Dmitri Bashkirov (Dmitri Bashkirov) |

Dmitri Bashkirov

Muchos de los jóvenes músicos que se conocieron a principios de los años cincuenta en el Conservatorio de Moscú probablemente recuerden la primera aparición en los pasillos de las aulas de un joven moreno, delgado, de movimientos impetuosos y vivaces expresiones faciales en un rostro móvil y expresivo. Su nombre era Dmitry Bashkirov, sus camaradas pronto comenzaron a llamarlo simplemente Delik. Poco se sabía de él. Se dijo que se graduó de la escuela de música de diez años de Tbilisi con Anastasia Davidovna Virsaladze. Una vez, en uno de los exámenes, Alexander Borisovich Goldenweiser lo escuchó; lo escuchó, quedó encantado y le aconsejó que completara su educación en la capital.

El nuevo alumno de Goldenweiser tenía mucho talento; Mirándolo, una persona emocional rara y directa, no fue difícil darse cuenta: tan apasionadamente y desinteresadamente, con una entrega tan generosa, solo las naturalezas verdaderamente dotadas pueden reaccionar al entorno como él...

Dmitry Aleksandrovich Bashkirov se hizo ampliamente conocido como concertista a lo largo de los años. Allá por 1955, recibió el Gran Premio en el concurso M. Long – J. Thibault de París; esto lanzó su carrera teatral. Ahora tiene cientos de actuaciones a sus espaldas, fue aplaudido en Novosibirsk y Las Palmas, Chisinau y Filadelfia, en las pequeñas ciudades del Volga y en las grandes salas de conciertos de fama mundial. El tiempo ha cambiado mucho en su vida. Mucho menos en su carácter. Él, como antes, es impulsivo, como si el mercurio fuera cambiante y rápido, cada minuto está listo para dejarse llevar por algo, para prenderse fuego...

Las propiedades de la naturaleza Bashkir, que se mencionaron, son claramente visibles en su arte. Los colores de este arte no se han desvanecido y desvanecido con los años, no han perdido su riqueza, intensidad, iridiscencia. El pianista toca, como antes, excitado; de lo contrario, ¿cómo podría preocuparse? Quizás no había razón para que nadie reprochara a Bashkirov, el artista, por la indiferencia, la apatía espiritual, la saciedad con la búsqueda creativa. Para esto, es demasiado inquieto como persona y artista, ardiendo constantemente con una especie de fuego interior inextinguible. Esta puede ser la razón de algunos de sus fracasos escénicos. Sin duda, en cambio, es precisamente de aquí, de la inquietud creativa y de la mayoría de sus realizaciones.

En las páginas de la prensa crítica musical, a menudo se llama a Bashkirov un pianista romántico. De hecho, representa claramente modernas romanticismo. (VV Sofronitsky, hablando con V. Yu. Delson, dejó caer: "Después de todo, también existe el romanticismo moderno, y no solo el romanticismo del siglo XIX, ¿estás de acuerdo?" (Memorias de Sofronitsky. S. 199.)). Cualquiera que sea el compositor que Bashkirov interprete, Bach o Schumann, Haydn o Brahms, siente la música como si fuera creada hoy. Para los asistentes a conciertos de su tipo, el autor es siempre un contemporáneo: sus sentimientos se experimentan como propios, sus pensamientos se vuelven propios. No hay nada más extraño para estos asistentes al concierto que la estilización, la “representación”, una falsificación por arcaico, una demostración de una reliquia de museo. Esto es una cosa: la sensación musical del artista. nuestros estaba, nuestro días. Hay algo más, que también nos permite hablar de Bashkirov como un típico representante de las artes escénicas contemporáneas.

