Concierto |
Konzert alemán, del italiano. concierto – concierto, lit. – competición (votos), del lat. concierto – competir
Una obra para muchos intérpretes, en la que una pequeña parte de los instrumentos o voces participantes se oponen a la mayoría oa todo el conjunto, destacándose por la temática. alivio de la música. sonido material, colorido, utilizando todas las posibilidades de instrumentos o voces. Desde finales del siglo XVIII los más comunes son los conciertos para un solo instrumento con orquesta; los conciertos para varios instrumentos con orquesta son menos comunes: "doble", "triple", "cuádruple" (en alemán: Doppelkonzert, Triepelkonzert, Quadrupelkonzert). Las variedades especiales son k. para un instrumento (sin orquesta), k. para orquesta (sin partes solistas estrictamente definidas), k. para voz (voces) con orquesta, k. para coro a cappella. En el pasado, la música vocal-polifónica estaba ampliamente representada. K. y concierto grosso. Los requisitos previos importantes para el surgimiento de K. fueron el coro múltiple y la comparación de coros, solistas e instrumentos, que fueron ampliamente utilizados por primera vez por representantes de la escuela veneciana, la asignación de wok.-instr. composiciones de partes solistas de voces e instrumentos. La primera k. surgió en Italia a finales de los siglos XVI y XVII. wok iglesia polifónica. música (Concerti ecclesiastici para doble coro A. Banchieri, 18; Motetes para canto a 16-17 voces con bajo digital “Cento concerti ecclesiastici” de L. Viadana, 1595-1). En tales conciertos, varias composiciones, desde grandes, incluso numerosas. wok e instr. fiestas, hasta numerar sólo unos pocos woks. partes y la parte del bajo general. Junto con el nombre de concierto, las composiciones del mismo tipo a menudo llevaban los nombres de motetti, motectae, cantios sacrae y otros. La etapa más alta en el desarrollo del trabajo de la iglesia. K. polifónico. estilo representan surgido en el 4er piso. Cantatas del siglo XVIII de JS Bach, a las que él mismo llamó concerti.
El género K. ha encontrado una amplia aplicación en ruso. música sacra (finales del siglo XVII) – en obras polifónicas para coro a cappella, relacionadas con el campo del canto a partes. La teoría de la "creación" de tales cristales fue desarrollada por NP Diletsky. Rus. Los compositores desarrollaron mucho la técnica polifónica de las campanas de iglesia (obras para 17, 4, 6, 8 o más voces, hasta 12 voces). En la biblioteca del Coro Sinodal de Moscú, había hasta 24 K. de los siglos XVII-XVIII, escritos por V. Titov, F. Redrikov, N. Bavykin y otros. El desarrollo del concierto de la iglesia continuó a fines del siglo XVIII. MS Berezovsky y DS Bortnyansky, en cuyo trabajo prevalece el estilo melódico-ariose.
En el siglo XVII, originalmente en Italia, el principio de "competencia", "competencia" de varias voces solistas ("concierto") penetra instr. música – en la suite y la iglesia. sonata, preparando la aparición del género del cine instrumental (Balletto concertata P. Melli, 17; Sonata concertata D. Castello, 1616). La contraposición (“competencia”) de la orquesta (tutti) y los solistas (solo) o del conjunto de instrumentos solistas y la orquesta (en el concerto grosso) es la base de las que surgieron a finales del siglo XVII. los primeros ejemplos de K. instrumental (Concerti da camera a 1629 con il cembalo G. Bononcini, 17; Concerto da camera a 3 violini e Basso continuo G. Torelli, 1685). Sin embargo, los conciertos de Bononchini y Torelli fueron solo una forma de transición de la sonata a la K., que en realidad se convirtió en el primer piso. XVIII en la obra de A. Vivaldi. K. de esta época era una composición de tres partes con dos partes extremas rápidas y una parte media lenta. Las partes rápidas generalmente se basaban en un tema (rara vez en 2 temas); este tema se tocó en la orquesta sin cambios como un estribillo-ritornello (un allegro monotémico de tipo rondal). Vivaldi creó concerti grossi y conciertos para solista para violín, violonchelo, viola de amor y varios espíritus. instrumentos. La parte del instrumento solista en los conciertos solistas al principio desempeñó principalmente funciones vinculantes, pero a medida que el género evolucionó, adquirió un carácter temático y de concierto cada vez más pronunciado. independencia. El desarrollo de la música se basó en la oposición de tutti y solo, cuyos contrastes fueron enfatizados por la dinámica. medio. Predominó la textura figurativa del suave movimiento de un almacén puramente homofónico o polifónico. Los conciertos de solista, por regla general, tenían el carácter de virtuosismo ornamental. La parte central estaba escrita en estilo ariose (generalmente el aria patética del solista contra el acompañamiento de cuerdas de la orquesta). Este tipo de K. recibido en el 1686er piso. Distribución general del siglo XVIII. También le pertenecen los conciertos para clave creados por JS Bach (algunos de ellos son arreglos de sus propios conciertos para violín y de los conciertos para violín de Vivaldi para 1, 18 y 2 claves). Estas obras de JS Bach, así como K. para clave y orquesta de GF Handel, marcaron el comienzo del desarrollo del piano. concierto. Handel es también el antepasado del órgano k. Como instrumentos solistas, además del violín y el clavicordio, se utilizaban el violonchelo, la viola de amor, el oboe (que muchas veces servía como sustituto del violín), la trompeta, el fagot, la flauta travesera, etc.
