Lección 4
Contenido
Uno de los conceptos más complejos de la teoría musical es la polifonía musical. Sin embargo, esta es también una de las categorías más importantes, sin la cual es imposible entender la música orquestal, o cantar un hermoso dúo de una melodía compleja con acompañamiento musical completo, o incluso grabar y mezclar una pista simple, donde , además de sonido de voz, guitarra, bajo y batería.
Así que empecemos.
El plan de acción es claro, ¡manos a la obra!
El concepto de polifonía
El término “polifonía” derivado del latín polyphonia, donde poly significa "muchos" y phonia se traduce como "sonido". Polifonía significa el principio de agregar sonidos (voces y melodías) sobre la base de la igualdad funcional.
Esta es la llamada polifonía, es decir, el sonido simultáneo de dos o más melodías y/o voces. La polifonía implica la fusión armónica de varias voces y/o melodías independientes en una sola pieza musical.
Además, la disciplina del mismo nombre “Polifonía” se imparte en instituciones educativas musicales en las facultades y departamentos de arte del compositor y musicología.
El término extranjero polifonía en ruso no ha sufrido transformaciones significativas, excepto por la escritura en cirílico en lugar de latín. Y, al parecer, obedece a la regla "como se oye, así se escribe". El matiz es que todos escuchan este término de manera diferente, y los acentos también se colocan de manera diferente.
Entonces, en el "Diccionario de la lengua eslava eclesiástica y rusa", publicado por la Academia Imperial de Ciencias en 1847, se prescribe enfatizar la segunda "o" en la palabra "polifonía" y la segunda "y" en la palabra “polifónico” [Diccionario, V.3, 1847]. Esto es lo que parece página en esta edición:
Desde mediados del siglo XX y hasta el día de hoy, dos variantes de acento coexisten pacíficamente en el idioma ruso: en la última "o" y en la segunda letra "i". Entonces, en la "Gran Enciclopedia Soviética" se propone poner énfasis en la última "o" [V. Fraenov, 20]. Aquí captura de pantalla de la página TSB:
En el Diccionario explicativo, editado por el lingüista Sergei Kuznetsov, en la palabra "polifonía" la segunda letra "i" está subacentuada [S. Kuznetsov, 2000]. En la palabra “polifónico” el énfasis está en la letra “y”, como en ediciones anteriores:
Tenga en cuenta que Google Translate admite la última opción, y si ingresa la palabra "polifonía" en la columna de traducción y hace clic en el ícono del altavoz, escuchará claramente el acento en la última letra "y". icono de altavoz en un círculo rojo en la imagen:
Ahora que hemos entendido, en general, qué es la polifonía y cómo pronunciar correctamente esta palabra, podemos profundizar en el tema.
Origen y desarrollo de la polifonía
La polifonía es un fenómeno bastante complejo en la música y tiene sus propias características en diferentes culturas. Así, en los países del Este, la polifonía inicialmente tuvo una base predominantemente instrumental. En otras palabras, los instrumentos musicales de cuerdas múltiples, los conjuntos de cuerdas, el acompañamiento de cuerdas del canto estaban muy extendidos allí. En los países occidentales, la polifonía era más vocal. Era canto coral, incluso acapella (sin acompañamiento musical).
El desarrollo de la polifonía en la etapa inicial suele denominarse el término “heterofonía”, es decir, disonancia. Así, allá por el siglo VII, se adoptó la práctica de añadir una, dos o más voces sobre el sonido del coral, es decir, el canto litúrgico.
En la era de la Edad Media y el Renacimiento, el motete se generalizó: voces de muchas voces. No era un coral más una superestructura de voces en estado puro. Esta ya era una obra vocal más compleja, aunque en ella se notan mucho los elementos corales. En general, el motete se ha convertido en una forma musical híbrida que ha absorbido las tradiciones del canto eclesiástico y secular.
El canto de la iglesia también progresó técnicamente. Así, en la Edad Media, se generalizó la llamada Misa Católica. Se basaba en la alternancia de partes solistas y corales. En general, las misas y los motetes de los siglos XV y XVI utilizaron todo el arsenal de polifonía de manera bastante activa. El estado de ánimo se creó aumentando y disminuyendo la densidad del sonido, diferentes combinaciones de voces altas y bajas, la inclusión gradual de voces individuales o grupos de voces.
