Alexei Borisovich Lyubimov (Alexei Lubimov) |

Alexéi Lubimov

Aleksey Lyubimov no es una figura ordinaria en el ambiente musical y escénico de Moscú. Comenzó su carrera como pianista, pero hoy en día no hay menos razones para llamarlo clavecinista (o incluso organista). Ganó fama como solista; ahora es casi un músico de conjunto profesional. Por regla general, no toca lo que tocan los demás -por ejemplo, hasta mediados de los ochenta prácticamente nunca interpretó las obras de Liszt, tocó a Chopin solo dos o tres veces-, pero pone en sus programas que nadie más que él toca. .

Alexei Borisovich Lyubimov nació en Moscú. Dio la casualidad de que entre los vecinos de la familia Lyubimov en casa había una maestra conocida: la pianista Anna Danilovna Artobolevskaya. Ella llamó la atención sobre el niño, comprobó sus habilidades. Y luego terminó en la Escuela Central de Música, entre los estudiantes de AD Artobolevskaya, bajo cuya supervisión estudió durante más de diez años, desde el primer grado hasta el undécimo.

“Todavía recuerdo las lecciones con Alyosha Lyubimov con un sentimiento de alegría”, dijo AD Artobolevskaya. – Recuerdo cuando llegó por primera vez a mi clase, era conmovedoramente ingenuo, ingenioso, directo. Como la mayoría de los niños superdotados, se distinguía por una reacción viva y rápida a las impresiones musicales. Con gusto aprendió varias piezas que le pedían, trató de componer algo él mismo.

Alrededor de los 13-14 años, comenzó a notarse una fractura interna en Alyosha. Se despertó en él un anhelo intensificado por lo nuevo, que nunca lo abandonó más tarde. Se enamoró apasionadamente de Prokofiev, comenzó a mirar más de cerca la modernidad musical. Estoy convencido de que Maria Veniaminovna Yudina tuvo una gran influencia sobre él en esto.

MV Yudina Lyubimov es algo así como un "nieto" pedagógico: su maestra, AD Artobolevskaya, tomó lecciones de una destacada pianista soviética en su juventud. Pero lo más probable es que Yudina notó a Alyosha Lyubimov y lo destacó entre otros no solo por esta razón. Él la impresionó con el almacén mismo de su naturaleza creativa; a su vez, vio en ella, en sus actividades, algo cercano y afín a él. "Los conciertos de Maria Veniaminovna, así como la comunicación personal con ella, fueron un gran impulso musical para mí en mi juventud", dice Lyubimov. Siguiendo el ejemplo de Yudina, aprendió una alta integridad artística, intransigente en asuntos creativos. Probablemente, en parte por ella y su gusto por las innovaciones musicales, la osadía a la hora de abordar las creaciones más atrevidas del pensamiento compositor moderno (de esto hablaremos más adelante). Finalmente, de Yudina y algo en la forma de jugar Lyubimov. No solo vio a la artista en el escenario, sino que también se reunió con ella en la casa de AD Artobolevskaya; conocía muy bien el pianismo de Maria Veniaminovna.

En el Conservatorio de Moscú, Lyubimov estudió durante algún tiempo con GG Neuhaus y, después de su muerte, con LN Naumov. A decir verdad, él, como individualidad artística -y Lyubimov llegó a la universidad como una individualidad ya establecida- no tenía mucho en común con la escuela romántica de Neuhaus. Sin embargo, cree que aprendió mucho de sus maestros conservadores. Esto sucede en el arte, y muchas veces: enriquecimiento a través de contactos con lo opuesto creativamente…

En 1961, Lyubimov participó en la competencia de toda Rusia de músicos intérpretes y ganó el primer lugar. Su próxima victoria – en Río de Janeiro en el concurso internacional de instrumentistas (1965), – el primer premio. Entonces – Montreal, concurso de piano (1968), cuarto premio. Curiosamente, tanto en Río de Janeiro como en Montreal, recibe premios especiales a la mejor interpretación de música contemporánea; su perfil artístico por esta época emerge en toda su especificidad.

