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La dirección (del alemán dirigieren, francés diriger - dirigir, administrar, administrar; dirección inglesa) es uno de los tipos más complejos de artes escénicas musicales; dirección de un grupo de músicos (orquesta, coro, conjunto, compañía de ópera o ballet, etc.) en el proceso de aprendizaje e interpretación pública de la música por parte de ellos. obras. Conducido por el conductor. El director proporciona armonía y técnica de conjunto. perfección de la ejecución, y también se esfuerza por transmitir sus artes a los músicos dirigidos por él. intenciones, para revelar en el proceso de ejecución su interpretación de la creatividad. la intencion del compositor, su comprension del contenido y estilistica. características de este producto. El plan de actuación del director se basa en un estudio exhaustivo y en la reproducción más precisa y cuidadosa del texto de la partitura del autor.

Aunque el arte del director de orquesta en la modernidad. su comprensión de cómo son independientes. tipo de interpretación musical, desarrollada relativamente recientemente (segundo cuarto del siglo XIX), sus orígenes se remontan a la antigüedad. Incluso en los bajorrelieves egipcios y asirios hay imágenes de la interpretación conjunta de música, principalmente. en la misma música. instrumentos, varios músicos bajo la dirección de un hombre con una vara en la mano. En las primeras etapas del desarrollo de la práctica coral folclórica, uno de los cantantes, el líder, ejecutaba la danza. Estableció la estructura y la armonía del motivo ("mantuvo el tono"), indicó el tempo y la dinámica. sombras. A veces contaba el ritmo aplaudiendo o golpeando con el pie. Métodos similares de organizaciones métricas en forma conjunta. Las actuaciones (pisotear, aplaudir, tocar instrumentos de percusión) sobrevivieron hasta el siglo XX. en algunos grupos etnográficos. En la antigüedad (en Egipto, Grecia), y luego en cf. siglo, la gestión del coro (iglesia) con la ayuda de cheironomy (del griego xeir - mano, nomos - ley, regla) estaba muy extendida. Este tipo de danza se basaba en un sistema de movimientos condicionales (simbólicos) de las manos y los dedos del director, que se apoyaban en los correspondientes. movimientos de cabeza y cuerpo. Usándolos, el director indicó el tempo, el metro, el ritmo a los coristas, reprodujo visualmente los contornos de la melodía dada (su movimiento hacia arriba o hacia abajo). Los gestos del director también indicaban los matices de expresión y, con su plasticidad, debían corresponder al carácter general de la música que se ejecutaba. La complicación de la polifonía, la aparición del sistema mensural y el desarrollo del ork. los juegos hacían cada vez más necesario un ritmo claro. organización del conjunto. Junto con la quironomía, está tomando forma un nuevo método de D. con la ayuda de “battuta” (palo; del italiano battere – batir, golpear, ver Battuta 2), que literalmente consistía en “golpear el compás”, muy a menudo bastante fuerte ("conducción ruidosa"). Uno de los primeros indicios fidedignos del uso del trampolín es, al parecer, el art. imagen de la iglesia conjunto, relativo a 19. Antes se utilizaba “dirección ruidosa”. En Dr. En Grecia, el director del coro, al representar tragedias, marcaba el ritmo con el sonido de su pie, utilizando para ello zapatos con suela de hierro.

En los siglos XVII y XVIII, con la llegada del sistema de bajo general, la percusión la realizaba un músico que interpretaba la parte del bajo general en el clavicémbalo o el órgano. El director determinaba el tempo por una serie de acordes, enfatizando el ritmo con acentos o figuraciones. Algunos directores de este tipo (por ejemplo, JS Bach), además de tocar el órgano o el clavicémbalo, daban instrucciones con los ojos, la cabeza, los dedos, a veces cantando una melodía o marcando el ritmo con los pies. Junto con este método de D., continuó existiendo el método de D. con la ayuda de una battuta. Hasta 17, JB Lully utilizó un bastón de caña grande y macizo con el que golpeaba el suelo, y WA Weber recurrió a la "dirección ruidosa" ya a principios del siglo XIX, golpeando la partitura con un tubo de cuero relleno. con lana Ya que la actuación del bajo general limitaba notablemente la posibilidad de directos. la influencia del director de orquesta en el equipo, del siglo XVIII. el primer violinista (acompañante) es cada vez más importante. Ayudó al director a manejar el conjunto con su forma de tocar el violín y, en ocasiones, dejó de tocar y usó el arco como un palo (battutu). Esta práctica dio lugar a la aparición de los llamados. doble dirección: en la ópera, el clavecinista dirigía a los cantantes y el acompañante controlaba la orquesta. A estos dos líderes, a veces se añadía un tercero: el primer violonchelista, que se sentaba junto al director de clavicémbalo y tocaba la voz de bajo en los recitativos operísticos según sus notas, o el director de coro que controlaba el coro. Al realizar grandes wok.-instr. composiciones, el número de directores en algunos casos llegó a cinco.