También se desarrolló una tradición de canto exclusivamente secular. Entonces, en el siglo XVI, un formato de canción como mandrigal está ganando popularidad. Se trata de una obra a dos o tres voces, por regla general, de contenido lírico amoroso. Los inicios de esta cultura de la canción aparecieron ya en el siglo XIV, pero en ese momento no recibieron mucho desarrollo. Los madrigales de los siglos XVI-XVII se caracterizan por la variedad de ritmos, la libertad de dirección de la voz, el uso de la modulación (transición a otra tonalidad al final de la obra).
El término “richecar” proviene del francés rechercher, que significa “buscar” (¿recuerdas el famoso Cherchez la femme?) y, en relación con la música, puede interpretarse de diferentes formas. Inicialmente, el término significaba la búsqueda de la entonación, más tarde, la búsqueda y el desarrollo de motivos. Las formas más famosas de richecar son una pieza para clave, una pieza para un conjunto instrumental o vocal-instrumental.
El richecar más antiguo se encontró en una colección de obras de teatro publicadas en 1540 en Venecia. Otras 4 piezas para clave se encontraron en la colección de obras del compositor Girolamo Cavazzoni, publicadas en 1543. La más famosa es el richecar a 6 voces de la Ofrenda musical de Bach, escrita por el gran genio ya en el siglo XVIII.
Cabe señalar que los estilos y la melodía de la polifonía vocal ya estaban en esos años estrechamente relacionados con el texto. Entonces, para los textos líricos, los cantos son característicos, y para las frases cortas, la recitación. En principio, el desarrollo de las tradiciones polifónicas se puede reducir a dos tendencias polifónicas.
Tendencias polifónicas de la Edad Media:
| ✔ | carta estricta (estilo estricto): regulación estricta de los principios de la melodía y la dirección de la voz sobre la base de modos diatónicos. Se utilizó principalmente en la música de la iglesia. |
| ✔ | carta gratis (estilo libre): una gran variabilidad en los principios de construcción de melodías y dirección de voz, el uso de modos mayores y menores. Se utilizó principalmente en la música secular. |
Aprendiste sobre los trastes en la lección anterior, así que ahora entiendes lo que está en juego. Esta es la información más general sobre el desarrollo de las tradiciones de la polifonía. Se pueden encontrar más detalles sobre la historia de la formación de la polifonía en diferentes culturas y tendencias polifónicas en la literatura educativa especial sobre el curso "Polifonía" [T. Müller, 1989]. Allí también puedes encontrar partituras de piezas musicales medievales y, si estás interesado, aprender algunas partes vocales e instrumentales. Por cierto, si aún no sabes cantar, pero te gustaría aprender, puedes dar los primeros pasos hacia el dominio vocal estudiando nuestro curso “Desarrollo de la voz y el habla”.
Ahora es el momento de pasar a las técnicas de la polifonía para comprender más claramente cómo se forma la polifonía en una sola melodía.
Técnicas polifónicas
En cualquier curso de formación de polifonía, puede encontrar un término como contrapunto. Proviene de la frase latina punctum contra punctum, que significa “punto contra punto”. O, en relación con la música, “nota contra nota”, “melodía contra melodía”.
Esto no cambia el hecho de que el término “contrapunto” tiene varios significados diferentes. Y ahora veamos algunas técnicas básicas de polifonía.
imitación
La imitación es cuando una segunda voz (que imita) se une al sonido monofónico inicial después de un tiempo, que repite el pasaje sonado anteriormente en la misma nota o en una diferente. Esquemáticamente parece de la siguiente manera:
Aclaremos que el término “opuesto” utilizado en el diagrama es una voz que acompaña a otra voz en una melodía polifónica. La consonancia armónica se logra mediante diversas técnicas: ritmo adicional, cambio de patrón melódico, etc.
imitación canónica
Canónico, también es imitación continua, una técnica más compleja en la que no solo se repite el pasaje sonado anteriormente, sino también la contraadición. Así es como es parece un esquema:
El término "enlaces", que ves en el diagrama, solo se refiere a las partes repetitivas de la imitación canónica. En la ilustración de arriba, vemos 3 elementos de la voz inicial, que son repetidos por la voz imitadora. Así que hay 3 enlaces.
