Nikolái Andreevich Rimsky-Korsakov |
Nikolái Rimski-Korsakov
Ni su talento, ni su energía, ni su ilimitada benevolencia hacia sus alumnos y camaradas, nunca se debilitaron. La vida gloriosa y la actividad profundamente nacional de tal persona deben ser nuestro orgullo y alegría. … ¿cuánto se puede señalar en toda la historia de la música de naturalezas tan altas, artistas tan grandes y personas tan extraordinarias como Rimsky-Korsakov? V. Stasov
Casi 10 años después de la apertura del primer conservatorio ruso en San Petersburgo, en el otoño de 1871, apareció entre sus paredes un nuevo profesor de composición y orquestación. A pesar de su juventud -tenía veintiocho años- ya había ganado fama como autor de composiciones originales para orquesta: Oberturas sobre temas rusos, Fantasías sobre temas de canciones populares serbias, un cuadro sinfónico basado en la epopeya rusa. Sadko” y una suite sobre la trama de un cuento de hadas oriental “Antar”. Además, se escribieron muchos romances y el trabajo en la ópera histórica La doncella de Pskov estaba en pleno apogeo. Nadie podría haber imaginado (y menos el director del conservatorio, que invitó a N. Rimsky-Korsakov) que se convirtió en un compositor casi sin formación musical.
Rimsky-Korsakov nació en una familia alejada de los intereses artísticos. Los padres, según la tradición familiar, prepararon al niño para el servicio en la Marina (el tío y el hermano mayor eran marineros). Aunque las habilidades musicales se revelaron muy temprano, no había nadie para estudiar seriamente en un pequeño pueblo de provincia. Las lecciones de piano las daba un vecino, luego una institutriz familiar y alumna de esta institutriz. Las impresiones musicales se complementaron con canciones populares interpretadas por una madre y un tío aficionados y cantos de culto en el Monasterio de Tikhvin.
En San Petersburgo, donde Rimsky-Korsakov llegó para enrolarse en el Cuerpo Naval, visita el teatro de la ópera y en los conciertos, reconoce a Ivan Susanin y Ruslan y Lyudmila de Glinka, las sinfonías de Beethoven. En San Petersburgo, finalmente tiene un verdadero maestro: un excelente pianista y músico educado F. Canille. Aconsejó al talentoso estudiante que compusiera música él mismo, le presentó a M. Balakirev, alrededor de quien se agruparon los jóvenes compositores: M. Mussorgsky, C. Cui, más tarde A. Borodin se unieron a ellos (el círculo de Balakirev pasó a la historia con el nombre de "Mighty Handful ”).
Ninguno de los "kuchkistas" no tomó un curso de formación musical especial. El sistema por el cual Balakirev los preparó para la actividad creativa independiente fue el siguiente: inmediatamente propuso un tema responsable y luego, bajo su liderazgo, en discusiones conjuntas, en paralelo con el estudio de las obras de los principales compositores, todas las dificultades que surgieron. en el proceso de composición fueron resueltos.
Balakirev le aconsejó a Rimsky-Korsakov, de diecisiete años, que comenzara con una sinfonía. Mientras tanto, se suponía que el joven compositor, que se graduó en el Cuerpo Naval, emprendería un viaje alrededor del mundo. Regresó a los amigos de la música y el arte solo después de 3 años. El talento del genio ayudó a Rimsky-Korsakov a dominar rápidamente la forma musical, la orquestación de colores brillantes y las técnicas de composición, sin pasar por los fundamentos de la escuela. Habiendo creado partituras sinfónicas complejas y trabajando en una ópera, el compositor no conocía los conceptos básicos de la ciencia musical y no estaba familiarizado con la terminología necesaria. ¡Y de repente una oferta para enseñar en el conservatorio! .. “Si aprendiera aunque sea un poco, si supiera aunque sea un poco más de lo que realmente sabía, entonces me quedaría claro que no puedo y no tengo derecho a asumir la propuesta. El punto es que convertirme en profesor sería estúpido y sin escrúpulos de mi parte ”, recordó Rimsky-Korsakov. Pero no deshonestidad, sino la más alta responsabilidad, mostró, comenzando a aprender los mismos fundamentos que se suponía que debía enseñar.
