David Fiódorovich Oistrakh |

David Oistrakh

La Unión Soviética ha sido durante mucho tiempo famosa por los violinistas. Allá por los años 30, las brillantes victorias de nuestros intérpretes en concursos internacionales asombraron a la comunidad musical mundial. Se hablaba de la escuela soviética de violín como la mejor del mundo. Entre la constelación de talentos brillantes, la palma ya pertenecía a David Oistrakh. Ha conservado su cargo hasta el día de hoy.

Se han escrito muchos artículos sobre Oistrakh, quizás en los idiomas de la mayoría de los pueblos del mundo; Se han escrito monografías y ensayos sobre él, y parece que no hay palabras que los admiradores de su maravilloso talento no dirían sobre el artista. Y, sin embargo, quiero hablar de ello una y otra vez. Quizás, ninguno de los violinistas reflejó tan plenamente la historia del arte violinista de nuestro país. Oistrakh se desarrolló junto con la cultura musical soviética, absorbiendo profundamente sus ideales, su estética. Fue “creado” como artista por nuestro mundo, dirigiendo cuidadosamente el desarrollo del gran talento del artista.

Hay un arte que suprime, que genera angustia, que te hace vivir las tragedias de la vida; pero hay un arte de otro tipo, que trae paz, alegría, cura heridas espirituales, promueve el establecimiento de la fe en la vida, en el futuro. Este último es muy característico de Oistrakh. El arte de Oistrakh da testimonio de la asombrosa armonía de su naturaleza, su mundo espiritual, de una percepción brillante y clara de la vida. Oistrakh es un artista en busca, siempre insatisfecho con lo que ha logrado. Cada etapa de su biografía creativa es un “nuevo Oistrakh”. En los años 30, era un maestro de las miniaturas, con énfasis en el lirismo suave, encantador y ligero. En ese momento, su forma de tocar cautivó con sutil gracia, penetrantes matices líricos, refinada integridad de cada detalle. Pasaron los años y Oistrakh se convirtió en un maestro de las formas grandes y monumentales, manteniendo sus antiguas cualidades.

En una primera etapa, su juego estuvo dominado por los “tonos de acuarela” con tendencia a una gama de colores iridiscentes, plateados, con transiciones imperceptibles de uno a otro. Sin embargo, en el Concierto de Khachaturian, de repente se mostró en una nueva capacidad. Parecía crear una imagen embriagadora y colorida, con profundos timbres "aterciopelados" de color sonoro. Y si en los conciertos de Mendelssohn, Tchaikovsky, en las miniaturas de Kreisler, Scriabin, Debussy, fue percibido como un intérprete de un talento puramente lírico, en el Concierto de Khachaturian apareció como un magnífico pintor de género; su interpretación de este Concierto se ha convertido en un clásico.

Una nueva etapa, una nueva culminación del desarrollo creativo de un artista increíble: el Concierto de Shostakovich. Imposible olvidar la impresión que dejó el estreno del Concierto interpretado por Oistrakh. Literalmente se transformó; su juego adquirió una escala "sinfónica", poder trágico, "sabiduría del corazón" y dolor para una persona, que son tan inherentes a la música del gran compositor soviético.

Al describir la actuación de Oistrakh, es imposible no notar su alta habilidad instrumental. Parece que la naturaleza nunca ha creado una fusión tan completa de hombre e instrumento. Al mismo tiempo, el virtuosismo de la interpretación de Oistrakh es especial. Tiene tanto brillo como vistosidad cuando la música lo requiere, pero no son lo principal, sino la plasticidad. La asombrosa ligereza y facilidad con la que el artista interpreta los pasajes más desconcertantes no tiene paralelo. La perfección de su aparato de interpretación es tal que obtienes un verdadero placer estético cuando lo ves tocar. Con una destreza incomprensible, la mano izquierda se mueve a lo largo del cuello. No hay sacudidas bruscas ni transiciones angulares. Cualquier salto se supera con absoluta libertad, cualquier estiramiento de los dedos, con la máxima elasticidad. El arco está "unido" a las cuerdas de tal manera que el timbre tembloroso y acariciador del violín de Oistrakh no se olvidará pronto.