En el 2do piso. El siglo XVIII formó un clásico, un tipo de k instrumental solista, claramente cristalizado en los clásicos vieneses.
En K. se estableció la forma de sonata-sinfonía. ciclo, pero en una refracción peculiar. El ciclo de conciertos, por regla general, constaba de solo 3 partes; carecía de la tercera parte de un ciclo completo de cuatro movimientos, es decir, el minueto o (más tarde) scherzo (más tarde, el scherzo a veces se incluye en K. - en lugar de la parte lenta, como, por ejemplo, en el 3.er K. para violín y orquesta de Prokofiev, o como parte de un ciclo completo de cuatro movimientos, como, por ejemplo, en los conciertos para piano y orquesta de A. Litolf, I. Brahms, en el 1.er K. para violín y orquesta Shostakóvich). También se establecieron ciertas características en la construcción de partes individuales de K. En la primera parte, se aplicó el principio de doble exposición: al principio, los temas de las partes principal y secundaria sonaban en la orquesta en la parte principal. claves, y solo después de eso, en la 1ª exposición, se les presentó el papel principal del solista, el tema principal en el mismo principal. tonalidad, y el lado uno – en otro, correspondiente al esquema sonata allegro. La comparación, la competencia entre el solista y la orquesta se daba principalmente en el desarrollo. En comparación con las muestras preclásicas, el principio mismo de la interpretación del concierto ha cambiado significativamente, un corte se ha conectado más estrechamente con la temática. desarrollo. K. proporcionó la improvisación del solista sobre los temas de la composición, los llamados. cadenza, que se ubicaba en la transición al código. En Mozart, la textura de K., siendo predominantemente figurativa, es melódica, transparente, plástica, en Beethoven está llena de tensión de acuerdo con la dramatización general del estilo. Tanto Mozart como Beethoven evitan cualquier cliché en la construcción de sus cuadros, desviándose a menudo del principio de doble exposición descrito anteriormente. Los conciertos de Mozart y Beethoven constituyen las cumbres más altas en el desarrollo de este género.
En la era del romanticismo, hay una desviación de lo clásico. la relación de partes en k. Los románticos crearon una k de una parte. de dos tipos: una forma pequeña – así llamada. una pieza de concierto (más tarde también llamada concertino), y una forma grande, correspondiente en construcción a un poema sinfónico, en una parte traduciendo las características de un ciclo de sonata-sinfonía de cuatro partes. En la clásica K. entonación y temática. las conexiones entre las partes, por regla general, estaban ausentes en el romanticismo. K. monotematismo, conexiones leitmotiv, el principio de "a través del desarrollo" adquirió el significado más importante. Vívidos ejemplos de romanticismo. K. poético de una parte fue creado por F. Liszt. Romántico. Reclamo en 1er piso. El siglo XIX desarrolló un tipo especial de virtuosismo colorido y decorativo, que se convirtió en una característica estilística de toda la tendencia del romanticismo (N. Paganini, F. Liszt y otros).