Desde el 2do piso. En el siglo XVIII, cuando el sistema general de bajos se desvaneció, el violinista-acompañante director se convirtió gradualmente en el único líder del conjunto (por ejemplo, K. Dittersdorf, J. Haydn, F. Habenek dirigieron de esta manera). Este método de D. se conservó durante bastante tiempo y en el siglo XIX. en orquestas de salón y de jardín, en pequeños bailes. carácter de orquestas folklóricas. La orquesta fue muy popular en todo el mundo, dirigida por el director-violinista, autor de famosos valses y operetas I. Strauss (hijo). Un método similar de D. a veces se usa en la interpretación de música de los siglos XVII y XVIII.

Mayor desarrollo de la sinfonía. la música, el crecimiento de su dinámica. diversidad, ampliación y complicación de la composición de la orquesta, deseo de mayor expresividad y brillantez de la obra. los juegos exigían con insistencia que el director se liberara de la participación en el conjunto general para que pudiera concentrar toda su atención en la dirección del resto de los músicos. El violinista-acompañante recurre cada vez menos a tocar su instrumento. Así, la aparición de D. en su modernidad. el entendimiento estaba preparado, sólo quedaba reemplazar el arco del concertino por la batuta de un director.

Entre los primeros directores que pusieron en práctica la batuta de director se encontraban I. Mosel (1812, Viena), KM Weber (1817, Dresde), L. Spohr (1817, Fráncfort del Meno, 1819, Londres), así como G. Spontini (1820, Berlín), que la sostuvo no al final, sino en el medio, como algunos directores que usaban un rollo de música para D..

Los primeros grandes directores que actuaron en diferentes ciudades con orquestas “extranjeras” fueron G. Berlioz y F. Mendelssohn. Uno de los fundadores de la D. moderna (junto con L. Beethoven y G. Berlioz) debe ser considerado R. Wagner. Siguiendo el ejemplo de Wagner, el director, que antes se encontraba en su consola de cara al público, le dio la espalda, lo que aseguró un contacto creativo más completo entre el director y los músicos de la orquesta. Un lugar destacado entre los directores de esa época pertenece a F. Liszt. Por los años 40 del siglo XIX. finalmente se aprueba el nuevo método de D. Algo más tarde, el moderno un tipo de director de orquesta que no se dedica a la composición de las actividades. El primer director-intérprete, que ganó actuaciones internacionales con sus actuaciones en gira. reconocimiento, fue H. von Bülow. Posición de liderazgo al final del 19 – temprano. El siglo XX lo ocupó. escuela de dirección, a la que también pertenecieron algunos destacados directores húngaros. y nacionalidad austriaca. Estos son conductores que formaron parte de los llamados. los cinco posteriores a Wagner: X. Richter, F. Motl, G. Mahler, A. Nikish, F. Weingartner, así como K. Muck, R. Strauss. En Francia, significa lo máximo. E. Colonne y C. Lamoureux fueron representantes del traje de D. de esta época. Entre los más grandes directores de la primera mitad del siglo XX. y las décadas siguientes: B. Walter, W. Furtwangler, O. Klemperer, O. Fried, L. Blech (Alemania), A. Toscanini, V. Ferrero (Italia), P. Monteux, S. Munsch, A. Kluytens (Francia), A. Zemlinsky, F. Shtidri, E. Kleiber, G. Karajan (Austria), T. Beecham, A. Boult, G. Wood, A. Coates (Inglaterra), V. Berdyaev, G. Fitelberg ( Polonia), V. Mengelberg (Países Bajos), L. Bernstein, J. Sell, L. Stokowski, Y. Ormandy, L. Mazel (EE. UU.), E. Ansermet (Suiza), D. Mitropoulos (Grecia), V, Talich (Checoslovaquia), J. Ferenchik (Hungría), J. Georgescu, J. Enescu (Rumania), L. Matachich (Yugoslavia).