Los años añaden más y más facetas a su arte. Se vuelve más profundo y... más fácil. Pero, evolucionando, avanzando constantemente, Oistrakh sigue siendo "él mismo": un artista de la luz y el sol, el violinista más lírico de nuestro tiempo.

Oistrakh nació en Odessa el 30 de septiembre de 1908. Su padre, un modesto oficinista, tocaba la mandolina, el violín y era un gran amante de la música; madre, cantante profesional, cantó en el coro de la Ópera de Odessa. Desde los cuatro años, el pequeño David escuchaba con entusiasmo las óperas en las que cantaba su madre, y en casa hacía representaciones y “dirigía” una orquesta imaginaria. Su musicalidad era tan evidente que se interesó por un conocido maestro que se hizo famoso por su trabajo con los niños, el violinista P. Stolyarsky. Desde los cinco años, Oistrakh comenzó a estudiar con él.

Estalló la Primera Guerra Mundial. El padre de Oistrakh fue al frente, pero Stolyarsky continuó trabajando con el niño de forma gratuita. En ese momento, tenía una escuela de música privada, que en Odessa se llamaba "fábrica de talentos". “Tenía un alma grande y ardiente como artista y un amor extraordinario por los niños”, recuerda Oistrakh. Stolyarsky le inculcó el amor por la música de cámara, lo obligó a tocar música en conjuntos escolares en la viola o el violín.

Después de la revolución y la guerra civil, se abrió el Instituto de Música y Drama en Odessa. En 1923, Oistrakh ingresó aquí y, por supuesto, en la clase de Stolyarsky. En 1924 dio su primer concierto en solitario y rápidamente dominó las obras centrales del repertorio para violín (conciertos de Bach, Tchaikovsky, Glazunov). En 1925 realizó su primer viaje de conciertos a Elizavetgrad, Nikolaev, Kherson. En la primavera de 1926, Oistrakh se graduó del instituto con brillantez, habiendo interpretado el Primer Concierto de Prokofiev, la Sonata “Trinos del diablo” de Tartini, la Sonata para viola y piano de A. Rubinstein.

Tengamos en cuenta que el Concierto de Prokofiev fue elegido como obra principal de examen. En ese momento, no todos podían dar un paso tan audaz. La música de Prokofiev fue percibida por unos pocos, fue difícil que ganara el reconocimiento de los músicos formados en los clásicos de los siglos XIX-XNUMX. El deseo de novedad, la comprensión rápida y profunda de lo nuevo siguió siendo una característica de Oistrakh, cuya evolución interpretativa se puede utilizar para escribir la historia de la música de violín soviética. Se puede decir sin exagerar que la mayoría de los conciertos para violín, sonatas, obras de formas grandes y pequeñas creadas por compositores soviéticos fueron interpretadas por primera vez por Oistrakh. Sí, y de la literatura extranjera de violín del siglo XIX, fue Oistrakh quien presentó a los oyentes soviéticos muchos fenómenos importantes; por ejemplo, con conciertos de Szymanowski, Chausson, el Primer Concierto de Bartók, etc.

Por supuesto, en el momento de su juventud, Oistrakh no podía entender la música del concierto de Prokofiev con la suficiente profundidad, como recuerda el propio artista. Poco después de que Oistrakh se graduara del instituto, Prokofiev vino a Odessa con conciertos de autor. En una velada organizada en su honor, Oistrakh, de 18 años, interpretó el scherzo del Primer Concierto. El compositor estaba sentado cerca del escenario. “Durante mi actuación”, recuerda Oistrakh, “su rostro se volvió cada vez más sombrío. Cuando estallaron los aplausos, no participó en ellos. Acercándose al escenario, ignorando el ruido y la emoción de la audiencia, le pidió al pianista que le cediera el paso y, volviéndose hacia mí con las palabras: "Joven, usted no toca en absoluto como debería", comenzó. mostrarme y explicarme la naturaleza de su música. . Muchos años después, Oistrakh le recordó a Prokofiev este incidente, y se avergonzó visiblemente cuando descubrió quién era el “joven desafortunado” que había sufrido tanto por él.