Tiene un pianismo preciso y magistralmente elaborado. Solía ​​creerse que la creación de música romántica consiste en impulsos desenfrenados, arrebatos espontáneos de sentimientos, un espectáculo de puntos sonoros brillantemente coloridos, aunque un tanto informes. Los conocedores escribieron que los artistas románticos gravitan hacia "vagos, iridiscentes, ilegibles y brumosos", que están "lejos del dibujo de joyas de bagatelas". (Martins KA Técnica de piano individual. – M., 1966. S. 105, 108.). Ahora los tiempos han cambiado. Se han modificado criterios, juicios, gustos. En la era inexorablemente estricta de grabaciones de gramófono, transmisiones de radio y televisión, las "nebulosas" y la "vaguedad" del sonido no son perdonadas por nadie, a nadie y bajo ninguna circunstancia. Bashkirov, un romántico de nuestros días, es moderno, entre otras cosas, por el cuidadoso "hecho" de su aparato de interpretación, la hábil depuración de todos sus detalles y enlaces.

Es por eso que su música es buena y requiere una integridad incondicional de la decoración externa, "dibujo de joyas de bagatelas". La lista de sus éxitos interpretativos la abren cosas como los preludios de Debussy, las mazurcas de Chopin, "Fleeting" y la Cuarta Sonata de Prokofiev, "Colored Leaves" de Schumann, Fantasía y novela corta en fa sostenido menor, mucho de Schubert, Liszt, Scriabin, Ravel . Hay muchas cosas interesantes que atraen a los oyentes en su repertorio clásico: Bach (concierto en fa menor), Haydn (sonata en mi bemol mayor), Mozart (conciertos: noveno, decimocuarto, decimoséptimo, vigésimo cuarto), Beethoven (sonatas: “ Lunar”, “Pastoral”, Décimo Octavo, conciertos: Primero, Tercero, Quinto). En una palabra, todo lo que gana en la transmisión escénica de Bashkirov es donde en primer plano hay un patrón de sonido elegante y claro, una persecución elegante de la textura instrumental.

(Anteriormente se dijo que aquellos que tocan el piano, como los pintores, usan diferentes técnicas de "escritura": algunos como un lápiz de sonido afilado, otros como gouache o acuarela, y otros como pinturas al óleo de pedal pesado. Bashkirov se asocia a menudo con un pianista-grabador: patrón de sonido delgado sobre un fondo emocional brillante...)

Como muchas personas verdaderamente dotadas, Bashkirov cambia por la felicidad creativa. Sabe ser autocrítico: “Creo que tuve éxito en esta obra”, se puede escuchar de él después del concierto, “pero esta no lo es. La emoción se interpuso en el camino... Algo "cambió", resultó estar fuera de "enfoque", no de la forma en que se pretendía. Se sabe que la emoción interfiere con todos: debutantes y maestros, músicos, actores e incluso escritores. “El momento en el que más me emociono no es cuando puedo escribir cosas que conmueven al espectador”, admitió Stendhal; él es repetido en esto por muchas voces. Y, sin embargo, para algunos, la emoción está cargada de grandes obstáculos y problemas, para otros, menos. Las naturalezas fácilmente excitables, nerviosas y expansivas tienen más dificultades.

En momentos de gran emoción en el escenario, Bashkirov, a pesar de su voluntad, acelera la actuación y se emociona un poco. Esto suele suceder al comienzo de sus actuaciones. Sin embargo, gradualmente, su forma de tocar se vuelve normal, las formas de sonido ganan claridad, las líneas, confianza y precisión; con un oído experimentado, uno siempre puede captar cuando un pianista logra derribar una ola de ansiedad escénica excesiva. Un experimento interesante se organizó por casualidad en una de las noches de Bashkirov. Tocó la misma música dos veces seguidas: el final del Decimocuarto Concierto para piano de Mozart. La primera vez, un poco apresurada y emocionada, la segunda (para un bis), más contenida en el ritmo, con más calma y autocontrol. Fue interesante observar cómo la situaciónmenos emoción“Transformó el juego, dio un resultado artístico diferente y superior.