en Rusia hasta el siglo XVIII. D. se asoció con prima. con coro ejecución. La correspondencia de una nota entera a dos movimientos de la mano, de una blanca a un movimiento, etc., es decir, ciertos métodos de dirección, ya se mencionan en la Gramática del músico de NP Diletsky (segunda mitad del siglo XVII). El primer orco ruso. los conductores eran músicos de siervos. Entre ellos debe nombrarse SA Degtyarev, quien dirigió la orquesta de la fortaleza Sheremetev. Los directores de orquesta más famosos del siglo XVIII. – violinistas y compositores IE Khandoshkin y VA Pashkevich. En una etapa temprana de desarrollo, las actividades rusas de KA Kavos, KF Albrecht (Petersburgo) y II Iogannis (Moscú) jugaron un papel importante en el drama operístico. Dirigió la orquesta y en 18-2 dirigió el Coro de la Corte de MI Glinka. Los directores rusos más grandes en la comprensión moderna del arte de D. (segunda mitad del siglo XIX), uno debe considerar a MA Balakirev, AG Rubinshtein y NG Rubinshtein, el primer ruso. director-intérprete, que no era al mismo tiempo compositor. Los compositores NA Rimsky-Korsakov, PI Tchaikovsky y un poco más tarde AK Glazunov actuaron sistemáticamente como directores. Medio. lugar en la historia rusa. el reclamo del conductor pertenece a EF Napravnik. Destacados directores de las siguientes generaciones de rusos. Entre los músicos estaban VI Safonov, SV Rakhmaninov y SA Koussevitzky (principios del siglo XX). En los primeros años posteriores a la revolución, el florecimiento de las actividades de NS Golovanov, AM Pazovsky, IV Pribik, SA Samosud, VI Suk. En los años prerrevolucionarios en Petersburgo. el conservatorio era famoso por la clase de dirección (para estudiantes de composición), dirigida por NN Cherepnin. Los primeros líderes de clases de dirección independientes, no asociadas con el departamento de compositores, creadas después del Gran Octubre. socialista. Las revoluciones en los conservatorios de Moscú y Leningrado fueron KS Saradzhev (Moscú), EA Cooper, NA Malko y AV Gauk (Leningrado). En 17, se llevó a cabo el primer Concurso de dirección de toda la Unión en Moscú, que reveló una serie de talentosos directores, representantes de los jóvenes búhos. escuelas de D. Los ganadores del concurso fueron EA Mravinsky, NG Rakhlin, A. Sh. Melik-Pashaev, KK Ivanov, MI Paverman. Con un nuevo ascenso en la música. cultura en las repúblicas nacionales de la Unión Soviética entre los principales búhos. Los conductores incluyeron representantes de diciembre. nacionalidades; directores NP Anosov, M. Ashrafi, LE Wigner, LM Ginzburg, EM Grikurov, OA Dimitriadi, VA Dranishnikov, VB Dudarova, KP Kondrashin, RV Matsov, ES Mikeladze, IA Musin, VV Nebolsin, NZ Niyazi, AI Orlov, NS Rabinovich, GN Rozhdestvensky, EP Svetlanov, KA Simeonov, MA Tavrizian, VS Tolba, EO Tons, Yu. F. Fayer, BE Khaykin, LP Steinberg, AK Jansons.

El segundo y tercer concurso de dirección de toda la Unión nominaron a un grupo de talentosos directores de la generación más joven. Los laureados son: Yu. Kh. Temirkanov, D.Yu. Tyulin, F. Sh. Mansurov, AS Dmitriev, MD Shostakovich, Yu. I. Simonov (2), AN Lazarev, VG Nelson (3).

En el campo de la D. coral, las tradiciones de destacados maestros que salieron de la época prerrevolucionaria. coro. las escuelas, AD Kastalsky, PG Chesnokov, AV Nikolsky, MG Klimov, NM Danilin, AV Aleksandrov, AV Sveshnikov continuaron con éxito los alumnos de las lechuzas. Conservatorio GA Dmitrievsky, KB Ptitsa, VG Sokolov, AA Yurlov y otros. En D., como en cualquier otra forma de música. rendimiento, reflejan el nivel de desarrollo de las musas. arte-va y estética. principios de esta era, sociedades. los ambientes, las escuelas y el individuo. rasgos del talento del director, su cultura, gusto, voluntad, intelecto, temperamento, etc. Moderno. D. requiere del director amplios conocimientos en el campo de la música. literatura, fundada. musical-teórico. formación, alta música. talento: un oído sutil, especialmente entrenado, buena música. la memoria, el sentido de la forma, el ritmo, así como la atención concentrada. Una condición necesaria es que el conductor tenga una voluntad activa y decidida. El director debe ser un psicólogo sensible, tener el don de un maestro-educador y ciertas habilidades organizativas; estas cualidades son especialmente necesarias para los directores que son líderes permanentes (durante mucho tiempo) del Ph.D. equipo de musica