En los años 20, F. Kreisler tuvo una gran influencia en Oistrakh. Oistrakh conoció su actuación a través de grabaciones y quedó cautivado por la originalidad de su estilo. El enorme impacto de Kreisler en la generación de violinistas de los años 20 y 30 se suele considerar tanto positivo como negativo. Aparentemente, Kreisler era "culpable" de la fascinación de Oistrakh por una forma pequeña: miniaturas y transcripciones, en las que los arreglos de Kreisler y las obras originales ocupaban un lugar importante.

La pasión por Kreisler fue universal y pocos quedaron indiferentes a su estilo y creatividad. De Kreisler, Oistrakh adoptó algunas técnicas de interpretación: glissando, vibrato y portamento característicos. Quizás Oistrakh esté en deuda con la “escuela Kreisler” por la elegancia, la soltura, la suavidad, la riqueza de los tonos “de cámara” que nos cautivan en su juego. Sin embargo, todo lo que tomó prestado fue inusualmente procesado orgánicamente por él incluso en ese momento. La individualidad del joven artista resultó ser tan brillante que transformó cualquier "adquisición". En su etapa de madurez, Oistrakh dejó a Kreisler, poniendo las técnicas expresivas que una vez había adoptado de él al servicio de objetivos completamente diferentes. El deseo de psicologismo, la reproducción de un mundo complejo de emociones profundas lo llevó a los métodos de entonación declamatoria, cuya naturaleza es directamente opuesta a la letra elegante y estilizada de Kreisler.

En el verano de 1927, por iniciativa del pianista de Kyiv K. Mikhailov, Oistrakh conoció a AK Glazunov, que había venido a Kyiv para dirigir varios conciertos. En el hotel donde fue llevado Oistrakh, Glazunov acompañó al joven violinista en su Concierto para piano. Bajo la batuta de Glazunov, Oistrakh interpretó dos veces el Concierto en público con la orquesta. En Odessa, donde Oistrakh regresó con Glazunov, conoció a Polyakin, que estaba de gira allí, y después de un tiempo, con el director de orquesta N. Malko, quien lo invitó a su primer viaje a Leningrado. El 10 de octubre de 1928, Oistrakh hizo un exitoso debut en Leningrado; el joven artista ganó popularidad.

En 1928, Oistrakh se mudó a Moscú. Durante algún tiempo lleva la vida de un artista invitado, viajando por Ucrania con conciertos. De gran importancia en su actividad artística fue la victoria en el Concurso de Violín de Ucrania en 1930. Ganó el primer premio.

P. Kogan, director de la oficina de conciertos de orquestas y conjuntos estatales de Ucrania, se interesó por el joven músico. Excelente organizador, fue una figura destacada del “empresario-educador soviético”, como puede denominarse según la dirección y naturaleza de su actividad. Fue un verdadero propagandista del arte clásico entre las masas, y muchos músicos soviéticos guardan un buen recuerdo de él. Kogan hizo mucho para popularizar a Oistrakh, pero aún así el área principal de conciertos del violinista estaba fuera de Moscú y Leningrado. Solo en 1933 Oistrakh comenzó a abrirse camino también en Moscú. Su actuación con un programa compuesto por conciertos de Mozart, Mendelssohn y Tchaikovsky, interpretada en una sola velada, fue un acontecimiento del que habló la Moscú musical. Se escriben reseñas sobre Oistrakh, en las que se señala que su forma de tocar tiene las mejores cualidades de la generación joven de artistas soviéticos, que este arte es saludable, inteligible, alegre y de voluntad fuerte. Los críticos notan acertadamente las características principales de su estilo de interpretación, que eran característicos de él en esos años: una habilidad excepcional en la interpretación de obras de formato pequeño.