Las visiones estéticas y la cosmovisión de Rimsky-Korsakov se formaron en la década de 1860. bajo la influencia del "Mighty Handful" y su ideólogo V. Stasov. Al mismo tiempo, se determinaron las bases nacionales, la orientación democrática, los principales temas e imágenes de su obra. En la próxima década, las actividades de Rimsky-Korsakov son multifacéticas: enseña en el conservatorio, mejora su propia técnica de composición (escribe cánones, fugas), ocupa el cargo de inspector de bandas de música del Departamento Naval (1873-84) y dirige orquesta sinfónica. conciertos, reemplaza al director de la Escuela de Música Libre Balakirev y prepara para la publicación (junto con Balakirev y Lyadov) las partituras de las dos óperas de Glinka, graba y armoniza canciones populares (la primera colección se publicó en 1876, la segunda en 1882).
Una apelación al folclore musical ruso, así como un estudio detallado de las partituras de ópera de Glinka en el proceso de preparación para su publicación, ayudaron al compositor a superar la especulatividad de algunas de sus composiciones, que surgieron como resultado de estudios intensivos en técnica de composición. Dos óperas escritas después de La doncella de Pskov (1872), Noche de mayo (1879) y La doncella de nieve (1881), encarnaron el amor de Rimsky-Korsakov por los rituales populares y las canciones populares y su cosmovisión panteísta.
La creatividad del compositor de los años 80. representada principalmente por obras sinfónicas: “El cuento” (1880), Sinfonietta (1885) y Concierto para piano (1883), así como los famosos “Capriccio español” (1887) y “Scheherazade” (1888). Al mismo tiempo, Rimsky-Korsakov trabajó en el Coro de la Corte. Pero dedica la mayor parte de su tiempo y energía a prepararse para la representación y publicación de las óperas de sus difuntos amigos: Khovanshchina de Mussorgsky y Prince Igor de Borodin. Es probable que este intenso trabajo sobre las partituras de ópera propicie que el propio trabajo de Rimsky-Korsakov se desarrolle durante estos años en el ámbito sinfónico.
El compositor volvió a la ópera sólo en 1889, habiendo creado la encantadora Mlada (1889-90). Desde mediados de los 90. uno tras otro es seguido por La noche antes de Navidad (1895), Sadko (1896), el prólogo de La doncella de Pskov, el Boyar Vera Sheloga en un acto y La novia del zar (ambos de 1898). En la década de 1900 se crean The Tale of Tsar Saltan (1900), Servilia (1901), Pan Governor (1903), The Tale of the Invisible City of Kitezh (1904) y The Golden Cockerel (1907).
A lo largo de su vida creativa, el compositor también recurrió a las letras vocales. En 79 de sus romances, se presenta la poesía de A. Pushkin, M. Lermontov, AK Tolstoy, L. May, A. Fet y de autores extranjeros J. Byron y G. Heine.
El contenido del trabajo de Rimsky-Korsakov es diverso: también reveló el tema histórico-folclórico ("La mujer de Pskov", "La leyenda de la ciudad invisible de Kitezh"), la esfera de las letras ("La novia del zar", " Servilia”) y el drama cotidiano (“Pan Voyevoda”), reflejaron las imágenes de Oriente (“Antar”, “Scheherazade”), encarnaron las características de otras culturas musicales (“Fantasía serbia”, “Capriccio español”, etc.) . Pero lo más característico de Rimsky-Korsakov son la fantasía, la fabulosidad, las diversas conexiones con el arte popular.
El compositor creó una galería completa de imágenes femeninas únicas en su encanto, puras y suavemente líricas, tanto reales como fantásticas (Pannochka en "May Night", Snegurochka, Martha en "The Tsar's Bride", Fevronia en "The Tale of the Invisible City de Kitezh”), imágenes de cantantes folclóricos (Lel en “La doncella de nieve”, Nezhata en “Sadko”).
Formado en la década de 1860. el compositor se mantuvo fiel a los ideales sociales progresistas durante toda su vida. En vísperas de la primera revolución rusa de 1905 y en el período de reacción que la siguió, Rimsky-Korsakov escribió las óperas Kashchei the Immortal (1902) y The Golden Cockerel, que fueron percibidas como una denuncia del estancamiento político que reinaba en Rusia.