Las interpretaciones de Bashkirov tienen poco en común con las plantillas habituales, muestras de interpretación familiares; esta es su ventaja obvia. Pueden ser (y son) controvertidos, pero no incoloros, demasiado subjetivos, pero no insípidos. En los conciertos del artista, es casi imposible encontrarse con personas indiferentes, no se le trata con esos elogios corteses e insignificantes que generalmente se otorgan a la mediocridad. El arte de Bashkirov es aceptado cálida y entusiastamente o, con no menos fervor e interés, discuten con el pianista, en desacuerdo con él en algunos aspectos y en desacuerdo con él. Como artista, está familiarizado con la “oposición” creativa; en principio, esto puede y debe acreditarse.

Algunos dicen: en el juego de Bashkirov, dicen, hay mucho externo; a veces es teatral, pretencioso… Probablemente, en tales afirmaciones, aparte de diferencias de gustos bastante naturales, hay una incomprensión de la naturaleza misma de su actuación. ¿Es posible no tener en cuenta las características tipológicas individuales de este o aquel artístico | ¿personalidad? Bashkirov el concertante - tal es su naturaleza - siempre efectivamente "miraba" desde el exterior; brillante y brillantemente se reveló a sí mismo en lo externo; lo que sería un alarde escénico o un rasgueo para otro, sólo tiene una expresión orgánica y natural de su “yo” creativo. (El teatro mundial recuerda a Sarah Bernhardt con sus modales casi excéntricos en el escenario, recuerda a la modesta, a veces discreta en apariencia, Olga Osipovna Sadovskaya; en ambos casos era un gran arte real). conducen a un subtexto distante, casi indistinguible. Si vamos a tomar la posición de un crítico, entonces más bien en una ocasión diferente.

Sí, el arte del pianista le da a la audiencia emociones abiertas y fuertes. ¡Gran calidad! En el escenario de un concierto, a menudo te encuentras con una escasez, en lugar de un exceso. (Por lo general, "se quedan cortos" en la manifestación de los sentimientos, y no al revés). Sin embargo, en sus estados psicológicos (excitación extática, impulsividad, etc.), Bashkirov a veces, al menos antes, era algo uniforme. Se puede citar como ilustración su interpretación de la sonata en si bemol menor de Glazunov: le faltaba amplitud épica. O el Segundo Concierto de Brahms: detrás de los deslumbrantes fuegos artificiales de las pasiones, en años pasados, la reflexión introspectiva del artista no siempre se sintió en él. De las interpretaciones de Bashkirov había una expresión al rojo vivo, una corriente de alta tensión nerviosa. Y el oyente a veces comenzaba a sentir un anhelo de modulaciones hacia otras tonalidades emocionales más distantes, hacia otras esferas de sentimientos más contrastantes.

Sin embargo, hablando ahora de antes el primero. Las personas que conocen bien las artes escénicas de Bashkirov constantemente encuentran cambios, cambios y transformaciones artísticas interesantes en él. O uno puede ver la selección del repertorio del artista más precisa, o se revelan métodos de expresividad previamente desconocidos (en los últimos años, por ejemplo, las partes lentas de los ciclos de sonatas clásicas han sonado de alguna manera especialmente limpias y conmovedoras). Sin duda, su arte se enriquece con nuevos descubrimientos, más complejos y variados matices emocionales. Esto se pudo ver, en particular, en la interpretación de Bashkirov de los conciertos de KFE, Fantasía y Sonata en do menor de Mozart, versión para piano del Concierto para violín, op. 1987 de Beethoven, etc.)

Bashkirov es un gran conversador. Es curioso e inquisitivo por naturaleza; se interesa por muchas cosas; hoy, como en su juventud, mira de cerca todo lo relacionado con el arte, con la vida. Además, Bashkirov sabe cómo formular sus pensamientos de manera clara y clara; no es casualidad que haya publicado varios artículos sobre los problemas de la interpretación musical.

"Siempre he dicho", comentó una vez Dmitry Alexandrovich en una conversación, "que en la creatividad escénica lo principal y más importante está determinado por el almacén mismo del talento del artista: su características y propiedades personales individuales. Es con esto que se conecta el enfoque del artista intérprete o ejecutante de ciertos fenómenos artísticos, la interpretación de obras individuales. La crítica y parte del público, en ocasiones, no tiene en cuenta esta circunstancia, juzgando el juego del artista de forma abstracta, en función de cómo según el Me encantaría escuchar la música que suena. Esto es completamente falso.