Al mismo tiempo, en uno de los artículos encontramos las siguientes líneas: “Sin embargo, es prematuro considerar que la miniatura es su género. No, la esfera de Oistrakh es música de formas plásticas y gráciles, música pura, optimista.

En 1934, por iniciativa de A. Goldenweiser, Oistrakh fue invitado al conservatorio. Aquí comenzó su carrera docente, que continúa hasta el presente.

Los años 30 fueron la época de los brillantes triunfos de Oistrakh en el escenario de toda la Unión y el mundo. 1935 - primer premio en el II Concurso de Músicos Interpretadores de toda la Unión en Leningrado; en el mismo año, unos meses después, el segundo premio en el Concurso Internacional de Violín Henryk Wieniawski en Varsovia (el primer premio fue para Ginette Neve, alumna de Thibaut); 1937 - primer premio en el Concurso Internacional de Violín Eugene Ysaye en Bruselas.

El último concurso, en el que seis de los siete primeros premios fueron para los violinistas soviéticos D. Oistrakh, B. Goldstein, E. Gilels, M. Kozolupova y M. Fikhtengolts, fue valorado por la prensa mundial como un triunfo del violín soviético. escuela. El miembro del jurado de la competencia, Jacques Thibault, escribió: “Estos son talentos maravillosos. La URSS es el único país que se ha ocupado de sus jóvenes artistas y ha brindado todas las oportunidades para su desarrollo. A partir de hoy, Oistrakh está ganando fama mundial. Quieren escucharlo en todos los países”.

Después de la competencia, sus participantes actuaron en París. El concurso abrió el camino para Oistrakh a amplias actividades internacionales. En casa, Oistrakh se convierte en el violinista más popular, compitiendo con éxito en este aspecto con Miron Polyakin. Pero lo principal es que su encantador arte atrae la atención de los compositores, estimulando su creatividad. En 1939, se creó el Concierto de Myaskovsky, en 1940 - Khachaturian. Ambos conciertos están dedicados a Oistrakh. La interpretación de los conciertos de Myaskovsky y Khachaturian fue percibida como un evento importante en la vida musical del país, fue el resultado y la culminación del período anterior a la guerra de la actividad del notable artista.

Durante la guerra, Oistrakh dio conciertos continuamente, tocando en hospitales, en la retaguardia y en el frente. Como la mayoría de los artistas soviéticos, está lleno de entusiasmo patriótico, en 1942 actúa en la sitiada Leningrado. Soldados y trabajadores, marineros y vecinos de la ciudad lo escuchan. “Los Oki vinieron aquí después de un duro día de trabajo para escuchar a Oistrakh, un artista del continente, de Moscú. El concierto aún no había terminado cuando se anunció la alerta de ataque aéreo. Nadie salió de la habitación. Tras el final del concierto, el artista fue recibido calurosamente. La ovación se intensificó especialmente cuando se anunció el decreto sobre la concesión del Premio Estatal a D. Oistrakh…”.

La guerra se acabó. En 1945, Yehudi Menuhin llegó a Moscú. Oistrakh toca un Concierto de Bach doble con él. En la temporada 1946/47 realizó en Moscú un grandioso ciclo dedicado a la historia del concierto para violín. Este acto recuerda a los famosos conciertos históricos de A. Rubinstein. El ciclo incluyó obras como conciertos de Elgar, Sibelius y Walton. Definió algo nuevo en la imagen creativa de Oistrakh, que desde entonces se ha convertido en su cualidad inalienable: el universalismo, el deseo de una amplia cobertura de la literatura de violín de todos los tiempos y pueblos, incluida la modernidad.