El camino creativo del compositor duró más de 40 años. Entrando en él como sucesor de las tradiciones de Glinka, él y en el siglo XX. representa adecuadamente el arte ruso en la cultura musical mundial. Las actividades creativas y musical-públicas de Rimsky-Korsakov son multifacéticas: compositor y director de orquesta, autor de obras teóricas y reseñas, editor de obras de Dargomyzhsky, Mussorgsky y Borodin, tuvo una fuerte influencia en el desarrollo de la música rusa.
Durante 37 años de enseñanza en el conservatorio, enseñó a más de 200 compositores: A. Glazunov, A. Lyadov, A. Arensky, M. Ippolitov-Ivanov, I. Stravinsky, N. Cherepnin, A. Grechaninov, N. Myaskovsky, S. Prokofiev y otros. El desarrollo de temas orientales de Rimsky-Korsakov ("Antar", "Scheherazade", "Golden Cockerel") fue de inestimable importancia para el desarrollo de las culturas musicales nacionales de Transcaucasia y Asia Central, y diversos paisajes marinos ("Sadko", "Sheherazade ”, “El cuento del zar Saltan”, el ciclo de romances “Junto al mar”, etc.) determinaron mucho en la pintura sonora al aire libre del francés C. Debussy y del italiano O. Respighi.
E. Gordeeva
El trabajo de Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov es un fenómeno único en la historia de la cultura musical rusa. El punto no está solo en el enorme significado artístico, el volumen colosal, la rara versatilidad de su trabajo, sino también en el hecho de que el trabajo del compositor cubre casi por completo una era muy dinámica en la historia rusa, desde la reforma campesina hasta el período entre revoluciones. Una de las primeras obras del joven músico fue la instrumentación del recién terminado The Stone Guest de Dargomyzhsky, la última gran obra del maestro, The Golden Cockerel, data de 1906-1907: la ópera fue compuesta simultáneamente con el Poema del éxtasis de Scriabin, la Segunda Sinfonía de Rachmaninov; sólo cuatro años separan el estreno de El gallo de oro (1909) del estreno de La consagración de la primavera de Stravinsky, dos del debut de Prokofiev como compositor.
Por lo tanto, el trabajo de Rimsky-Korsakov, puramente en términos cronológicos, constituye, por así decirlo, el núcleo de la música clásica rusa, conectando el vínculo entre la era de Glinka-Dargomyzhsky y el siglo XIX. Sintetizando los logros de la escuela de San Petersburgo desde Glinka hasta Lyadov y Glazunov, absorbiendo mucho de la experiencia de los moscovitas: Tchaikovsky, Taneyev, compositores que actuaron a finales de los siglos XIX y XIX, siempre estuvo abierto a nuevas tendencias artísticas. doméstico y extranjero.
Un carácter integral y sistematizador es inherente a cualquier dirección del trabajo de Rimsky-Korsakov: compositor, profesor, teórico, director de orquesta, editor. Su actividad vital en su conjunto es un mundo complejo, que me gustaría llamar el "cosmos de Rimsky-Korsakov". El propósito de esta actividad es recopilar, enfocar las principales características de la conciencia nacional musical y, más ampliamente, artística y, en última instancia, recrear una imagen integral de la cosmovisión rusa (por supuesto, en su refracción personal, "korsakoviana"). Este encuentro está indisolublemente ligado a la evolución personal, del autor, así como el proceso de enseñar, educar -no sólo a los alumnos directos, sino a todo el entorno musical- con la autoeducación, la autoeducación.
AN Rimsky-Korsakov, el hijo del compositor, hablando de la variedad constantemente renovada de tareas resueltas por Rimsky-Korsakov, describió con éxito la vida del artista como un "entrelazado de hilos como un globo". Él, reflexionando sobre lo que hizo que el brillante músico dedicara una parte irracionalmente grande de su tiempo y energía a los tipos "secundarios" de trabajo educativo, señaló "una clara conciencia de su deber hacia la música y los músicos rusos". “Service“- la palabra clave en la vida de Rimsky-Korsakov, así como “confesión” – en la vida de Mussorgsky.
