Karl Ilich Eliasberg |

Carlos Eliasberg

9 de agosto de 1942. En boca de todos – “Leningrado – bloqueo – Shostakovich – 7ª sinfonía – Eliasberg”. Luego, la fama mundial llegó a Karl Ilich. Han pasado casi 65 años desde aquel concierto, y han pasado casi treinta años desde la muerte del director. ¿Cómo se ve hoy la figura de Eliasberg?

A los ojos de sus contemporáneos, Eliasberg fue uno de los líderes de su generación. Sus rasgos distintivos eran un raro talento musical, audición "imposible" (según la definición de Kurt Sanderling), honestidad e integridad "independientemente de las caras", determinación y diligencia, educación enciclopédica, precisión y puntualidad en todo, la presencia de su método de ensayo desarrollado a lo largo de los años. (Aquí se recuerda a Yevgeny Svetlanov: "En Moscú, hubo un litigio constante entre nuestras orquestas por Karl Ilich. Todos querían tenerlo. Todos querían trabajar con él. Los beneficios de su trabajo fueron enormes".) Además, Eliasberg fue conocido como un excelente acompañante, y se destacó entre sus contemporáneos al interpretar la música de Taneyev, Scriabin y Glazunov, y junto a ellos JS Bach, Mozart, Brahms y Bruckner.

¿Qué objetivo se planteó este músico, tan valorado por sus contemporáneos, a qué idea sirvió hasta los últimos días de su vida? Aquí llegamos a una de las principales cualidades de Eliasberg como director.

Kurt Sanderling, en sus memorias de Eliasberg, dijo: “El trabajo de un músico de orquesta es difícil”. Sí, Karl Ilich entendió esto, pero continuó "presionando" a los equipos que se le encomendaron. Y ni siquiera es que físicamente no pudiera soportar la falsedad o la ejecución aproximada del texto del autor. Eliasberg fue el primer director de orquesta ruso en darse cuenta de que “no se puede ir muy lejos en el carruaje del pasado”. Incluso antes de la guerra, las mejores orquestas europeas y americanas alcanzaron posiciones de interpretación cualitativamente nuevas, y el joven gremio de orquestas rusas no debería (incluso en ausencia de una base material e instrumental) quedarse atrás de las conquistas mundiales.

En los años de la posguerra, Eliasberg realizó muchas giras, desde los estados bálticos hasta el Lejano Oriente. Tenía cuarenta y cinco orquestas en su práctica. Los estudiaba, conocía sus fortalezas y debilidades, llegando a menudo con anticipación para escuchar a la banda antes de sus ensayos (para prepararse mejor para el trabajo, para tener tiempo de hacer ajustes al plan de ensayo y partes orquestales). El don de análisis de Eliasberg lo ayudó a encontrar formas elegantes y eficientes de trabajar con orquestas. He aquí sólo una observación hecha sobre la base del estudio de los programas sinfónicos de Eliasberg. Se hace evidente que a menudo interpretaba las sinfonías de Haydn con todas las orquestas, no simplemente porque amaba esta música, sino porque la usaba como sistema metodológico.

Las orquestas rusas nacidas después de 1917 perdieron en su educación los elementos básicos simples que son naturales para la escuela sinfónica europea. La “Orquesta de Haydn”, sobre la que creció el sinfonismo europeo, de la mano de Eliasberg fue un instrumento necesario para llenar este vacío en la escuela sinfónica doméstica. ¿Justo? Evidentemente, pero había que entenderlo y ponerlo en práctica, como hizo Eliasberg. Y este es sólo un ejemplo. Hoy, comparando las grabaciones de las mejores orquestas rusas de hace cincuenta años con las modernas y mucho mejores interpretaciones de nuestras orquestas “de pequeñas a grandes”, se comprende que el trabajo desinteresado de Eliasberg, que comenzó su carrera casi solo, no estuvo en vano. Se produjo un proceso natural de transferencia de experiencia: los músicos orquestales contemporáneos, habiendo pasado por el crisol de sus ensayos, “saltando por encima de sus cabezas” en sus conciertos, ya como profesores elevaban el nivel de exigencia profesional de sus alumnos. Y la próxima generación de músicos de orquesta, por supuesto, comenzó a tocar más limpio, más precisamente, se volvió más flexible en los conjuntos.

Para ser justos, notamos que Karl Ilich no podría haber logrado el resultado solo. Sus primeros seguidores fueron K. Kondrashin, K. Zanderling, A. Stasevich. Luego, la generación de la posguerra se "conectó": K. Simeonov, A. Katz, R. Matsov, G. Rozhdestvensky, E. Svetlanov, Yu. Temirkanov, Yu. Nikolaevsky, V. Verbitsky y otros. Muchos de ellos posteriormente se llamaron orgullosamente estudiantes de Eliasberg.

Hay que decir que, para crédito de Eliasberg, mientras influía en otros, se desarrolló y mejoró a sí mismo. De un director duro y que “exprimía el resultado” (según los recuerdos de mis maestros), pasó a ser un maestro tranquilo, paciente y sabio, así lo recordamos los orquestas de los años 60 y 70. Aunque su severidad se mantuvo. En ese momento, ese estilo de comunicación entre el director y la orquesta nos parecía seguro. Y solo más tarde nos dimos cuenta de lo afortunados que éramos al comienzo de nuestra carrera.

En el diccionario moderno, los epítetos "estrella", "genio", "hombre-leyenda" son un lugar común, ya que hace mucho tiempo que perdieron su significado original. La intelectualidad de la generación de Eliasberg estaba disgustada por la cháchara verbal. Pero en relación a Eliasberg, el uso del epíteto “legendario” nunca pareció pretencioso. El propio portador de esta "fama explosiva" se avergonzaba de ello, no se consideraba de alguna manera mejor que los demás, y en sus historias sobre el asedio, la orquesta y otros personajes de la época eran los personajes principales.

Víctor Kozlov