Después de Beethoven, hubo dos variedades (dos tipos) de K.: "virtuoso" y "sinfonizado". En el virtuoso K. instr. el virtuosismo y la interpretación concertística forman la base del desarrollo de la música; en el 1er plan no es temático. desarrollo, y el principio de contraste entre cantilena y motilidad, decomp. tipos de texturas, timbres, etc. En muchos K. virtuosos temáticos. el desarrollo está completamente ausente (los conciertos para violín de Viotti, los conciertos para violonchelo de Romberg) o ocupa una posición subordinada (1ª parte del 1er concierto para violín y orquesta de Paganini). En el K. sinfonizado, el desarrollo de la música se basa en la sinfonía. dramaturgia, principios temáticos. desarrollo, en la oposición figurativo-temático. esferas La introducción de la dramaturgia de símbolos en K. se debió a su convergencia con la sinfonía en el sentido figurativo, artístico e ideológico (conciertos de I. Brahms). Ambos tipos de K. difieren en dramaturgia. funciones principales componentes: virtuoso K. se caracteriza por la hegemonía completa del solista y el papel subordinado (acompañante) de la orquesta; para K. sinfonizada – dramaturgia. la actividad de la orquesta (el desarrollo del material temático se lleva a cabo conjuntamente por el solista y la orquesta), lo que lleva a una relativa igualdad de la parte del solista y la orquesta. En el K. sinfónico el virtuosismo se ha convertido en un medio del dramatismo. desarrollo. La sinfonización abarcaba incluso un elemento virtuoso tan específico del género como la cadencia. Si en el virtuoso K. la cadencia estaba destinada a mostrar técnica. la habilidad del solista, en la sinfonía se unió en el desarrollo general de la música. Desde la época de Beethoven, los propios compositores comenzaron a escribir cadencias; en el 5to pp. La cadencia del concierto de Beethoven se vuelve orgánica. parte de la forma de la obra.
Una clara distinción entre virtuosismo y sinfónico k. no siempre es posible. El tipo K. se ha generalizado, en el que las cualidades de concierto y sinfónicas están en estrecha unidad. Por ejemplo, en los conciertos de F. Liszt, PI Tchaikovsky, AK Glazunov, SV Rachmaninov sinfónico. la dramaturgia se combina con el brillante virtuosismo de la parte solista. En el siglo XX, el predominio de la interpretación virtuosa del concierto es típico de los conciertos de SS Prokofiev, B. Bartok, el predominio de la sinfonía. Se observan cualidades, por ejemplo, en el Concierto para violín 20 de Shostakovich.
Habiendo tenido una influencia significativa en la sinfonía, la sinfonía, a su vez, fue influenciada por la sinfonía. A finales del siglo XIX. surgió una variedad especial de "concierto" de sinfonismo, presentada por la obra. R. Strauss (“Don Quijote”), NA Rimsky-Korsakov (“Capriccio español”). En el siglo XX, también aparecieron bastantes conciertos para orquesta basados en el principio de la interpretación de conciertos (por ejemplo, en la música soviética, del compositor azerbaiyano S. Gadzhibekov, el compositor estonio J. Ryaets y otros).
Prácticamente K. se crean para toda Europa. instrumentos: piano, violín, violonchelo, viola, contrabajo, instrumentos de viento y metales. RM Gliere posee el muy popular K. para voz y orquesta. Búhos. los compositores escribieron K. para nar. instrumentos: balalaika, domra (KP Barchunova y otros), alquitrán armenio (G. Mirzoyan), kokle letón (J. Medin), etc. En el género musical de los búhos, K. se ha generalizado en descomposición. formas típicas y está ampliamente representada en el trabajo de muchos compositores (SS Prokofiev, DD Shostakovich, AI Khachaturian, DB Kabalevsky, N. Ya. Myaskovsky, TN Khrennikov, SF Tsintsadze y otros).
Referencias: Orlov GA, Concierto para piano soviético, L., 1954; Khokhlov Yu., Concierto para violín soviético, M., 1956; Alekseev A., Concierto y géneros de cámara de música instrumental, en el libro: Historia de la música soviética rusa, vol. 1, M., 1956, págs. 267-97; Raaben L., Concierto instrumental soviético, L., 1967.
LH Raaben