Después de graduarse del conservatorio (1968), Lyubimov permaneció durante algún tiempo dentro de sus paredes, aceptando el puesto de profesor del conjunto de cámara. Pero en 1975 deja este trabajo. “Me di cuenta de que necesito concentrarme en una cosa…”

Sin embargo, es ahora que su vida se está desarrollando de tal manera que está “disperso”, y de manera bastante intencionada. Sus contactos creativos regulares se establecen con un gran grupo de artistas: O. Kagan, N. Gutman, T. Grindenko, P. Davydova, V. Ivanova, L. Mikhailov, M. Tolpygo, M. Pechersky … Se organizan conciertos conjuntos. en los pasillos de Moscú y otras ciudades del país, se anuncian una serie de veladas temáticas interesantes, siempre de alguna manera originales. Se crean conjuntos de diversa composición; Lyubimov a menudo actúa como su líder o, como a veces dicen los carteles, "coordinador de música". Sus conquistas de repertorio se realizan cada vez con mayor intensidad: por un lado, se adentra constantemente en las entrañas de la música antigua, dominando los valores artísticos creados mucho antes que JS Bach; por otro lado, afirma su autoridad como conocedor y especialista en el campo de la modernidad musical, versado en sus más diversas vertientes, hasta la música rock y los experimentos electrónicos, inclusive. También hay que decir sobre la pasión de Lyubimov por los instrumentos antiguos, que ha ido creciendo a lo largo de los años. ¿Tiene toda esta aparente diversidad de tipos y formas de trabajo una lógica interna propia? Indudablemente. Hay tanto totalidad como organicidad. Para comprender esto, uno debe, al menos en términos generales, familiarizarse con las opiniones de Lyubimov sobre el arte de la interpretación. En algunos puntos difieren de los generalmente aceptados.

No está demasiado fascinado (no lo oculta) actuando como una esfera autónoma de actividad creativa. Aquí ocupa, sin duda, un puesto especial entre sus compañeros. Parece casi original hoy, cuando, en palabras de GN Rozhdestvensky, "el público acude a un concierto sinfónico para escuchar al director y al teatro, para escuchar al cantante o mirar a la bailarina". (Rozhdestvensky GN Pensamientos sobre la música. – M., 1975. P. 34.). Lyubimov enfatiza que está interesado en la música en sí misma, como entidad artística, fenómeno, fenómeno, y no en un rango específico de cuestiones relacionadas con la posibilidad de sus diversas interpretaciones escénicas. No es importante para él si debe subir al escenario como solista o no. Es importante estar “dentro de la música”, como dijo una vez en una conversación. De ahí su atracción por la creación musical conjunta, por el género de conjunto de cámara.

Pero eso no es todo. Hay otro. Hay demasiadas plantillas en el escenario del concierto de hoy, señala Lyubimov. “Para mí, no hay nada peor que un sello…” Esto se nota especialmente cuando se aplica a autores que representan las tendencias más populares en el arte de la música, que escribieron, digamos, en el siglo XVI o principios del XX. ¿Qué atrae a los contemporáneos de Lyubimov: Shostakovich o Boulez, Cage o Stockhausen, Schnittke o Denisov? El hecho de que en relación a su obra aún no existen estereotipos interpretativos. “La situación de la interpretación musical se desarrolla aquí de forma inesperada para el oyente, se desarrolla de acuerdo con leyes que son impredecibles de antemano…”, dice Lyubimov. Lo mismo, en general, en la música de la época anterior a Bach. ¿Por qué suele encontrar en sus programas ejemplos artísticos de los siglos XVIII-XNUMX? Porque sus tradiciones interpretativas se han perdido hace mucho tiempo. Porque requieren nuevos enfoques interpretativos. Nuevo – Para Lyubimov, esto es fundamentalmente importante.

Finalmente, hay otro factor que determina la dirección de su actividad. Está convencido de que la música debe interpretarse con los instrumentos para los que fue creada. Algunas obras son para piano, otras para clavicémbalo o virginales. Hoy se da por sentado tocar las piezas de los viejos maestros en un piano de diseño moderno. Lyubimov está en contra de esto; esto distorsiona la apariencia artística tanto de la música en sí como de quienes la escribieron, argumenta. Permanecen sin revelar, muchas sutilezas —estilísticas, timbre-coloristas— que son inherentes a las reliquias poéticas del pasado, se reducen a nada. Tocar, en su opinión, debería ser con instrumentos antiguos genuinos o copias hábilmente hechas de ellos. Interpreta Rameau y Couperin al clavicémbalo, Bull, Byrd, Gibbons, Farneby al virginal, Haydn y Mozart al piano martillo (hammerklavier), música de órgano de Bach, Kunau, Frescobaldi y sus contemporáneos al órgano. Si es necesario, puede recurrir a muchas otras herramientas, como sucedió en su práctica, y más de una vez. Está claro que a la larga esto lo aleja del piano como profesión interpretativa local.