Con el paso de los años, en general, creo cada vez menos en la existencia de algunas fórmulas congeladas e inequívocas. Por ejemplo, cómo es necesario (o, por el contrario, no necesario) interpretar tal autor, tal ensayo. La práctica muestra que las decisiones de desempeño pueden ser muy diferentes e igualmente convincentes. Aunque esto no significa, por supuesto, que el artista tenga derecho a la voluntad propia oa la arbitrariedad estilística.

Otra pregunta. ¿Es necesario en el momento de la madurez, con 20-30 años de experiencia profesional a sus espaldas, tocar el piano? más, que en la juventud? O viceversa: ¿es más razonable reducir la intensidad de las cargas de trabajo con la edad? Hay diferentes visiones y puntos de vista al respecto. "Me parece que la respuesta aquí solo puede ser puramente individual", cree Bashkirov. “Hay intérpretes a los que llamamos virtuosos natos; ciertamente necesitan menos esfuerzo para mantenerse en buena forma. Y hay otros. A los que nunca se les ha dado nada así, por supuesto, sin esfuerzo. Naturalmente, tienen que trabajar incansablemente toda su vida. Y en años posteriores aún más que en la juventud.

En realidad, debo decir que entre los grandes músicos, casi nunca encontré a aquellos que, con los años, con la edad, debilitarían sus exigencias sobre sí mismos. Por lo general, sucede lo contrario”.

Desde 1957, Bashkirov enseña en el Conservatorio de Moscú. Además, con el tiempo, el papel y la importancia de la pedagogía para él es cada vez mayor. “En mi juventud, a menudo alardeaba de que, según dicen, tenía tiempo para todo, tanto para enseñar como para preparar conciertos. Y que uno no sólo no es un estorbo para el otro, sino quizás incluso al revés: uno apoya, refuerza al otro. Hoy en día, no discutiría esto... El tiempo y la edad aún hacen sus propios ajustes: no se puede evaluar algo de manera diferente. Hoy en día, tiendo a pensar que la enseñanza crea ciertas dificultades para la interpretación de conciertos, la limita. Aquí hay un conflicto que está constantemente tratando de resolver y, desafortunadamente, no siempre con éxito.

Por supuesto, lo dicho anteriormente no significa que cuestione la necesidad o conveniencia del trabajo pedagógico para mí. ¡De ninguna manera! Se ha convertido en una parte tan importante e integral de mi existencia que no hay dilemas al respecto. Solo expongo los hechos tal como son”.

Actualmente, Bashkirov da alrededor de 55 conciertos por temporada. Esta cifra es bastante estable para él y prácticamente no ha cambiado durante varios años. “Sé que hay gente que rinde mucho más. No veo nada sorprendente en esto: cada uno tiene diferentes reservas de energía, resistencia, fuerza física y mental. Lo principal, creo, no es cuánto jugar, sino cómo. Es decir, el valor artístico de las actuaciones es importante ante todo. Porque el sentimiento de responsabilidad por lo que haces en el escenario crece constantemente.

Hoy, continúa Dmitry Aleksandrovich, es muy difícil ocupar un lugar digno en la escena musical e interpretativa internacional. Necesidad de jugar con la suficiente frecuencia; jugar en diferentes ciudades y países; ejecutar varios programas. Y, por supuesto, darlo todo. a un nivel profesional bastante alto. Solo bajo tales condiciones, el artista, como dicen, estará a la vista. Por supuesto, para alguien que se dedica a la pedagogía, esto es más difícil que para alguien que no es profesor. Por lo tanto, muchos jóvenes asistentes a conciertos esencialmente ignoran la enseñanza. Y en algún lugar se pueden entender, dada la competencia cada vez mayor en el mundo artístico…”