Se cree que la música rusa de la segunda mitad del siglo XIX tiende claramente a asimilar los logros de otras artes contemporáneas a ella, especialmente la literatura: de ahí la preferencia por los géneros “verbales” (desde el romance, la canción hasta la ópera, la corona de la aspiraciones creativas de todos los compositores de la generación 1860), y en instrumental: un amplio desarrollo del principio de programación. Sin embargo, ahora es cada vez más evidente que la imagen del mundo creada por la música clásica rusa no es en absoluto idéntica a la de la literatura, la pintura o la arquitectura. Las características del crecimiento de la escuela de compositores rusos están conectadas tanto con los detalles de la música como forma de arte como con la posición especial de la música en la cultura nacional del siglo XIX, con sus tareas especiales en la comprensión de la vida.
La situación histórica y cultural en Rusia predeterminó una brecha colosal entre las personas que, según Glinka, “crean música” y quienes querían “arreglarla”. La ruptura fue profunda, trágicamente irreversible, y sus consecuencias se sienten hasta el día de hoy. Pero, por otro lado, la experiencia auditiva acumulativa de múltiples capas del pueblo ruso contenía posibilidades inagotables para el movimiento y el crecimiento del arte. Quizás en la música se expresó con mayor fuerza el “descubrimiento de Rusia”, ya que la base de su lenguaje –la entonación– es la manifestación más orgánica del individuo humano y étnico, expresión concentrada de la experiencia espiritual del pueblo. La "estructura múltiple" del entorno de entonación nacional en Rusia a mediados del siglo anterior es uno de los requisitos previos para la innovación de la escuela de música profesional rusa. Reunir en un solo foco tendencias multidireccionales -en términos relativos, desde las raíces paganas protoeslavas hasta las últimas ideas del romanticismo musical de Europa occidental, las técnicas más avanzadas de la tecnología musical- es un rasgo característico de la música rusa de la segunda mitad del s. Siglo XIX. Durante este período, finalmente deja el poder de las funciones aplicadas y se convierte en una visión del mundo en sonidos.
Hablando a menudo de los años sesenta de Mussorgsky, Balakirev, Borodin, parece que olvidamos que Rimsky-Korsakov pertenece a la misma época. Mientras tanto, es difícil encontrar un artista más fiel a los más altos y puros ideales de su tiempo.
Aquellos que conocieron a Rimsky-Korsakov más tarde, en los años 80, 90, 1900, nunca se cansaron de sorprenderse con la dureza con la que se prodigaba a sí mismo y a su obra. De ahí los frecuentes juicios sobre la “sequedad” de su carácter, su “academia”, “racionalismo”, etc. De hecho, esto es propio de los años sesenta, combinado con la evitación del patetismo excesivo en relación con la propia personalidad, propio de un artista ruso. Uno de los alumnos de Rimsky-Korsakov, MF Gnesin, expresó la idea de que el artista, en una lucha constante consigo mismo y con quienes lo rodeaban, con los gustos de su época, por momentos parecía endurecerse, volviéndose en algunas de sus declaraciones aún más bajas. que él mismo Esto debe tenerse en cuenta al interpretar las declaraciones del compositor. Aparentemente, la observación de otro estudiante de Rimsky-Korsakov, AV Ossovsky, merece aún más atención: la severidad, el cautiverio de la introspección, el autocontrol, que invariablemente acompañaron el camino del artista, eran tales que una persona de menor talento simplemente podría no soporto esos "descansos", esos experimentos que constantemente se propone a sí mismo: el autor de La doncella de Pskov, como un colegial, se sienta a los problemas en armonía, el autor de La doncella de nieve no se pierde una sola representación de las óperas de Wagner. , el autor de Sadko escribe Mozart y Salieri, el profesor el académico crea Kashchei, etc. Y esto también vino de Rimsky-Korsakov no solo de la naturaleza, sino también de la época.