De lo que se ha dicho, no es difícil concluir que Lyubimov es un artista con sus propias ideas, puntos de vista y principios. Algo peculiar, a veces paradójico, alejándolo de los caminos habituales y trillados de las artes escénicas. (No es coincidencia, repetimos una vez más, que en su juventud estuvo cerca de Maria Veniaminovna Yudina, no es coincidencia que ella lo haya marcado con su atención). Todo esto en sí mismo exige respeto.

Aunque no muestra una inclinación particular por el papel de solista, todavía tiene que realizar números de solista. No importa cuán ansioso esté por sumergirse completamente “dentro de la música”, por esconderse, su apariencia artística, cuando está en el escenario, brilla a través de la actuación con toda claridad.

Está contenido detrás del instrumento, interiormente recogido, disciplinado en los sentimientos. Tal vez un poco cerrado. (A veces uno tiene que oír hablar de él – “naturaleza cerrada”.) Ajeno a cualquier impulsividad en declaraciones escénicas; la esfera de sus emociones está organizada tan estrictamente como es razonable. Detrás de todo lo que hace, hay un concepto musical bien pensado. Aparentemente, gran parte de este complejo artístico proviene de las cualidades naturales y personales de Lyubimov. Pero no solo de ellos. En su juego, claro, cuidadosamente calibrado, racional en el más alto sentido de la palabra, también se puede ver un principio estético muy definido.

La música, como saben, a veces se compara con la arquitectura, los músicos con los arquitectos. Lyubimov en su método creativo es realmente similar a este último. Mientras toca, parece construir composiciones musicales. Como erigiendo estructuras sonoras en el espacio y el tiempo. La crítica señaló en su momento que el “elemento constructivo” domina en sus interpretaciones; así fue y sigue siendo. En todo el pianista tiene proporcionalidad, cálculo arquitectónico, estricta proporcionalidad. Si estamos de acuerdo con B. Walter en que “la base de todo arte es el orden”, uno no puede dejar de admitir que los cimientos del arte de Lyubimov son esperanzadores y fuertes…

Por lo general, los artistas de su almacén enfatizaron objetivo en su acercamiento a la música interpretada. Lyubimov ha negado durante mucho tiempo y fundamentalmente realizar el individualismo y la anarquía. (En general, cree que el método escénico, basado en una interpretación puramente individual de las obras maestras interpretadas por un concertista, será cosa del pasado, y la discutibilidad de este juicio no le molesta en lo más mínimo). Para él, el autor es el principio y el final de todo el proceso interpretativo, de todos los problemas que surgen en este sentido. . Un toque interesante. A. Schnittke, que una vez escribió una reseña de la interpretación de un pianista (las composiciones de Mozart estaban en el programa), “se sorprendió al descubrir que ella (reseña.— Sr. C.) no tanto sobre el concierto de Lyubimov como sobre la música de Mozart” (Schnittke A. Notas subjetivas sobre la interpretación objetiva // Sov. Music. 1974. No. 2. P. 65.). A. Schnittke llegó a una conclusión razonable de que “no se

tal actuación, los oyentes no tendrían tantos pensamientos sobre esta música. Quizás la mayor virtud de un intérprete es afirmar la música que toca, y no a sí mismo. (Ibídem.). Todo lo anterior describe claramente el papel y la importancia factor intelectual en las actividades de Lyubimov. Pertenece a la categoría de músicos que se destacan principalmente por su pensamiento artístico: preciso, amplio, poco convencional. Tal es su individualidad (incluso si él mismo está en contra de sus manifestaciones demasiado categóricas); además, quizás su lado más fuerte. E. Ansermet, un destacado compositor y director de orquesta suizo, quizás no estaba muy lejos de la verdad cuando afirmó que “existe un paralelismo incondicional entre la música y las matemáticas” (Anserme E. Conversaciones sobre música. – L., 1976. S. 21.). En la práctica creativa de algunos artistas, ya sea que escriban música o la interpreten, esto es bastante obvio. En particular, Lyubimov.

Por supuesto, no en todas partes su manera es igualmente convincente. No todos los críticos están satisfechos, por ejemplo, con su interpretación de Schubert: improvisación, valses, danzas alemanas. Tenemos que escuchar que este compositor en Lyubimov a veces es algo emocional, que le falta sencillez de corazón, afecto sincero, calidez aquí... Tal vez sea así. Pero, en términos generales, Lyubimov suele ser preciso en sus aspiraciones de repertorio, en la selección y compilación de programas. El sabe bien donde su posesiones de repertorio, y donde no se puede descartar la posibilidad de fracaso. Aquellos autores a los que se refiere, ya sean nuestros contemporáneos o viejos maestros, por lo general no entran en conflicto con su estilo interpretativo.

