Alexander Alexandrovich Slobodyanik |

Alejandro Slobodyanik

Alexander Alexandrovich Slobodyanik desde muy joven estuvo en el centro de atención de especialistas y público en general. Hoy, cuando tiene muchos años de conciertos en su haber, se puede decir sin temor a equivocarse que fue y sigue siendo uno de los pianistas más populares de su generación. Es espectacular en el escenario, tiene una apariencia imponente, en el juego uno puede sentir un gran talento peculiar, uno lo puede sentir de inmediato, desde las primeras notas que toma. Y, sin embargo, la simpatía del público por él se debe, quizás, a razones de carácter especial. Talentoso y, además, exteriormente espectacular en el escenario del concierto es más que suficiente; Slobodianik atrae a otros, pero hablaremos de eso más adelante.

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Slobodyanyk comenzó su entrenamiento regular en Lviv. Su padre, un famoso médico, fue aficionado a la música desde muy joven, en un momento llegó a ser incluso el primer violín de una orquesta sinfónica. La madre no era mala para el piano y le dio a su hijo las primeras lecciones para tocar este instrumento. Luego, el niño fue enviado a una escuela de música, a Lydia Veniaminovna Galembo. Allí llamó rápidamente la atención sobre sí mismo: a la edad de catorce años tocó en la sala de la Filarmónica de Lviv el Tercer Concierto para piano y orquesta de Beethoven, y luego actuó con una banda solista de clavicordio. Fue trasladado a Moscú, a la Escuela Central de Música de Diez Años. Durante algún tiempo estuvo en la clase de Sergei Leonidovich Dizhur, un conocido músico de Moscú, uno de los alumnos de la escuela Neuhaus. Luego fue tomado como estudiante por el mismo Heinrich Gustavovich Neuhaus.

Con Neuhaus, las clases de Slobodyanik, se podría decir, no funcionaron, aunque permaneció cerca del famoso maestro durante unos seis años. “No funcionó, por supuesto, solo por mi culpa”, dice el pianista, “de lo cual nunca dejo de arrepentirme hasta el día de hoy”. El Slobodyannik (para ser honesto) nunca perteneció a aquellos que tienen fama de ser organizados, serenos, capaces de mantenerse dentro del marco férreo de la autodisciplina. Estudió de manera desigual en su juventud, según su estado de ánimo; sus primeros éxitos provinieron mucho más de un rico talento natural que de un trabajo sistemático y decidido. Neuhaus no se sorprendió por su talento. Jóvenes capaces a su alrededor siempre abundaban. “Cuanto mayor es el talento”, repetía más de una vez en su círculo, “más legítima la exigencia de pronta responsabilidad e independencia” (Neigauz GG Sobre el arte de tocar el piano. – M., 1958. P. 195.). Con toda su energía y vehemencia se rebeló contra lo que luego, volviendo en el pensamiento a Slobodyanik, llamó diplomáticamente “incumplimiento de diversos deberes” (Neigauz GG Reflexiones, memorias, diarios. S. 114.).

El mismo Slobodyanik admite honestamente que, cabe señalar, generalmente es extremadamente directo y sincero en sus autoevaluaciones. “Yo, para decirlo con más delicadeza, no siempre estuve adecuadamente preparado para las lecciones con Genrikh Gustavovich. ¿Qué puedo decir ahora en mi defensa? Moscú después de Lvov me cautivó con muchas impresiones nuevas y poderosas... Volvió mi cabeza con atributos brillantes y aparentemente extraordinariamente tentadores de la vida metropolitana. Estaba fascinado por muchas cosas, a menudo en detrimento del trabajo.

Al final, tuvo que separarse de Neuhaus. Sin embargo, el recuerdo de un músico maravilloso sigue siendo querido para él hoy: “Hay personas que simplemente no se pueden olvidar. Están contigo siempre, por el resto de tu vida. Se dice con razón: un artista está vivo mientras se le recuerda… Por cierto, sentí la influencia de Henry Gustavovich durante mucho tiempo, incluso cuando ya no estaba en su clase”.

Slobodyanik se graduó del conservatorio y luego de la escuela de posgrado, bajo la dirección de una estudiante de Neuhaus, Vera Vasilievna Gornostaeva. “Músico magnífico”, dice de su último maestro, “sutil, perspicaz… Un hombre de sofisticada cultura espiritual. Y lo que fue especialmente importante para mí fue una excelente organizadora: le debo su voluntad y energía no menos que su mente. Vera Vasilievna me ayudó a encontrarme en la interpretación musical”.