Después de la guerra, Oistrakh abrió perspectivas para una amplia actividad internacional. Su primer viaje tuvo lugar en Viena en 1945. Cabe destacar la reseña de su actuación: “… Sólo la madurez espiritual de su interpretación siempre estilizada lo convierte en un heraldo de gran humanidad, un músico verdaderamente significativo, cuyo lugar está en la primera fila de violinistas del mundo.”

En 1945-1947, Oistrakh se reunió con Enescu en Bucarest y con Menuhin en Praga; en 1951 fue nombrado miembro del jurado del Concurso Internacional Reina Isabel de Bélgica en Bruselas. En los años 50 toda la prensa extranjera lo catalogaba como uno de los más grandes violinistas del mundo. Mientras está en Bruselas, actúa con Thibault, quien dirige la orquesta en su concierto, interpretando conciertos de Bach, Mozart y Beethoven. Thiebaud está lleno de profunda admiración por el talento de Oistrakh. Las reseñas de su actuación en Düsseldorf en 1954 enfatizan la penetrante humanidad y espiritualidad de su actuación. “Este hombre ama a la gente, este artista ama lo bello, lo noble; ayudar a las personas a experimentar esta es su profesión”.

En estas reseñas, Oistrakh aparece como un intérprete que alcanza las profundidades del principio humanista en la música. La emotividad y el lirismo de su arte son psicológicos, y esto es lo que afecta a los oyentes. “¿Cómo resumir las impresiones del juego de David Oistrakh? – escribió E. Jourdan-Morrange. – Las definiciones comunes, por ditirámbicas que sean, son indignas de su arte puro. Oistrakh es el violinista más perfecto que he oído nunca, no sólo en cuanto a su técnica, que está a la altura de la de Heifetz, sino sobre todo porque esta técnica está totalmente volcada al servicio de la música. ¡Qué honestidad, qué nobleza en la ejecución!

En 1955, Oistrakh viajó a Japón y Estados Unidos. En Japón, escribieron: “El público de este país sabe apreciar el arte, pero es propenso a la moderación en la manifestación de los sentimientos. Aquí, literalmente se volvió loca. Estruendosos aplausos se fusionaron con gritos de “¡bravo!” y parecía ser capaz de aturdir. El éxito de Oistrakh en EE. UU. rayaba en el triunfo: “David Oistrakh es un gran violinista, uno de los grandes violinistas de nuestro tiempo. Oistrakh es genial no solo porque es un virtuoso, sino también porque es un músico espiritual genuino”. F. Kreisler, C. Francescatti, M. Elman, I. Stern, N. Milstein, T. Spivakovsky, P. Robson, E. Schwarzkopf, P. Monte escucharon a Oistrakh en el concierto en el Carnegie Hall.

“Me conmovió especialmente la presencia de Kreisler en la sala. Cuando vi al gran violinista, escuchando atentamente mi interpretación y luego aplaudiéndome de pie, todo lo que sucedió me pareció una especie de sueño maravilloso. Oistrakh conoció a Kreisler durante su segunda visita a los Estados Unidos en 1962-1963. Kreisler era en ese momento ya un hombre muy viejo. Entre los encuentros con grandes músicos, cabe mencionar también el encuentro con P. Casals en 1961, que dejó una profunda huella en el corazón de Oistrakh.

La línea más brillante en la actuación de Oistrakh es la música de conjunto de cámara. Oistrakh participó en veladas de cámara en Odessa; más tarde tocó en un trío con Igumnov y Knushevitsky, reemplazando al violinista Kalinovsky en este conjunto. En 1935 formó un conjunto de sonatas con L. Oborin. Según Oistrakh, sucedió así: fueron a Turquía a principios de los años 30 y allí tenían que tocar una sonata por la noche. Su “sentido de la música” resultó estar tan relacionado que surgió la idea de continuar con esta asociación aleatoria.