Y algunos toques más al retrato del pianista, para un mejor dibujo de sus contornos y rasgos individuales. Lyubimov es dinámico; por regla general, le conviene dirigir discursos musicales a ritmos dinámicos y enérgicos. Tiene un golpe de dedo fuerte y definido: excelente "articulación", para usar una expresión que generalmente se usa para denotar cualidades tan importantes para los artistas como una dicción clara y una pronunciación inteligible en el escenario. Es el más fuerte de todos, quizás, en la programación musical. Algo menos: en la grabación de sonido de acuarela. “Lo más impresionante de su forma de tocar es el tocato electrificado” (Ordzhonikidze G. Encuentros de primavera con música//Sov. Music. 1966. No. 9. P. 109.), escribió uno de los críticos musicales a mediados de los años sesenta. En gran medida, esto es cierto hoy en día.

En la segunda mitad de la década de XNUMX, Lyubimov dio otra sorpresa a los oyentes que parecían estar acostumbrados a todo tipo de sorpresas en sus programas.

Anteriormente se dijo que generalmente no acepta lo que la mayoría de los músicos de concierto atraen, prefiriendo áreas de repertorio poco estudiadas, si no completamente inexploradas. Se dijo que durante mucho tiempo prácticamente no tocó las obras de Chopin y Liszt. Entonces, de repente, todo cambió. Lyubimov comenzó a dedicar clavirabendas casi enteras a la música de estos compositores. En 1987, por ejemplo, interpretó en Moscú y algunas otras ciudades del país tres Sonetos de Petrarca, el Vals olvidado n.º 1 y el estudio en fa menor (concierto) de Liszt, así como Barcarola, baladas, nocturnos y mazurcas de Chopin. ; el mismo curso se continuó en la temporada siguiente. Algunas personas tomaron esto como una excentricidad más por parte del pianista: nunca se sabe cuántos de ellos, dicen, están en su cuenta … Sin embargo, para Lyubimov en este caso (como, de hecho, siempre) había una justificación interna en lo que hizo: “He estado distante de esta música durante mucho tiempo, que no veo absolutamente nada sorprendente en mi repentina atracción por ella. Quiero decir con toda certeza: recurrir a Chopin y Liszt no fue una especie de decisión "de cabeza" especulativa de mi parte; durante mucho tiempo, dicen, no he interpretado a estos autores, debería haber interpretado ... No , no, simplemente me atrajeron. Todo venía de algún lugar interior, en términos puramente emocionales.

Chopin, por ejemplo, se ha convertido para mí en un compositor casi olvidado. Puedo decir que lo descubrí por mí mismo, como a veces se descubren obras maestras del pasado olvidadas inmerecidamente. Quizás es por eso que desperté un sentimiento tan vivo y fuerte por él. Y lo más importante, sentí que no tenía clichés interpretativos endurecidos en relación con la música de Chopin; por lo tanto, puedo tocarla.

Lo mismo sucedió con Liszt. Especialmente cercano a mí hoy está el difunto Liszt, con su naturaleza filosófica, su mundo espiritual complejo y sublime, el misticismo. Y, por supuesto, con su original y refinado colorido sonoro. Es con gran placer que ahora toco Grey Clouds, Bagatelles without Key y otras obras de Liszt del último período de su obra.

Quizá mi apelación a Chopin y Liszt tuviera ese trasfondo. Durante mucho tiempo he notado, interpretando las obras de los autores del siglo XIX, que muchas de ellas tienen un reflejo claramente distinguible del romanticismo. En cualquier caso, veo claramente este reflejo –por paradójico que parezca a primera vista– en la música de Silvestrov, Schnittke, Ligeti, Berio… Al final, llegué a la conclusión de que el arte moderno le debe mucho más al romanticismo que antes. creía. Cuando estaba imbuido de este pensamiento, me atraía, por así decirlo, a las fuentes primarias, a la era de la que tanto pasó, recibió su desarrollo posterior.

Por cierto, hoy me atraen no solo las luminarias del romanticismo: Chopin, Liszt, Brahms... También soy de gran interés para sus contemporáneos más jóvenes, compositores del primer tercio del siglo XIX, que trabajaron a finales de los dos eras: clasicismo y romanticismo, conectándolos entre sí. Pienso ahora en autores como Muzio Clementi, Johann Hummel, Jan Dussek. También hay mucho en sus composiciones que ayuda a comprender las formas adicionales de desarrollo de la cultura musical mundial. Lo más importante es que hay muchas personas brillantes y talentosas que no han perdido su valor artístico incluso hoy”.