Con la ayuda de Gornostaeva, Slobodyanik completó con éxito la temporada competitiva. Incluso antes, durante sus estudios, recibió premios y diplomas en concursos en Varsovia, Bruselas y Praga. En 1966, hizo su última aparición en el Tercer Concurso Tchaikovsky. Y se le otorgó un cuarto premio honorífico. Terminó el período de su aprendizaje, comenzó la vida cotidiana de un concertista profesional.

… Entonces, ¿cuáles son las cualidades de Slobodianik que atraen al público? Si miras a "su" prensa desde principios de los años sesenta hasta el presente, la abundancia de características tales como "riqueza emocional", "plenitud de sentimientos", "espontaneidad de la experiencia artística", etc. es involuntariamente sorprendente. , no tan raro, que se encuentra en muchas reseñas y críticas musicales. Al mismo tiempo, es difícil condenar a los autores de los materiales sobre Slobodyanyk. Sería muy difícil elegir a otro, hablando de él.

De hecho, Slobodyanik al piano es la plenitud y la generosidad de la experiencia artística, la espontaneidad de la voluntad, un giro agudo y fuerte de las pasiones. Y no es de extrañar La emotividad vívida en la transmisión de la música es un signo seguro de talento interpretativo; Slobodian, como se dijo, es un talento sobresaliente, la naturaleza lo dotó por completo, sin restricciones.

Y, sin embargo, creo que no se trata solo de una musicalidad innata. Detrás de la alta intensidad emocional de la actuación de Slobodyanik, la plenitud y la riqueza de sus experiencias escénicas, está la capacidad de percibir el mundo en toda su riqueza y el infinito multicolor de sus colores. La capacidad de responder viva y entusiastamente al entorno, de hacer diverso: ver ampliamente, abarcar todo lo que tenga algún interés, respirar, como dicen, con el pecho lleno… Slobodianik es generalmente un músico muy espontáneo. Ni un ápice estampado, ni desteñido a lo largo de los años de su bastante dilatada actividad escénica. Es por eso que los oyentes se sienten atraídos por su arte.

Es fácil y agradable estar en compañía de Slobodyanik, ya sea que lo encuentres en el camerino después de una actuación, o lo veas en el escenario, en el teclado de un instrumento. Algo de nobleza interior se siente intuitivamente en él; "hermosa naturaleza creativa", escribieron sobre Slobodyanik en una de las reseñas, y con razón. Parecería: ¿es posible captar, reconocer, sentir estas cualidades (belleza espiritual, nobleza) en una persona que, sentada en un piano de concierto, toca un texto musical previamente aprendido? Resulta que es posible. No importa lo que Slobodyanik ponga en sus programas, hasta lo más espectacular, ganador, escénicamente atractivo, en él como intérprete no se nota ni una sombra de narcisismo. Incluso en esos momentos en los que realmente puedes admirarlo: cuando está en su mejor momento y todo lo que hace, como se suele decir, resulta y sale. Nada mezquino, engreído, vanidoso puede encontrarse en su arte. “Con sus datos escénicos felices, no hay una pizca de narcisismo artístico”, admiran aquellos que conocen de cerca a Slobodyanik. Así es, ni la más mínima pista. De dónde, en realidad, viene esto: ya se ha dicho más de una vez que el artista siempre “continúa” a una persona, lo quiera o no, lo sepa o no lo sepa.

Tiene una especie de estilo juguetón, parece haberse impuesto una regla: no importa lo que hagas en el teclado, todo se hace despacio. El repertorio de Slobodyanik incluye una serie de piezas virtuosas brillantes (Liszt, Rachmaninoff, Prokofiev…); es difícil recordar que se apresuró, “impulsó” al menos a uno de ellos, como sucede, y muchas veces, con bravura pianística. No es casualidad que la crítica le reproche en ocasiones un ritmo algo lento, nunca demasiado elevado. Probablemente así debería verse un artista en el escenario, pienso en algunos momentos, mirándolo: no perder los estribos, no perder los estribos, al menos en lo que se refiere a una forma de comportamiento puramente externa. En todas las circunstancias, mantén la calma, con dignidad interior. Incluso en los momentos de actuación más candentes (nunca se sabe cuántos de ellos se encuentran en la música romántica que Slobodyanik ha preferido durante mucho tiempo), no caiga en la exaltación, la emoción, el alboroto... Como todos los artistas extraordinarios, Slobodyanik tiene una característica, única característica. papa juegos; la forma más precisa, quizás, sería designar este estilo con el término Grave (lentamente, majestuosamente, significativamente). Es de esta manera, un poco pesada en sonido, delineando relieves texturizados de una manera grande y convexa, que Slobodyanik toca la sonata en Fa menor de Brahms, el Quinto Concierto de Beethoven, el Primero de Tchaikovsky, los Cuadros de una exposición de Mussorgsky, las sonatas de Myaskovsky. Lo único que ahora se ha convocado son los mejores números de su repertorio.

