Andrei Yakovlevich Eshpay |

Andrey Eshpay

Una sola armonía – un mundo cambiante… La voz de cada nación debe sonar en la polifonía del planeta, y esto es posible si un artista –escritor, pintor, compositor– expresa sus pensamientos y sentimientos en su lenguaje figurativo nativo. Cuanto más nacional es un artista, más individual es. A. Eshpay

En muchos sentidos, la propia biografía del artista predeterminó un toque reverente al original en el arte. El padre del compositor, Y. Eshpay, uno de los fundadores de la música profesional de Mari, inculcó en su hijo el amor por el arte popular con su trabajo desinteresado. Según A. Eshpay, “Mi padre era importante, profundo, inteligente y discreto, muy modesto: un verdadero músico capaz de abnegarse. Gran conocedor del folclore, pareció hacerse a un lado como autor, viendo su deber en transmitir a la gente la belleza y la grandeza del pensamiento popular. Se dio cuenta de que era imposible encajar la escala pentatónica de Mari… a cualquier otro sistema armonioso e independiente, pero ajeno al arte popular. Siempre puedo reconocer el original del trabajo de mi padre”.

A. Eshpay desde la infancia absorbió el folclore de diferentes pueblos de la región del Volga, todo el sistema lírico-épico de la dura región de Ugric. La guerra se convirtió en un tema trágico especial en la vida y obra del compositor: perdió a su hermano mayor, cuya memoria está dedicada a la hermosa canción "Moscovites" ("Earring with Malaya Bronna"), amigos. En el pelotón de reconocimiento, Eshpay participó en la liberación de Varsovia, en la operación de Berlín. Las lecciones de música interrumpidas por la guerra se reanudaron en el Conservatorio de Moscú, donde Eshpay estudió composición con N. Rakov, N. Myaskovsky, E. Golubev y piano con V. Sofronitsky. Completó sus estudios de posgrado bajo la dirección de A. Khachaturian en 1956.

En este momento, se crearon Danzas sinfónicas sobre temas de Mari (1951), Melodías húngaras para violín y orquesta (1952), Primer concierto para piano (1954, 2ª edición - 1987), Primer concierto para violín (1956). Estas obras dieron gran fama al compositor, abrieron los temas principales de su obra, refractaron creativamente los preceptos de sus maestros. Es característico que Khachaturian, quien le inculcó, según el compositor, un “gusto por la escala”, influyó en gran medida en las ideas de Eshpai sobre el género de concierto.

Especialmente indicativo es el Primer Concierto para violín con su explosividad temperamental, frescura, inmediatez en la expresión de sentimientos, apelación abierta al vocabulario popular y de género. Eshpay también está cerca de Khachaturian con su amor por el estilo de M. Ravel, que fue especialmente pronunciado en su obra para piano (Primer concierto para piano, Primera sonatina para piano, 1948). Armonía, frescura, contagio emocional y generosidad colorista también unen a estos maestros.

El tema de Myaskovsky es una parte especial en el trabajo de Eshpay. Las posiciones éticas, la imagen misma de un destacado músico soviético, un verdadero guardián y reformador de la tradición, resultaron ser un ideal para su seguidor. El compositor se mantiene fiel al precepto de Myaskovsky: “ser sincero, apasionado por el arte y liderar la propia línea”. Las obras conmemorativas en memoria de Myaskovsky están asociadas con el nombre del maestro: Organ Passacaglia (1950), Variaciones para orquesta sobre un tema de la Decimosexta Sinfonía de Myaskovsky (1966), Segundo Concierto para violín (1977), Concierto para viola (1987-88), en el que se utilizó el material del órgano Passacaglia. La influencia de Myaskovsky en la actitud de Eshpay hacia el folclore fue muy significativa: siguiendo a su maestro, el compositor llegó a una interpretación simbólica de las canciones populares, a la convergencia de diferentes capas tradicionales en la cultura. El nombre de Myaskovsky también está asociado con una apelación a otra tradición más importante para Eshpay, que se repite en muchas composiciones, comenzando con el ballet "Círculo" ("¡Recuerda!" - 1979), - Znamenny cantando. En primer lugar, en la Cuarta (1980), Quinta (1986), Sexta (Sinfonía “Litúrgica” (1988), Concierto coral (1988) personifica, en primer lugar, el principio ethos armonioso, ilustrado, las propiedades originales de autoconciencia nacional, los principios fundamentales de la cultura rusa.El significado especial adquiere otro tema importante en el trabajo de Eshpay: lírico.Arraigado en lo tradicional, nunca se convierte en arbitrariedad individualista, sus cualidades inalienables se enfatizan en la moderación y el rigor, la objetividad en la expresión y a menudo una conexión directa con entonaciones cívicas.