Su actividad social siempre fue muy alta, y su actividad se distinguió por un completo desinterés y una devoción indivisa a la idea del deber público. Pero, a diferencia de Mussorgsky, Rimsky-Korsakov no es un “populista” en el sentido histórico específico del término. En el problema del pueblo, él siempre, a partir de La doncella de Pskov y el poema Sadko, vio no tanto lo histórico y social como lo indivisible y eterno. Comparado con los documentos de Tchaikovsky o Mussorgsky en las cartas de Rimsky-Korsakov, en su Crónica hay pocas declaraciones de amor por el pueblo y por Rusia, pero como artista tenía un colosal sentido de la dignidad nacional, y en el mesianismo de El arte ruso, en particular la música, no tenía menos confianza que Mussorgsky.
Todos los kuchkistas se caracterizaron por una característica de los años sesenta como una curiosidad infinita por los fenómenos de la vida, una eterna ansiedad de pensamiento. En Rimsky-Korsakov se centró en mayor medida en la naturaleza, entendida como la unidad de los elementos y el hombre, y en el arte como máxima encarnación de dicha unidad. Al igual que Mussorgsky y Borodin, se esforzó constantemente por obtener un conocimiento "positivo", "positivo" sobre el mundo. En su afán de estudiar a fondo todas las áreas de la ciencia musical, partió de la posición -en la que (al igual que Mussorgsky) creía muy firmemente, a veces hasta el punto de la ingenuidad- que en el arte existen leyes (normas) que son tan objetivas , universal como en la ciencia. no solo preferencias gustativas.
Como resultado, la actividad estética y teórica de Rimsky-Korsakov abarcó casi todas las áreas del conocimiento sobre la música y se desarrolló en un sistema completo. Sus componentes son: la doctrina de la armonía, la doctrina de la instrumentación (ambas en forma de grandes obras teóricas), la estética y la forma (notas de la década de 1890, artículos críticos), el folclore (colecciones de arreglos de canciones populares y ejemplos de comprensión creativa de motivos populares en las composiciones), enseñanza sobre el modo (el autor destruyó un gran trabajo teórico sobre los modos antiguos, pero ha sobrevivido una versión breve, así como ejemplos de la interpretación de los modos antiguos en los arreglos de los cantos de la iglesia), polifonía (consideraciones expresadas en cartas, en conversaciones con Yastrebtsev, etc., y también ejemplos creativos), educación musical y organización de la vida musical (artículos, pero principalmente actividades educativas y pedagógicas). En todas estas áreas, Rimsky-Korsakov expresó ideas audaces, cuya novedad a menudo se oscurece por una forma de presentación estricta y concisa.
“El creador del Pskovityanka y el Golden Cockerel no era un retrógrado. Fue un innovador, pero que luchó por la integridad clásica y la proporcionalidad de los elementos musicales ”(Zuckerman VA). Según Rimsky-Korsakov, todo lo nuevo es posible en cualquier campo bajo las condiciones de una conexión genética con el pasado, la lógica, la condicionalidad semántica y la organización arquitectónica. Tal es su doctrina de la funcionalidad de la armonía, en la que las funciones lógicas pueden ser representadas por consonancias de diversas estructuras; tal es su doctrina de la instrumentación, que abre con la frase: “No hay malas sonoridades en la orquesta”. El sistema de educación musical propuesto por él es inusualmente progresivo, en el que el modo de aprendizaje está asociado principalmente con la naturaleza del talento del estudiante y la disponibilidad de ciertos métodos para hacer música en vivo.
El epígrafe de su libro sobre el maestro MF Gnesin puso la frase de la carta de Rimsky-Korsakov a su madre: “Mira las estrellas, pero no mires y no te caigas”. Esta frase aparentemente aleatoria de un joven cadete del Cuerpo Naval caracteriza notablemente la posición de Rimsky-Korsakov como artista en el futuro. Tal vez la parábola evangélica de los dos mensajeros se ajuste a su personalidad, uno de los cuales inmediatamente dijo “Iré” – y no fue, y el otro dijo al principio “No iré” – y fue (Mt., XXI, 28- 31).