Volviendo a la conversación sobre su propio trabajo pedagógico, Bashkirov dice que, en general, se siente completamente feliz con él. Feliz porque tiene alumnos, una comunicación creativa con la que le trajo -y le sigue dando- una gran alegría. “Si miras a los mejores de ellos, debes admitir que el camino a la fama no estuvo sembrado de rosas para nadie. Si han logrado algo, es principalmente a través de sus propios esfuerzos. Y la capacidad de autodesarrollo creativo (que considero lo más importante para un músico). Mi viabilidad artística lo demostraron no por el número de serie en esta o aquella competencia, sino por el hecho de que juegan hoy en los escenarios de muchos países del mundo.

Me gustaría decir una palabra especial sobre algunos de mis alumnos. Muy brevemente. Literalmente en pocas palabras.

Dmitri Alekseev. me gusta en eso conflicto internoque yo, como su maestro, conozco bien. Conflicto en el mejor sentido de la palabra. Puede que no sea muy visible a primera vista, más bien escondido que llamativo, pero existe, existe, y esto es muy importante. Alekseev es claramente consciente de sus fortalezas y debilidades, entiende que la lucha entre ellos y significa avanzar en nuestra profesión. Este movimiento puede fluir con él, como con los demás, suave y uniformemente, o puede tomar la forma de crisis y avances inesperados hacia nuevas esferas creativas. No importa cómo. Es importante que el músico vaya adelante. Sobre Dmitry Alekseev, me parece, esto se puede decir sin temor a caer en la exageración. Su alto prestigio internacional no es casual.

Nikolái Demidenko. Hubo una actitud un tanto condescendiente hacia él en un momento. Algunos no creían en su futuro artístico. ¿Qué puedo decir sobre esto? Se sabe que algunos ejecutantes maduran antes, más rápido (a veces incluso maduran demasiado rápido, como algunos de los geeks que se queman por el momento, por el momento), para otros este proceso es más lento, más tranquilo. Les lleva años desarrollarse por completo, madurar, valerse por sí mismos, sacar lo mejor que tienen... Hoy, Nikolay Demidenko tiene una rica práctica, juega mucho en varias ciudades de nuestro país y en el extranjero. No llego a escucharlo muy a menudo, pero cuando voy a sus actuaciones, veo que muchas de las cosas que hace ahora no son las mismas que antes. A veces casi no reconozco en su interpretación de aquellas obras que aprobamos en la clase. Y para mí, como docente, esta es la mayor recompensa…

Serguéi Erokhin. En el VIII Concurso Tchaikovsky, estuvo entre los laureados, pero la situación en este concurso era muy difícil para él: acababa de desmovilizarse de las filas del Ejército Soviético y, naturalmente, estaba lejos de su mejor forma creativa. En el tiempo que ha pasado desde la competencia, Sergei ha tenido, me parece, un gran éxito. Permítanme recordarles al menos su segundo premio en un concurso en Santander (España), sobre el cual uno de los periódicos influyentes de Madrid escribió: "Las actuaciones de Sergey Erokhin valieron no solo el primer premio, sino todo el concurso". En resumen, no tengo ninguna duda de que Sergei tiene un futuro artístico brillante. Además, nació, en mi opinión, no para concursos, sino para el escenario de conciertos.

Alexander Bonduryanski. Se dedicó por completo a la música de cámara. Durante varios años, Alexander ha estado actuando como parte del Trío de Moscú, cimentándolo con su voluntad, entusiasmo, devoción, dedicación y gran profesionalismo. Sigo sus actividades con interés, estoy convencido una y otra vez de lo importante que es para un músico encontrar su propio camino. Me gustaría pensar que el punto de partida del interés de Bonduryansky en la creación de música de conjunto de cámara fue su observación de mi trabajo creativo conjunto en un trío con I. Bezrodny y M. Khomitser.

Eiro Heinonen. En su casa, en Finlandia, es uno de los pianistas y profesores más famosos (ahora es profesor en la Academia Sibelius de Helsinki). Recuerdo con placer mis encuentros con él.