Al realizar la producción, el director generalmente usa la partitura. Sin embargo, muchos directores de conciertos modernos dirigen de memoria, sin partitura ni consola. Otros, que están de acuerdo en que el director debe recitar la partitura de memoria, creen que el rechazo desafiante del director a la consola y la partitura tiene la naturaleza de un sensacionalismo innecesario y desvía la atención de los oyentes de la pieza que se está interpretando. Un director de ópera debe tener conocimientos sobre asuntos de wok. tecnología, así como poseer una dramaturgia. instinto, la capacidad de dirigir el desarrollo de todas las musas en el proceso de D. acción escénica en su conjunto, sin la cual su verdadera co-creación con el director es imposible. Un tipo especial de D. es el acompañamiento de un solista (por ejemplo, un pianista, violinista o violonchelista durante un concierto con orquesta). En este caso, el director coordina su arte. intenciones con realizar. intención de este artista.

El arte de D. se basa en un sistema de movimiento de la mano especial, especialmente diseñado. El rostro del director, su mirada y las expresiones faciales también juegan un papel muy importante en el proceso de selección. El punto más importante en el palo-ve D. es preliminar. onda (alemán Auftakt) – una especie de “respiración”, en esencia y provocando, como respuesta, el sonido de la orquesta, coro. Medio. se da un lugar en la técnica D. a la temporización, es decir, a la designación metrorítmica con la ayuda de manos agitadas. estructuras musicales. El tiempo es la base (lienzo) del arte. D.

Los esquemas de cronometraje más complejos se basan en la modificación y combinación de movimientos que componen los esquemas más simples. Los diagramas muestran los movimientos de la mano derecha del conductor. Los tiempos fuertes del compás en todos los esquemas están indicados por el movimiento de arriba hacia abajo. Las últimas acciones – al centro y arriba. El segundo tiempo en el esquema de 3 tiempos se indica con un movimiento hacia la derecha (alejándose del director), en el esquema de 4 tiempos, hacia la izquierda. Los movimientos de la mano izquierda se construyen como una imagen especular de los movimientos de la mano derecha. En la práctica de D. dura. el uso de tal movimiento simétrico de ambas manos es indeseable. Por el contrario, la capacidad de usar ambas manos independientemente una de la otra es extremadamente importante, ya que es costumbre en la técnica de D. separar las funciones de las manos. La mano derecha está destinada a preim. para la sincronización, la mano izquierda da instrucciones en el campo de la dinámica, la expresividad, el fraseo. En la práctica, sin embargo, las funciones de las manos nunca están estrictamente delimitadas. Cuanto mayor sea la habilidad del director, más a menudo y más difícil es la libre interpenetración y entrelazamiento de las funciones de ambas manos en sus movimientos. Los movimientos de los grandes directores nunca son francamente gráficos: parecen “liberarse del esquema”, pero al mismo tiempo siempre llevan los elementos más esenciales del mismo para la percepción.

El director debe ser capaz de unir las individualidades de los músicos individuales en el proceso de interpretación, dirigiendo todos sus esfuerzos hacia la realización de su plan de interpretación. De acuerdo con la naturaleza del impacto en el grupo de intérpretes, los directores se pueden dividir en dos tipos. El primero de ellos es el “director-dictador”; subordina incondicionalmente a los músicos a su voluntad, propia. individualidad, suprimiendo a veces arbitrariamente su iniciativa. Un director del tipo opuesto nunca busca asegurarse de que los músicos de la orquesta lo obedezcan ciegamente, sino que trata de llevar a su intérprete al frente. plan a la conciencia de cada ejecutante, para cautivarlo con su lectura de la intención del autor. La mayoría de los conductores en diciembre. grado combina características de ambos tipos.

El método D. sin palo también se generalizó (introducido en la práctica por primera vez por Safonov a principios del siglo XX). Aporta mayor libertad y expresividad a los movimientos de la mano derecha, pero, por otro lado, los priva de ligereza y ritmo. claridad.

En la década de 1920 en algunos países, se hicieron intentos de crear orquestas sin directores. Un grupo de actuación permanente sin director existió en Moscú en 1922-32 (ver Persimfans).

Desde principios de la década de 1950 en varios países comenzó a celebrarse internacionalmente. concursos de dirección. Entre sus laureados: K. Abbado, Z. Meta, S. Ozawa, S. Skrovachevsky. Desde 1968 en las competiciones internacionales participan búhos. conductores Los títulos de laureados fueron ganados por: Yu.I. Simonov, AM, 1968).

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E.Ya. Ratser