De hecho, durante el curso de la carrera de Rimsky-Korsakov, hay muchas contradicciones entre "palabras" y "hechos". Por ejemplo, nadie reprendió tan ferozmente al kuchkismo y sus defectos (basta recordar la exclamación de una carta a Krutikov: "Oh, compuesto rusoоry – énfasis de Stasov – ¡se deben a sí mismos su falta de educación! ”, Toda una serie de declaraciones ofensivas en la Crónica sobre Mussorgsky, sobre Balakirev, etc.) – y nadie fue tan consistente en defender, defender los principios estéticos básicos del kuchkismo y todos sus logros creativos: en 1907, unos meses antes A su muerte, Rimsky-Korsakov se llamó a sí mismo “el kuchkista más convencido”. Pocas personas fueron tan críticas con los “nuevos tiempos” en general y los fenómenos fundamentalmente nuevos de la cultura musical de principios de siglo y principios del siglo 80, y al mismo tiempo respondieron tan profunda y plenamente a las demandas espirituales de la nueva era ("Kashchey", "Kitezh", "El gallo dorado" y otros en las obras posteriores del compositor). Rimsky-Korsakov en la década de los 90 -a principios de los XNUMX se hablaba en ocasiones muy duramente de Chaikovski y su dirección- y constantemente aprendía de su antípoda: la obra de Rimsky-Korsakov, su actividad pedagógica, sin duda, era el principal nexo de unión entre San Petersburgo y Moscú. escuelas. La crítica de Korsakov a Wagner y sus reformas operísticas es aún más devastadora y, mientras tanto, entre los músicos rusos, aceptó más profundamente las ideas de Wagner y respondió creativamente a ellas. Finalmente, ninguno de los músicos rusos enfatizó tan consistentemente su agnosticismo religioso en palabras, y pocos lograron crear imágenes tan profundas de fe popular en su trabajo.
Los dominantes de la cosmovisión artística de Rimsky-Korsakov eran el “sentimiento universal” (su propia expresión) y el mitologismo del pensamiento ampliamente entendido. En el capítulo de la Crónica dedicado a La doncella de nieve, formuló su proceso creativo de la siguiente manera: “Escuché las voces de la naturaleza y el arte popular y la naturaleza y tomé lo que cantaban y sugerían como base de mi trabajo”. La atención del artista se centró principalmente en los grandes fenómenos del cosmos: el cielo, el mar, el sol, las estrellas y en los grandes fenómenos en la vida de las personas: el nacimiento, el amor, la muerte. Esto corresponde a toda la terminología estética de Rimsky-Korsakov, en particular a su palabra favorita: “contemplación“. Sus notas sobre la estética se abren con la afirmación del arte como “esfera de actividad contemplativa”, donde el objeto de contemplación es “la vida del espíritu humano y de la naturaleza, expresada en sus relaciones mutuas“. Junto con la unidad del espíritu humano y la naturaleza, el artista afirma la unidad del contenido de todos los tipos de arte (en este sentido, su propia obra es ciertamente sincrética, aunque en bases diferentes a, por ejemplo, la obra de Mussorgsky, quien también argumentó que las artes difieren solo en material, pero no en tareas y propósitos). Las propias palabras de Rimsky-Korsakov podrían ponerse como lema de toda la obra de Rimsky-Korsakov: “La representación de lo bello es la representación de la complejidad infinita”. Al mismo tiempo, no era ajeno al término favorito del kuchkismo temprano: "verdad artística", solo protestó contra la comprensión dogmática y estrecha de la misma.
Las características de la estética de Rimsky-Korsakov llevaron a la discrepancia entre su trabajo y los gustos del público. En relación con él, es tan legítimo hablar de incomprensibilidad como en relación con Mussorgsky. Mussorgsky, más que Rimsky-Korsakov, correspondía a su época en cuanto al tipo de talento, en la dirección de los intereses (en general, la historia del pueblo y la psicología del individuo), pero la radicalidad de sus decisiones resultó estar más allá de la capacidad de sus contemporáneos. En Rimsky-Korsakov el malentendido no fue tan agudo, pero no menos profundo.