Una vez, en 1966, durante el Tercer Concurso de Prensa de Tchaikovsky, hablando con entusiasmo sobre su interpretación del concierto en re menor de Rachmaninov, escribió: “Slobodianik toca verdaderamente en ruso”. La "entonación eslava" es realmente claramente visible en él: en su naturaleza, apariencia, cosmovisión artística, juego. Por lo general, no le resulta difícil abrirse, expresarse exhaustivamente en las obras de sus compatriotas, especialmente en aquellas inspiradas en imágenes de amplitud ilimitada y espacios abiertos... Una vez, uno de los colegas de Slobodyanik comentó: “Hay luz, tormenta, temperamentos explosivos. Aquí el temperamento, más bien, desde el alcance y la amplitud. La observación es correcta. Por eso las obras de Tchaikovsky y Rachmaninov son tan buenas en el pianista, y mucho en el difunto Prokofiev. Por eso (¡una circunstancia notable!) es recibido con tanta atención en el extranjero. Para los extranjeros, es interesante como un fenómeno típicamente ruso en la interpretación musical, como un personaje nacional jugoso y colorido en el arte. Fue calurosamente aplaudido más de una vez en los países del Viejo Mundo, y muchas de sus giras por el extranjero también fueron exitosas.

Una vez en una conversación, Slobodyanik mencionó el hecho de que para él, como intérprete, son preferibles las obras de formas grandes. “En el género monumental, de alguna manera me siento más cómodo. Quizás más tranquilo que en miniatura. Tal vez aquí se hace sentir el instinto artístico de autoconservación, hay tal... Si de repente "tropiezo" en algún lugar, "pierdo" algo en el proceso de juego, entonces el trabajo, me refiero a un gran trabajo que está muy extendido en el espacio sonoro, pero no se arruinará por completo. Todavía habrá tiempo para salvarlo, para rehabilitarse de un error accidental, para hacer bien otra cosa. Si arruinas una miniatura en un solo lugar, la destruyes por completo.

Sabe que en cualquier momento puede “perder” algo en el escenario – esto le pasó más de una vez, ya desde muy joven. “Antes, lo tenía aún peor. Ahora ayuda la práctica escénica acumulada a lo largo de los años, el conocimiento del propio negocio… ”Y realmente, ¿cuál de los participantes del concierto no ha tenido que extraviarse durante el juego, olvidarse, meterse en situaciones críticas? Slobodyaniku, probablemente con más frecuencia que muchos de los músicos de su generación. A él también le pasó: como si una especie de nube se encontrara inesperadamente en su interpretación, de pronto se volviera inerte, estática, desmagnetizada internamente… Y hoy, incluso cuando un pianista está en la flor de la vida, totalmente armado con la experiencia de las variedades, sucede. que en sus veladas se alternan fragmentos musicales vivos y de colores vivos con otros aburridos e inexpresivos. Como si perdiera interés en lo que está sucediendo por un tiempo, sumergiéndose en un trance inesperado e inexplicable. Y luego, de repente, se enciende de nuevo, se deja llevar, conduce con confianza a la audiencia.

Hubo tal episodio en la biografía de Slobodyanik. Tocó en Moscú una composición compleja y raramente interpretada de Reger: Variaciones y fuga sobre un tema de Bach. Al principio lo que salió del pianista no es muy interesante. Era evidente que no lo consiguió. Frustrado por el fracaso, terminó la velada repitiendo las variaciones del bis de Reger. Y repitió (sin exagerar) suntuosamente – brillante, inspirador, caliente. Clavirabend parecía haberse dividido en dos partes que no se parecen mucho: esto era todo Slobodyanik.

¿Hay alguna desventaja ahora? Quizás. Quién lo discutirá: un artista moderno, un profesional en el sentido más amplio de la palabra, está obligado a gestionar su inspiración. Debe ser capaz de llamarlo a voluntad, ser al menos estable en tu creatividad. Sólo que, hablando con toda franqueza, ¿siempre ha sido posible que cada uno de los asistentes al concierto, incluso los más conocidos, puedan hacer esto? ¿Y no eran, a pesar de todo, algunos artistas “inestables” que nada se distinguían por su constancia creativa, como V. Sofronitsky o M. Polyakin, eran el adorno y orgullo del panorama profesional?