Numerosas actuaciones en veladas conjuntas acercaron a uno de los más grandes violonchelistas soviéticos, Svyatoslav Knushevitsky, a Oistrakh y Oborin. La decisión de crear un trío permanente llegó en 1940. La primera actuación de este notable conjunto tuvo lugar en 1941, pero una actividad concertística sistemática comenzó en 1943. El trío L. Oborin, D. Oistrakh, S. Knushevitsky durante muchos años (hasta 1962, cuando murió Knushevitsky) fue el orgullo de la música de cámara soviética. Numerosos conciertos de este conjunto invariablemente reunieron salas llenas de una audiencia entusiasta. Sus actuaciones se llevaron a cabo en Moscú, Leningrado. En 1952, el trío viajó a las celebraciones de Beethoven en Leipzig. Oborin y Oistrakh interpretaron el ciclo completo de las sonatas de Beethoven.

El juego del trío se distinguía por una rara coherencia. La notable cantilena densa de Knushevitsky, con su timbre sonoro, aterciopelado, perfectamente combinado con el sonido plateado de Oistrakh. Su sonido se complementó con el canto al piano de Oborin. En la música, los artistas revelaron y enfatizaron su lado lírico, su interpretación se distinguió por la sinceridad, la dulzura que salía del corazón. En general, el estilo de interpretación del conjunto puede llamarse lírico, pero con equilibrio y rigor clásicos.

El conjunto Oborin-Oistrakh todavía existe hoy. Sus veladas de sonatas dejan una impresión de integridad y plenitud estilísticas. La poesía inherente a la obra de Oborin se combina con la lógica característica del pensamiento musical; Oistrakh es un excelente socio en este sentido. Este es un conjunto de gusto exquisito, rara inteligencia musical.

Oistrakh es conocido en todo el mundo. Está marcado por muchos títulos; en 1959 la Royal Academy of Music de Londres lo eligió miembro honorario, en 1960 se convirtió en académico honorario de la St. Cecilia en Roma; en 1961, miembro correspondiente de la Academia Alemana de Artes en Berlín, así como miembro de la Academia Estadounidense de Ciencias y Artes en Boston. Oistrakh recibió las Órdenes de Lenin y la Insignia de Honor; se le otorgó el título de Artista del Pueblo de la URSS. En 1961 recibió el Premio Lenin, el primero entre los músicos soviéticos.

En el libro de Yampolsky sobre Oistrakh, los rasgos de su carácter se capturan de manera concisa y breve: energía indomable, trabajo duro, una mente crítica aguda, capaz de notar todo lo que es característico. Esto es evidente a partir de los juicios de Oistrakh sobre la interpretación de músicos destacados. Siempre sabe señalar lo más esencial, esbozar un retrato certero, hacer un análisis sutil del estilo, notar lo típico en la apariencia de un músico. Se puede confiar en sus juicios, ya que en su mayor parte son imparciales.

Yampolsky también destaca el sentido del humor: “Aprecia y ama la palabra certera y aguda, es capaz de reírse de manera contagiosa cuando cuenta una historia divertida o escucha una historia cómica. Al igual que Heifetz, puede copiar hilarantemente la forma de tocar de los violinistas principiantes”. Con la colosal energía que gasta todos los días, siempre es inteligente, comedido. En la vida cotidiana le encantan los deportes: en su juventud jugaba al tenis; un excelente automovilista, apasionado por el ajedrez. En los años 30, su compañero de ajedrez fue S. Prokofiev. Antes de la guerra, Oistrakh había sido presidente de la sección de deportes de la Casa Central de Artistas durante varios años y un maestro de ajedrez de primera clase.

En el escenario, Oistrakh es libre; no tiene la emoción que tanto eclipsa la actividad de variedades de un gran número de músicos. Recordemos cuán dolorosamente preocupados Joachim, Auer, Thiebaud, Huberman, Polyakin, cuánta energía nerviosa gastaron en cada actuación. Oistrakh ama el escenario y, como él mismo admite, solo las pausas significativas en las actuaciones lo emocionan.

