5). Influencia romántica. la poesía conduce a la aparición de S. de una parte (las primeras muestras: 2 S. para el pianoforte de Liszt). En términos de escala e independencia, las secciones de la forma sonata en ellos se acercan a las partes del ciclo, formando los llamados. un ciclo de una parte es un ciclo de desarrollo continuo, con líneas borrosas entre las partes.

en fp. Uno de los factores unificadores en las sonatas de Liszt es la programmaticidad: con las imágenes de la Divina Comedia de Dante, su S. “Después de leer a Dante” (la libertad de su estructura se enfatiza con la designación Fantasia quasi Sonata), con las imágenes del Fausto de Goethe – S. h-moll (1852 -53).

En la obra de Brahms y Grieg, un lugar destacado lo ocupa el violín S. A los mejores ejemplos del género S. en el romántico. la música pertenece a la sonata A-dur para violín y piano. S. Frank, así como 2 S. para violonchelo y piano. Brahms. También se están creando instrumentos para otros instrumentos.

En estafa 19 – rogar. Siglo XX S. en los países de Occidente. Europa atraviesa una crisis conocida. Las sonatas de V. d'Andy, E. McDowell, K. Shimanovsky son interesantes, independientes en pensamiento y lenguaje.

Un gran número de S. por descomposición. instrumentos fue escrito por M. Reger. De particular interés son sus 2 S. para órgano, en las que se manifiesta la orientación del compositor hacia lo clásico. tradiciones Reger también posee 4 S. para violonchelo y pianoforte, 11 S. para pianoforte. La inclinación hacia la programación es característica de la obra sonata de McDowell. Los 4 de su S. para fp. son subtítulos de programas (“Trágico”, 1893; “Heroico”, 1895; “Noruego”, 1900; “Celta”, 1901). Menos significativas son las sonatas de K. Saint-Saens, JG Reinberger, K. Sinding y otros. Intentos de revivir lo clásico en ellos. principios no dieron resultados artísticamente convincentes.

El género S. adquiere rasgos peculiares en un principio. siglo XX en la música francesa. Del francés G. Fauré, P. Duke, C. Debussy (S. para violín y piano, S. para violonchelo y piano, S. para flauta, viola y arpa) y M. Ravel (S. para violín y pianoforte , S. para violín y violonchelo, sonata para piano). Estos compositores saturan S. con nuevos, incluso impresionistas. figuratividad, métodos originales de expresividad (el uso de elementos exóticos, el enriquecimiento de medios modales-armoniosos).

En el trabajo de los compositores rusos de los siglos XVIII y XIX, S. no ocupó un lugar destacado. El género de S. en este momento está representado por experimentos individuales. Tales son los instrumentos musicales para el cembalo de DS Bortnyansky y los instrumentos musicales para violín y bajo solistas de IE Khandoshkin, que en sus características estilísticas se acercan a los primeros instrumentos musicales clásicos de Europa occidental. y viola (o violín) MI Glinka (18), sustentada en la clásica. espíritu, pero con entonación. partes estrechamente asociadas con el ruso. elemento de la canción popular. Las características nacionales se notan en la S. de los contemporáneos más destacados de Glinka, principalmente AA Alyabyeva (S. para violín con piano, 19). Def. AG Rubinshtein, autor de 1828 S. para piano, rindió homenaje al género de S. (1834-4) y 1859 S. para violín y piano. (71-3), S. para viola y piano. (1851) y 76 págs. para violonchelo y piano. (1855-2). De particular importancia para el desarrollo posterior del género en ruso. la música tenía S. para piano. Op. 1852 PI Tchaikovsky, y también 57 S. para piano. AK Glazunov, gravitando hacia la tradición del "gran" romántico S.

A la vuelta de los siglos XIX y XX. interés por el género S. y rus. compositores ha aumentado significativamente. Una página brillante en el desarrollo del género fueron FP. sonatas de AN Scriabin. En muchos sentidos, continuando con el romanticismo. tradiciones (gravitación hacia la programabilidad, la unidad del ciclo), Scriabin les da una expresión independiente y profundamente original. La novedad y originalidad de la creatividad sonata de Scriabin se manifiestan tanto en la estructura figurativa como en la música. lenguaje, y en la interpretación del género. La naturaleza programática de las sonatas de Scriabin es filosófica y simbólica. personaje. Su forma evoluciona de un ciclo de varias partes bastante tradicional (siglas 19 a 20) a una parte única (siglas 1 a 3). Ya la cuarta sonata de Scriabin, cuyas dos partes están estrechamente relacionadas entre sí, se acerca al tipo de un pianoforte de un solo movimiento. poemas A diferencia de las sonatas de un movimiento de Liszt, las sonatas de Scriabin no tienen características de una forma cíclica de un movimiento.