Hay maestros (en el teatro, en la sala de conciertos) que pueden actuar con la precisión de aparatos automáticos impecablemente ajustados: honor y alabanza para ellos, cualidad digna de la actitud más respetuosa. Hay otros. Las fluctuaciones en el bienestar creativo son para ellos naturales, como el juego de claroscuro en una tarde de verano, como el flujo y reflujo del mar, como la respiración para un organismo vivo. El magnífico conocedor y psicólogo de la interpretación musical GG Neuhaus (ya tenía algo que decir sobre los caprichos de la fortuna escénica, tanto los éxitos brillantes como los fracasos) no vio, por ejemplo, nada reprensible en el hecho de que un concertista en particular no pueda a "producir productos estándar con precisión de fábrica: sus apariciones públicas" (Neigauz GG Reflexiones, memorias, diarios. S. 177.).

Lo anterior enumera los autores con los que se asocian la mayoría de los logros interpretativos de Slobodyanik: Tchaikovsky, Rachmaninov, Prokofiev, Beethoven, Brahms... Puede complementar esta serie con los nombres de compositores como Liszt (en el repertorio de Slobodyanik, la Sonata en si menor, la Sixth Rhapsody, Campanella, Mephisto Waltz y otras piezas de Liszt), Schubert (sonata en si bemol mayor), Schumann (Carnival, Symphonic Etudes), Ravel (Concierto para la mano izquierda), Bartok (Piano Sonata, 1926), Stravinsky ("Perejil ”).

Slobodianik es menos convincente en Chopin, aunque ama mucho a este autor, a menudo se refiere a su trabajo: los carteles del pianista presentan preludios, estudios, scherzos y baladas de Chopin. Como regla, el siglo 1988 los pasa por alto. Scarlatti, Haydn, Mozart: estos nombres son bastante raros en los programas de sus conciertos. (Es cierto que en la temporada XNUMX Slobodyanik interpretó públicamente el concierto en si bemol mayor de Mozart, que había aprendido poco antes. Pero esto, en general, no marcó cambios fundamentales en su estrategia de repertorio, no lo convirtió en un pianista “clásico”. ). Probablemente, el punto aquí está en algunas características y propiedades psicológicas que originalmente eran inherentes a su naturaleza artística. Pero también en algunos rasgos característicos de su “aparato pianístico”.

Tiene manos poderosas que pueden aplastar cualquier dificultad de interpretación: técnica de acordes segura y fuerte, octavas espectaculares, etc. En otras palabras, el virtuosismo close-up. El llamado "pequeño equipo" de Slobodyanik parece más modesto. Se siente que a veces le falta sutileza calada en el dibujo, ligereza y gracia, persecución caligráfica en los detalles. Es posible que la naturaleza sea en parte culpable de esto: la estructura misma de las manos de Slobodyanik, su “constitución” pianística. Sin embargo, es posible que él mismo tenga la culpa. O mejor dicho, lo que GG Neuhaus denominó en su momento el incumplimiento de diversos tipos de “deberes” educativos: algunas carencias y omisiones desde la época de la primera juventud. Nunca ha ido sin consecuencias para nadie.

Slobodyanik ha visto mucho en los años que estuvo en el escenario. Ante muchos problemas, pensó en ellos. Le preocupa que entre el público en general, según él cree, haya un cierto declive en el interés por la vida concertística. “Me parece que nuestros oyentes experimentan una cierta decepción por las veladas filarmónicas. No todos los oyentes, pero, en cualquier caso, una parte considerable. ¿O tal vez solo el género de los conciertos en sí mismo está "cansado"? Yo tampoco lo descarto”.

No deja de pensar en lo que hoy puede atraer al público a la Sala Filarmónica. ¿Intérprete de clase alta? Indudablemente. Pero hay otras circunstancias, cree Slobodyanik, que no interfieren con la toma en cuenta. Por ejemplo. En nuestro tiempo dinámico, los programas largos y de larga duración se perciben con dificultad. Érase una vez, hace 50-60 años, los concertistas daban veladas en tres secciones; ahora parecería un anacronismo: lo más probable es que los oyentes simplemente se vayan de la tercera parte... Slobodyanik está convencido de que los programas de conciertos en estos días deberían ser más compactos. ¡Sin largos! En la segunda mitad de los años ochenta, tuvo clavirabends sin intermedios, en una parte. “Para el público actual, escuchar música de diez a una hora y quince minutos es más que suficiente. El intermedio, en mi opinión, no siempre es necesario. A veces solo humedece, distrae…”