Canon final e infinito
El canon finito y el canon infinito son variedades de imitación canónica. El canon infinito implica la devolución del material original en algún momento. El canon final no prevé tales devoluciones. La figura de arriba muestra una variante del canon final. y ahora vamos a ver ¿Cómo se ve el canon infinito?, y entender la diferencia:
Aclaremos que el canon infinito de la 1ra categoría significa una imitación con 2 enlaces, y el canon infinito de la 2da categoría es una imitación con el número de enlaces de 3 o más.
Secuencia sencilla
Una secuencia simple es el movimiento de un elemento polifónico a un tono diferente, mientras que la relación (intervalo) entre las partes componentes del elemento no cambia:
Entonces, en el diagrama, la letra "A" denota convencionalmente la voz inicial, la letra "B" denota la voz imitadora y los números 1 y 2 denotan el primer y segundo desplazamiento del elemento polifónico.
contrapunto complejo
El contrapunto complejo es una técnica polifónica que combina muchas técnicas polifónicas que le permiten generar nuevas melodías a partir de la polifonía original cambiando la proporción de voces o realizando cambios en las melodías que componen la polifonía original.
Variedades de contrapunto complejo:
Dependiendo de la dirección de permutación de las voces melódicas, se distinguen contrapuntos móviles verticales, horizontales y dobles (vertical y horizontal simultáneamente).
De hecho, el contrapunto difícil solo se llama "complejo". Si trabaja bien con el material de la próxima lección de entrenamiento auditivo, reconocerá fácilmente esta técnica polifónica de oído.
Estas son solo algunas de las técnicas polifónicas más sencillas de entender para un músico principiante. Puede obtener más información sobre estas y otras técnicas polifónicas del libro de texto del musicólogo, miembro de la Unión de Compositores de Rusia, miembro correspondiente de la Academia de Ciencias y Artes de Petrovsky Valentina Osipova “Polifonía. Técnicas polifónicas” [V. Ósipova, 2006].
Después de haber estudiado algunas de las técnicas de la polifonía, nos será más fácil comprender la clasificación de los tipos de polifonía.
tipos de polifonía
Hay 4 tipos principales de polifonía. Cada uno de los tipos se basa principalmente en un determinado tipo de técnicas polifónicas. Los nombres de los tipos de polifonía en la mayoría de los casos hablan por sí mismos.
¿Cuáles son los tipos de polifonía?
| 1 | imitación – un tipo de polifonía en la que diferentes voces se turnan para tocar la misma melodía. La polifonía de imitación incluye varios métodos de imitación. |
| 2 | subvocal – un tipo de polifonía, donde la melodía principal y sus variaciones, los llamados ecos, suenan simultáneamente. Los ecos pueden tener distintos grados de expresión e independencia, pero obedecen necesariamente a la línea general. |
| 3 | Contraste (diferente-oscuro) – un tipo de polifonía, donde se combinan voces diferentes y muy contrastantes en un sonido común. El contraste se enfatiza por la diferencia de ritmos, acentos, clímax, la velocidad de movimiento de los fragmentos de melodía y de otras formas. Al mismo tiempo, la unidad y la armonía de la melodía son proporcionadas por las relaciones generales de tonalidad y entonación. |
| 4 | Oculto – un tipo de polifonía, en la que una línea melódica monofónica, por así decirlo, se rompe en varias otras líneas, cada una de las cuales tiene sus propias inclinaciones entonacionales. |
Puedes leer más sobre cada tipo de polifonía en el libro “Polifonía. Técnicas polifónicas” [V. Osipova, 2006], por lo que lo dejamos a su criterio. Nos hemos acercado a un tema tan importante para todo músico y compositor como es la mezcla de música.