La solución del tema bélico, los géneros del memorial, la apelación a acontecimientos trascendentales -ya sea bélicos, fechas históricas memorables- es peculiar, y las letras siempre están presentes en su comprensión. Obras como la Primera (1959), Segunda (1962) sinfonías, imbuidas de luz (el epígrafe de la Primera - las palabras de V. Mayakovsky "Debemos arrebatar la alegría de los próximos días", el epígrafe de la Segunda - "Alabado sea a la luz”), la cantata “Lenin with us” (1968), que destaca por su pegajosidad de cartel, brillo retórico en la expresión y al mismo tiempo finísimo paisaje lírico, sentó las bases de una original fusión estilística de oratoria y lírica, objetiva y personal, significativa para las principales obras del compositor. La unidad de "llanto y gloria, piedad y alabanza" (D. Likhachev), tan significativa para la antigua cultura rusa, continúa en diferentes géneros. Destacan especialmente la Tercera Sinfonía (En memoria de mi padre, 1964), el Segundo Concierto para violín y viola, una especie de gran ciclo: las Sinfonías Cuarta, Quinta y Sexta, el Concierto coral. Con el paso de los años, el sentido del tema lírico adquiere tintes simbólicos y filosóficos, cada vez más depuración de todo lo externo, subjetivo-superficial, el memorial se viste en forma de parábola. Es significativo cambiar el tema lírico del cuento de hadas-folklore y la narración romántico-heroica en el ballet Angara (1975) a la imaginería generalizada del ballet de advertencia Circle (¡Recuerda!). El significado universal de las obras-dedicatorias imbuidas de un significado trágico, a veces lúgubre, se hace cada vez más evidente. La percepción intensificada de la naturaleza conflictiva del mundo moderno y la sensibilidad de la reacción artística a esta cualidad son consistentes con la responsabilidad del compositor hacia el patrimonio y la cultura. La quintaesencia de la imaginería es “Songs of the Mountain and Meadow Mari” (1983). Esta composición, junto con el Concierto para oboe y orquesta (1982), fue galardonada con el Premio Lenin.

La entonación objetivo-lírica y el sonido “coral” tiñen la interpretación del género de concierto, que encarna el principio individual. Expresado en varias formas: un memorial, una acción meditativa, en la recreación del folclore, en una apelación a un modelo repensado de un antiguo concerto grosso, este tema es defendido constantemente por el compositor. Al mismo tiempo, en el género de concierto, como en otras composiciones, el compositor desarrolla motivos lúdicos, festivos, teatrales, ligeros de color y la energía valiente del ritmo. Esto es especialmente notable en el Concierto para orquesta (1966), Segundo piano (1972), Conciertos para oboe (1982), y el Concierto para saxofón (1985-86) puede llamarse un "retrato de improvisación". “Una armonía, un mundo cambiante”: estas palabras del ballet “Círculo” podrían servir como epígrafe del trabajo del maestro. El traspaso de lo armonioso, festivo en un mundo conflictivo y complicado es propio del compositor.

Simultáneamente con la encarnación del tema de las tradiciones, Eshpay invariablemente se vuelve hacia lo nuevo y lo desconocido. La combinación orgánica de lo tradicional y lo innovador es inherente tanto a las opiniones sobre el proceso de composición como a la propia obra del compositor. La amplitud y la libertad en la comprensión de las tareas creativas se reflejan en el enfoque mismo del material de género. Es sabido que el tema y el vocabulario del jazz ocupan un lugar especial en la obra del compositor. El jazz para él es de alguna manera el custodio de la música misma, así como del folclore. El compositor prestó mucha atención a la canción de masas y sus problemas, la música ligera, el arte cinematográfico, que es importante en términos de potencial dramático y expresivo, una fuente de ideas independientes. El mundo de la música y la realidad viva aparecen en una relación orgánica: según el compositor, “el maravilloso mundo de la música no está cerrado, no está aislado, sino que es solo una parte del universo, cuyo nombre es vida”.

M. Lobanova