También piensa en algunos otros aspectos de este problema. El hecho de que ha llegado el momento, aparentemente, de hacer algunos cambios en la forma, la estructura y la organización de los conciertos. Es muy fructífero, según Alexander Alexandrovich, introducir números de conjuntos de cámara en programas solistas tradicionales, como componentes. Por ejemplo, los pianistas deben unirse con violinistas, violonchelistas, vocalistas, etc. En principio, esto anima las veladas filarmónicas, las hace más contrastantes en forma, más diversas en contenido y, por lo tanto, atractivas para los oyentes. Quizá por eso la creación musical en conjunto le ha atraído cada vez más en los últimos años. (Un fenómeno, por cierto, generalmente característico de muchos artistas en el momento de la madurez creativa.) En 1984 y 1988, actuó a menudo junto con Liana Isakadze; interpretaron obras para violín y piano de Beethoven, Ravel, Stravinsky, Schnittke…

Cada artista tiene actuaciones que son más o menos ordinarias, como se dice, pasajeras, y hay conciertos-eventos, cuyo recuerdo se conserva durante mucho tiempo. si hablar de tal Entre las actuaciones de Slobodyanik en la segunda mitad de los años ochenta, no se puede dejar de mencionar su interpretación conjunta del Concierto para violín, piano y orquesta de cuerdas de Mendelssohn (1986, acompañado por la Orquesta de Cámara del Estado de la URSS), el Concierto para violín, piano y cuerdas de Chausson Cuarteto (1985) con V. Tretyakov año, junto con V. Tretyakov y el Cuarteto Borodin), Concierto para piano de Schnittke (1986 y 1988, acompañado por la Orquesta de Cámara del Estado).

Y me gustaría mencionar un lado más de su actividad. A lo largo de los años, toca cada vez más y de buena gana en instituciones educativas musicales: escuelas de música, escuelas de música, conservatorios. “Allí, por lo menos sabes que te van a escuchar realmente atentamente, con interés, con conocimiento del asunto. Y entenderán lo que tú, como intérprete, querías decir. Creo que esto es lo más importante para un artista: Sera entendido. Deja que algunos comentarios críticos vengan más tarde. Incluso si no te gusta algo. Pero todo lo que salga con éxito, que lo logres, tampoco pasará desapercibido.

Lo peor para un concertista es la indiferencia. Y en las instituciones educativas especiales, por regla general, no hay personas indiferentes e indiferentes.

En mi opinión, tocar en escuelas de música y escuelas de música es algo más difícil y responsable que tocar en muchas salas filarmónicas. Y personalmente me gusta. Además, aquí se valora al artista, lo tratan con respeto, no lo obligan a vivir esos momentos humillantes que a veces le tocan en suerte en las relaciones con la administración de la sociedad filarmónica.

Como todo artista, Slobodyanik ganó algo a lo largo de los años, pero al mismo tiempo perdió algo más. Sin embargo, su feliz habilidad de "encenderse espontáneamente" durante las actuaciones aún se conservaba. Recuerdo una vez que hablamos con él sobre varios temas; hablamos de momentos sombríos y vicisitudes de la vida de un artista invitado; Le pregunté: ¿es posible, en principio, tocar bien, si todo lo que rodea al artista lo empuja a tocar, mal: tanto la sala (si se puede llamar salas a aquellas salas que son absolutamente inadecuadas para conciertos, en las que a veces tienes tocar), y la audiencia (si las reuniones aleatorias y extremadamente pocas de personas pueden tomarse como una verdadera audiencia filarmónica), y un instrumento roto, etc., etc. “¿Sabes”, respondió Alexander Alexandrovich, “incluso en estos , por así decirlo, las “condiciones antihigiénicas” funcionan bastante bien. Sí, sí, puedes, créeme. Pero, si tan solo poder disfrutar de la música. Deje que esta pasión no llegue de inmediato, dedique 20-30 minutos a adaptarse a la situación. Pero luego, cuando la música realmente te atrapa, cuando encenderse, – todo a su alrededor se vuelve indiferente, sin importancia. Y entonces se puede jugar muy bien..."

Bueno, esta es la propiedad de un verdadero artista: sumergirse tanto en la música que deja de notar absolutamente todo lo que lo rodea. Y Slobodianik, como decían, no perdió esta habilidad.

Seguramente, en el futuro, le esperan nuevas alegrías y alegrías de encontrarse con el público, habrá aplausos y otros atributos de éxito que él conoce bien. Solo que es poco probable que esto sea lo principal para él hoy. Marina Tsvetaeva expresó una vez una idea muy correcta de que cuando un artista ingresa a la segunda mitad de su vida creativa, ya se vuelve importante para él. no el éxito, sino el tiempo...

G. Tsipin, 1990