Su vida parecía ser muy feliz: una familia maravillosa, excelente educación, un emocionante viaje alrededor del mundo, el brillante éxito de sus primeras composiciones, una vida personal inusualmente exitosa, la oportunidad de dedicarse por completo a la música, posteriormente respeto y alegría universales. para ver el crecimiento de estudiantes talentosos a su alrededor. Sin embargo, a partir de la segunda ópera y hasta finales de los 90, Rimsky-Korsakov se enfrentó constantemente a una incomprensión tanto de “suyo” como de “ellos”. Los kuchkistas lo consideraban un compositor que no era de ópera, que no dominaba la dramaturgia ni la escritura vocal. Durante mucho tiempo hubo una opinión sobre la falta de melodía original en él. Rimsky-Korsakov fue reconocido por su habilidad, especialmente en el campo de la orquesta, pero nada más. Este malentendido prolongado fue, de hecho, la razón principal de la grave crisis experimentada por el compositor en el período posterior a la muerte de Borodin y el colapso final del Mighty Handful como dirección creativa. Y solo a fines de los años 90, el arte de Rimsky-Korsakov se volvió cada vez más en sintonía con la época y encontró reconocimiento y comprensión entre la nueva intelectualidad rusa.
Este proceso de dominar las ideas del artista por parte de la conciencia pública fue interrumpido por eventos posteriores en la historia de Rusia. Durante décadas, el arte de Rimsky-Korsakov fue interpretado (y plasmado, si hablamos de las realizaciones escénicas de sus óperas) de una forma muy simplista. Lo más valioso en él: la filosofía de la unidad del hombre y el cosmos, la idea de adorar la belleza y el misterio del mundo quedó enterrada bajo las categorías mal interpretadas de "nacionalidad" y "realismo". El destino de la herencia de Rimsky-Korsakov en este sentido, por supuesto, no es único: por ejemplo, las óperas de Mussorgsky fueron sujetas a distorsiones aún mayores. Sin embargo, si en los últimos tiempos ha habido disputas en torno a la figura y obra de Mussorgsky, el legado de Rimsky-Korsakov ha quedado en el olvido honroso en las últimas décadas. Fue reconocido por todos los méritos de una orden académica, pero pareció desaparecer de la conciencia pública. La música de Rimsky-Korsakov se toca con poca frecuencia; en los casos en que sus óperas llegan al escenario, la mayoría de las dramatizaciones -puramente decorativas, frondosas o populares-fabulosas- dan testimonio de una decisiva incomprensión de las ideas del compositor.
Es significativo que si hay una enorme literatura moderna sobre Mussorgsky en todos los principales idiomas europeos, los trabajos serios sobre Rimsky-Korsakov son muy pocos. Además de los libros antiguos de I. Markevich, R. Hoffmann, N. Giles van der Pals, biografías populares, así como varios artículos interesantes de musicólogos estadounidenses e ingleses sobre temas particulares de la obra del compositor, solo se pueden nombrar algunos. de obras del principal especialista occidental sobre Rimsky-Korsakov, Gerald Abraham. El resultado de sus muchos años de estudio fue, aparentemente, un artículo sobre el compositor para la nueva edición del Diccionario enciclopédico de Grove (1980). Sus disposiciones principales son las siguientes: como compositor de ópera, Rimsky-Korsakov sufría de una falta total de estilo dramático, una incapacidad para crear personajes; en lugar de dramas musicales, escribió deliciosos cuentos de hadas musicales y teatrales; en lugar de personajes, en ellos actúan encantadores muñecos fantásticos; sus obras sinfónicas no son más que “mosaicos de colores muy vivos”, mientras que no dominaba en absoluto la escritura vocal.
En su monografía sobre Glinka, OE Levasheva señala el mismo fenómeno de incomprensión en relación con la música de Glinka, clásicamente armoniosa, serena y llena de noble mesura, muy alejada de las ideas primitivas sobre el “exotismo ruso” y que parece “no lo suficientemente nacional” para los críticos extranjeros. . El pensamiento doméstico sobre la música, salvo contadas excepciones, no sólo no lucha contra tal punto de vista respecto a Rimsky-Korsakov – bastante común también en Rusia – sino que a menudo lo agrava, enfatizando el academicismo imaginario de Rimsky-Korsakov y cultivando una falsa oposición a la innovación de Mussorgsky.
Quizás el momento del reconocimiento mundial del arte de Rimsky-Korsakov aún esté por venir, y llegará la era en que las obras del artista, que creó una imagen integral y completa del mundo ordenada de acuerdo con las leyes de la racionalidad, la armonía y la belleza. , encontrará la suya, la rusa Bayreuth, con la que soñaron los contemporáneos de Rimsky-Korsakov en vísperas de 1917.
M. Rajmánova
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