El trabajo de Oistrakh va más allá del alcance de las actividades escénicas directas. Aportó mucho a la literatura violinística como editor; por ejemplo, su versión (junto con K. Mostras) del concierto para violín de Tchaikovsky es excelente, enriquece y corrige en gran medida la versión de Auer. Señalemos también el trabajo de Oistrakh en las dos sonatas para violín de Prokofiev. Los violinistas le deben el hecho de que la Segunda Sonata, originalmente escrita para flauta y violín, fue rehecha por Prokofiev para violín.

Oistrakh está constantemente trabajando en nuevas obras, siendo su primer intérprete. La lista de nuevas obras de compositores soviéticos, "lanzadas" por Oistrakh, es enorme. Por nombrar solo algunos: sonatas de Prokofiev, conciertos de Myaskovsky, Rakov, Khachaturian, Shostakovich. Oistrakh a veces escribe artículos sobre las piezas que ha tocado, y algunos musicólogos pueden envidiar su análisis.

Magníficos, por ejemplo, son los análisis del Concierto para violín de Myaskovsky, y especialmente de Shostakovich.

Oistrakh es un maestro excepcional. Entre sus alumnos se encuentran los laureados de concursos internacionales V. Klimov; su hijo, actualmente un destacado concertista solista I. Oistrakh, así como O. Parkhomenko, V. Pikaizen, S. Snitkovetsky, J. Ter-Merkeryan, R. Fine, N. Beilina, O. Krysa. Muchos violinistas extranjeros se esfuerzan por entrar en la clase de Oistrakh. Los franceses M. Bussino y D. Arthur, el turco E. Erduran, el violinista australiano M. Beryl-Kimber, D. Bravnichar de Yugoslavia, el búlgaro B. Lechev, los rumanos I. Voicu, S. Georgiou estudiaron con él. Oistrakh ama la pedagogía y trabaja en el aula con pasión. Su método se basa principalmente en su propia experiencia interpretativa. “Los comentarios que hace sobre tal o cual método de actuación son siempre concisos y sumamente valiosos; en cada palabra-consejo, muestra una profunda comprensión de la naturaleza del instrumento y las técnicas de interpretación del violín.

Da mucha importancia a la demostración directa sobre el instrumento por parte del profesor de la pieza que el alumno está estudiando. Pero solo mostrar, en su opinión, es útil principalmente durante el período en que el estudiante analiza el trabajo, porque además puede dificultar el desarrollo de la individualidad creativa del estudiante.

Oistrakh desarrolla hábilmente el aparato técnico de sus alumnos. En la mayoría de los casos, sus mascotas se distinguen por la libertad de posesión del instrumento. Al mismo tiempo, la atención especial a la tecnología no es de ninguna manera característica del maestro Oistrakh. Se interesa mucho más por los problemas de la educación musical y artística de sus alumnos.

En los últimos años, Oistrakh se ha interesado por la dirección. Su primera actuación como director tuvo lugar el 17 de febrero de 1962 en Moscú, acompañó a su hijo Igor, quien interpretó los conciertos de Bach, Beethoven y Brahms. “El estilo de dirección de Oistrakh es simple y natural, al igual que su manera de tocar el violín. Es tranquilo, tacaño con movimientos innecesarios. No suprime a la orquesta con el “poder” de su director, sino que proporciona al equipo de interpretación la máxima libertad creativa, apoyándose en la intuición artística de sus miembros. El encanto y la autoridad de un gran artista tienen un efecto irresistible en los músicos”.

En 1966, Oistrakh cumplió 58 años. Sin embargo, está lleno de energía creativa activa. Su habilidad todavía se distingue por la libertad, la perfección absoluta. Sólo se enriqueció con la experiencia artística de una larga vida, completamente entregada a su amado arte.

L.Raaben, 1967