Dang Thai Sean. Estudié con él cuando era estudiante de posgrado en el Conservatorio de Moscú; se reunió con él más tarde. Tuve impresiones extremadamente agradables de los contactos con Sean, una persona y un artista. Es listo, inteligente, encantador y sorprendentemente talentoso. Hubo un momento en que vivió algo así como una crisis: se encontró en un espacio cerrado de un solo estilo, e incluso allí a veces se veía poco diverso y multifacético… Sean superó ampliamente este período de crisis; la profundidad del pensamiento interpretativo, la escala de los sentimientos, el dramatismo aparecido en su interpretación… Tiene un magnífico presente pianístico y, sin duda, un futuro no menos envidiable.

Hay otros jóvenes músicos interesantes y prometedores en mi clase hoy. Pero todavía están creciendo. Por lo tanto, me abstendré de hablar de ellos.

Como todo maestro talentoso, Bashkirov tiene su propio estilo de trabajar con los estudiantes. No le gusta recurrir a categorías y conceptos abstractos en el aula, no le gusta alejarse mucho de la obra que está estudiando. Utiliza con poca frecuencia, según sus propias palabras, paralelismos con otras artes, como hacen algunos de sus colegas. Parte del hecho de que la música, la más universal de todas las formas de arte, tiene sus propias leyes, sus propias “reglas”, su propia especificidad artística; por lo tanto, intenta llevar al estudiante a una solución puramente musical a través de la esfera no musical son algo artificiales. En cuanto a las analogías con la literatura, la pintura, etc., sólo pueden impulsar la comprensión de la imagen musical, pero no sustituirla por otra cosa. Sucede que estas analogías y paralelismos incluso dañan la música, la simplifican… “Creo que es mejor explicarle al estudiante lo que quiere con la ayuda de expresiones faciales, el gesto de un director y, por supuesto, una exhibición en vivo en el teclado.

Sin embargo, puedes enseñar de esta manera y de esa otra... De nuevo, no puede haber una fórmula única y universal en este caso.”

Constante y persistentemente vuelve a este pensamiento: no hay nada peor que el sesgo, el dogmatismo, la unidimensionalidad en el enfoque del arte. “El mundo de la música, en particular la interpretación y la pedagogía, es infinitamente diverso. Aquí pueden y deben coexistir plenamente las más diversas áreas de valor, verdades artísticas y soluciones creativas específicas. Sucede que algunas personas argumentan así: me gusta, significa que es bueno; Si no te gusta, definitivamente es malo. Tal lógica, por así decirlo, me es profundamente ajena. Trato de hacerlo extraño para mis alumnos también”.

… Arriba, Bashkirov habló sobre el conflicto interno de su alumno Dmitry Alekseev, conflicto “en el mejor sentido de la palabra”, que “significa avanzar en nuestra profesión”. Aquellos que conocen de cerca a Dmitry Alexandrovich estarán de acuerdo en que, en primer lugar, tal conflicto se nota en sí mismo. Fue ella quien, combinada con un cauteloso rigor consigo mismo (una vez, hace 7 u 8 años, Bashkirov dijo que solía darse algo así como calificaciones por desempeño: "Los puntos, a decir verdad, suelen ser bajos ... En un año usted tengo que dar docenas de conciertos. Estoy realmente satisfecho en el mejor de los casos con algunos ... "En este sentido, involuntariamente me viene a la mente un episodio, que a GG Neuhaus le gustaba recordar:" Leopold Godovsky, mi glorioso maestro, una vez me dijo: "Yo Di en esta temporada 83 conciertos, y ¿sabes de cuántos me complací?, ¡tres! (Neigauz GG Reflexiones, memorias, diarios // Artículos seleccionados. Cartas a los padres. P. 107).) – y lo ayudó a convertirse en una de las figuras más destacadas del pianismo de su generación; es ella quien traerá al artista, sin duda, muchos más descubrimientos creativos.

G. Tsipin, 1990