S. se actualiza significativamente en el trabajo de NK Medtner, to-ron pertenece a 14 fp. S. y 3 S. para violín y piano. Medtner amplía los límites del género, aprovechando las características de otros géneros, en su mayoría programáticos o líricos característicos ("Sonata-elegía" op. 11, "Sonata-recuerdo" op. 38, "Sonata-cuento de hadas" op. 25 , “Sonata-balada » op. 27). Un lugar especial lo ocupa su “Sonata-vocalizar” op. 41.

SV Rachmaninov en 2 fp. S. desarrolla peculiarmente las tradiciones del gran romántico. C. Un evento notable en ruso. comienzo de la vida musical. Siglo XX acero 20 primera S. para fp. N. Ya. Myaskovsky, especialmente la segunda S. de una parte, recibió el Premio Glinkin.

En las siguientes décadas del siglo XX el uso de nuevos medios de expresión transforma la fisonomía del género. Aquí, 20 C. son indicativos de descomposición. instrumentos de B. Bartok, originales en ritmo y características modales, lo que indica una tendencia a actualizar a los intérpretes. composiciones (S. para 6 fp. y percusión). Esta última tendencia también la siguen otros compositores (S. para trompeta, trompa y trombón, F. Poulenc y otros). Se están haciendo intentos para revivir algunas formas de preclásico. S. (2 sonatas para órgano de P. Hindemith, S. solo para viola y para violín de E. Krenek y otras obras). Uno de los primeros ejemplos de interpretación neoclásica del género – 6ª S. para piano. SI Stravinsky (2). Medio. El lugar en la música moderna lo ocupan las sonatas de A. Honegger (1924 C. para varios instrumentos), Hindemith (c. 6 C. para casi todos los instrumentos).

Los búhos crearon ejemplos sobresalientes de interpretaciones modernas del género. compositores, principalmente SS Prokofiev (9 para piano, 2 para violín, violonchelo). La FP desempeñó el papel más importante en el desarrollo del S. moderno. sonatas de Prokofiev. Toda la creatividad se refleja claramente en ellos. el camino del compositor – desde la conexión con lo romántico. muestras (1°, 3° C.) hasta madurez sabia (8° C). Prokofiev confía en el clásico. normas del ciclo de 3 y 4 partes (a excepción de la 1ª y 3ª C de una parte). Orientación clásica. y preclásico. principios de pensamiento se reflejan en el uso de danzas antiguas. géneros de los siglos XVII-XVIII. (gavotte, minuet), formas de toccata, así como en una clara delimitación de las secciones. Sin embargo, dominan los rasgos originales, que incluyen la concreción teatral de la dramaturgia, la novedad de la melodía y la armonía, y el carácter peculiar del piano. virtuosidad. Una de las cumbres más significativas de la obra del compositor es la “tríada sonata” de los años de la guerra (17ª – 18ª págs., 6-8), que combina dramatismo. Conflicto de imágenes con lo clásico. refinamiento de la forma.

DD Shostakovich (2 para piano, violín, viola y violonchelo) y AN Aleksandrov (14 piano para piano) hicieron una contribución notable al desarrollo de la música para piano. FP también es popular. sonatas y sonatas de DB Kabalevsky, sonata de AI Khachaturian.

En los años 50 – 60. nuevos fenómenos característicos aparecen en el campo de la creatividad sonata. S. aparecen, sin contener una sola parte en el ciclo en forma de sonata y solo implementando ciertos principios de sonata. Tales son las S. de FP. P. Boulez, “Sonata e Interludio” para piano “preparado”. J. jaula. Los autores de estos trabajos interpretan a S. principalmente como un instr. jugar. Un ejemplo típico de esto es C. para violonchelo y orquesta de K. Penderecki. Tendencias similares se reflejaron en el trabajo de varios búhos. compositores (sonatas para piano de BI Tishchenko, TE Mansuryan, etc.).

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Véase también encendido. a los artículos Forma sonata, Forma sonata-cíclica, Forma musical.

VB Valkova