Conceptos básicos de mezcla de música
El concepto de “polifonía” está directamente relacionado con mezclar música y obtener una pista de audio terminada. Anteriormente aprendimos que la polifonía significa el principio de agregar sonidos (voces y melodías) sobre la base de la igualdad funcional. Esta es la llamada polifonía, es decir, el sonido simultáneo de dos o más melodías y/o voces. La polifonía implica la fusión armónica de varias voces y/o melodías independientes en una sola pieza musical.
Estrictamente hablando, mezclar música es la misma polifonía, solo que en una computadora, y no en un pentagrama musical. La mezcla también implica la interacción de al menos dos líneas musicales: voces y "pista de acompañamiento" o acompañamiento de un instrumento musical. Si hay muchos instrumentos, la mezcla se convierte en una organización de la interacción de muchas líneas melódicas, cada una de las cuales puede ser continua a lo largo de toda la obra o aparecer y desaparecer periódicamente.
Si retrocede un poco y observa de nuevo la representación esquemática de las técnicas polifónicas, verá mucho en común con la interfaz de la mayoría de los programas informáticos diseñados para trabajar con sonido. Así como la mayoría de las técnicas polifónicas se describen de acuerdo con el esquema de “una voz, una pista”, los programas de procesamiento de sonido tienen una pista separada para cada línea melódica. Así es como se vería la versión más simple de mezclar dos pistas en SoundForge:
En consecuencia, si necesita mezclar, por ejemplo, voz, guitarra eléctrica, bajo, sintetizador y batería, habrá 5 pistas. Y si necesitas hacer una grabación orquestal en estudio, ya habrá varias docenas de pistas, una para cada instrumento.
El proceso de mezclar música no consiste simplemente en seguir la notación musical y la ubicación exacta del principio y el final de las líneas musicales entre sí. Aunque esto no es fácil, si hay muchas semicorcheas, treinta y dos y sesenta y cuatro notas en la grabación, que son más difíciles de acertar que los números enteros.
Por supuesto, el productor de sonido debe escuchar y neutralizar las inclusiones de sonidos extraños que pueden aparecer incluso al grabar en un buen estudio, por no hablar de las grabaciones hechas en casa o, por el contrario, durante los conciertos. Aunque, una grabación en directo también puede ser de muy alta calidad.
Un ejemplo es el álbum en vivo HAARP de la banda de rock británica Muse. La grabación se realizó en el estadio de Wembley. Luego, con 1 día de diferencia, se realizaron 2 conciertos del grupo: el 16 y 17 de junio. Curiosamente, para la versión de audio en CD tomaron la grabación del 16 de junio, y para la versión de video en DVD usaron grabación de concierto, celebrada el 17 de junio de 2007:
En cualquier caso, un ingeniero de sonido o un productor de sonido tendrá que trabajar duro para convertir incluso una polifonía compleja bien grabada en una obra acabada con todas las de la ley. Este es realmente un proceso creativo en el que debes tener en cuenta muchos matices. Pero, como hemos visto repetidamente, la música se describe mediante categorías contables bastante específicas: hercios, decibelios, etc. Y también existen criterios para la mezcla de alta calidad de una pista, y allí se utilizan conceptos técnicos objetivos y artísticos subjetivos.
Criterios para la grabación de audio de calidad
Estos criterios fueron desarrollados por la Organización Internacional para la Radiodifusión y la Televisión (OIRT), que existió en la segunda mitad del siglo XX, y se conocen como el Protocolo OIRT, y las disposiciones del Protocolo aún toman muchas estructuras como base. para evaluar la calidad de las grabaciones de audio. Consideremos brevemente qué criterios debe cumplir una grabación de alta calidad de acuerdo con este Protocolo.