En 1987, Lyubimov interpretó el Concierto sinfónico para dos pianos con la orquesta de Dussek (la parte del segundo piano fue interpretada por V. Sakharov, acompañado por la orquesta dirigida por G. Rozhdestvensky), y esta obra, como esperaba, despertó un gran interés. entre la audiencia.

Y se debe señalar y explicar un pasatiempo más de Lyubimov. Nada menos, si no más inesperado, que su fascinación por el romanticismo de Europa occidental. Este es un viejo romance, que la cantante Viktoria Ivanovna "descubrió" para él recientemente. “En realidad, la esencia no está en el romance como tal. Generalmente me atrae la música que sonaba en los salones aristocráticos de mediados del siglo pasado. Después de todo, sirvió como un excelente medio de comunicación espiritual entre las personas, hizo posible transmitir las experiencias más profundas e íntimas. En muchos sentidos, es lo opuesto a la música que se interpretó en un gran escenario de concierto: pomposa, ruidosa, brillante con atuendos de sonido lujosos y deslumbrantemente brillantes. Pero en el arte de salón, si es realmente arte elevado y real, puedes sentir matices emocionales muy sutiles que lo caracterizan. Por eso es precioso para mí”.

Al mismo tiempo, Lyubimov no deja de tocar música que estuvo cerca de él en años anteriores. Apego a la antigüedad lejana, no cambia y no va a cambiar. En 1986, por ejemplo, lanzó la serie de conciertos La edad de oro del clavecín, prevista para varios años más adelante. Como parte de este ciclo, interpretó la Suite en re menor de L. Marchand, la suite “Celebraciones del gran y antiguo Menestrand” de F. Couperin, además de otras obras teatrales de este autor. De indudable interés para el público fue el programa “Fiestas galantes en Versalles”, donde Lyubimov incluyó miniaturas instrumentales de F. Dandrieu, LK Daken, JB de Boismortier, J. Dufly y otros compositores franceses. También debemos mencionar las actuaciones conjuntas en curso de Lyubimov con T. Grindenko (composiciones para violín de A. Corelli, FM Veracini, JJ Mondonville), O. Khudyakov (suites para flauta y bajo digital de A. Dornell y M. de la Barra); no se puede dejar de recordar, finalmente, las veladas musicales dedicadas a FE Bach…

Sin embargo, la esencia del asunto no está en la cantidad encontrada en los archivos y reproducida en público. Lo principal es que Lyubimov se muestra hoy, como antes, como un "restaurador" hábil y conocedor de la antigüedad musical, devolviéndolo hábilmente a su forma original: la elegante belleza de sus formas, la gallardía de la decoración del sonido, la sutileza especial y delicadeza de declaraciones musicales.

… En los últimos años, Lyubimov ha realizado varios viajes interesantes al extranjero. Debo decir que antes, antes de ellos, durante bastante tiempo (alrededor de 6 años) no viajó fuera del país en absoluto. Y sólo porque, desde el punto de vista de algunos funcionarios que dirigieron la cultura musical a finales de los setenta y principios de los ochenta, interpretó “no aquellas” obras que deberían haberse interpretado. Su predilección por los compositores contemporáneos, por las llamadas “vanguardias” –Schnittke, Gubaidulina, Sylvestrov, Cage y otros– no lo hacía, por decirlo suavemente, simpatizar “en la cima”. La domesticidad forzada al principio molestó a Lyubimov. ¿Y quién de los concertistas no se molestaría en su lugar? Sin embargo, los sentimientos se calmaron más tarde. “Me di cuenta de que hay algunos aspectos positivos en esta situación. Era posible concentrarme por completo en el trabajo, en aprender cosas nuevas, porque ninguna ausencia lejana y prolongada de casa me distraía. Y, de hecho, durante los años que fui un artista de "viaje restringido", logré aprender muchos programas nuevos. Así que no hay mal sin bien.

Ahora, como dijeron, Lyubimov ha reanudado su vida normal de gira. Recientemente, junto a la orquesta dirigida por L. Isakadze, interpretó el Concierto de Mozart en Finlandia, dio varias clavirabendas solistas en la RDA, Holanda, Bélgica, Austria, etc.

Como todo verdadero gran maestro, Lyubimov tiene EL DESARROLLADOR público. En gran medida, se trata de gente joven: el público está inquieto, ávido de un cambio de impresiones y diversas innovaciones artísticas. Gana simpatía tal público, disfrutar de su atención constante durante varios años no es una tarea fácil. Lyubimov pudo hacerlo. ¿Sigue siendo necesaria la confirmación de que su arte realmente conlleva algo importante y necesario para las personas?

G. Tsipin, 1990