Descripción general de las disposiciones del Protocolo OIRT:
1 | Espacial impresión – se entiende que la grabación debe sonar voluminosa y natural, el eco no debe ahogar el sonido, los reflejos de reverberación y otros efectos especiales no deben interferir con la percepción de la música. |
2 | Transparencia – implica la inteligibilidad de la letra de la canción y la distinguibilidad del sonido de todos y cada uno de los instrumentos que participan en la grabación. |
3 | Instrumento musical equilibrar – una relación cómoda del volumen de voces e instrumentos, varias partes de la obra. |
4 | Timbre – sonido cómodo del timbre de voces e instrumentos, naturalidad de su combinación. |
5 | estéreo – implica la simetría de la posición de las señales directas y los reflejos, la uniformidad y naturalidad de la ubicación de las fuentes de sonido. |
6 | Quality sonar imagen – ausencia de defectos, distorsiones no lineales, interferencias, ruidos extraños. |
7 | Caracterización ejecución – acertar las notas, ritmo, tempo, entonación correcta, buen trabajo conjunto conjunto. Se permite la desviación del tempo y el ritmo para lograr una mayor expresión artística. |
8 | Rango dinámico – implica la relación de la señal útil y el ruido, la relación del nivel de sonido en los picos y las secciones más silenciosas de la grabación, la correspondencia de la dinámica con las condiciones de escucha esperadas. |
El cumplimiento de los criterios del Protocolo se evalúa en una escala de 5 puntos. El Protocolo OIRT se sigue más de cerca en la evaluación de la música clásica, folclórica y de jazz. Para la música electrónica, pop y rock, no existe un protocolo único para evaluar la calidad del sonido, y las disposiciones del Protocolo OIRT son de naturaleza más consultiva. De una forma u otra, para realizar una grabación de alta calidad, se necesitan ciertas condiciones técnicas. Hablemos de ellos con más detalle.
Soporte técnico
Anteriormente, ya comenzamos a hablar sobre el hecho de que para un resultado final de alta calidad, el material fuente de alta calidad es importante. Por lo tanto, para la grabación de alta calidad de jazz, música clásica y folclórica, a menudo se usa la grabación en un par de micrófonos estéreo, que posteriormente no requiere mezcla. En realidad, para mezclar se utilizan mesas de mezclas analógicas, digitales o virtuales (también son mesas de mezclas). Los secuenciadores se utilizan para la mezcla virtual de pistas.
Los requisitos técnicos para una computadora generalmente los prescriben los fabricantes de programas de computadora para trabajar con sonido. Por lo tanto, puede verificar que su dispositivo cumpla con los requisitos cuando decida la elección del software. Hasta la fecha, existen varios programas populares para el procesamiento de audio y la mezcla de sonido.
Sonido de forjar
En primer lugar, ya se mencionó anteriormente. Sonido de forjar. Es conveniente porque tiene un conjunto de funciones básicas de procesamiento de sonido y puede encontrar una versión gratuita en ruso [MoiProgrammy.net, 2020]:
Si necesita comprender la versión en inglés, hay una descripción detallada [B. Kairov, 2018].
Audacity
En segundo lugar, otro programa de idioma ruso conveniente y sin complicaciones Audacity [Audacia, 2020]:
Además de la versión gratuita, puedes encontrar un manual muy práctico para ello [Audacity 2.2.2, 2018].
Deshumanizador 2
En tercer lugar, es amado por los desarrolladores de juegos de computadora y voces extremas. Deshumanizador 2. La interfaz está en inglés y es notablemente más complicada, pero puedes resolverlo:
Y no será solo mezcla, sino también oportunidades para el diseño de sonido [Krotos, 2020].
Elementos Cubase
En cuarto lugar, vale la pena prestar atención al programa. Elementos Cubase [Elementos de Cubase, 2020]. Allí, además del conjunto estándar de funciones, también hay un panel de acordes que le permitirá crear una pista "desde cero" o "recordar" una grabación realizada previamente, aplicando técnicas polifónicas aprendidas previamente en la práctica:
Antes de comenzar, estudie la descripción general de las funciones del programa [A. Olénchikov, 2017].
efectorix
Y finalmente, este es el secuenciador de efectos. efectorix. Para trabajar con él, necesitas algo de experiencia, pero vale la pena tomar nota de este programa ahora, porque con la práctica regular, la experiencia llegará muy pronto [Sugar Bytes, 2020]:
Puede obtener más información en el artículo “Programas para mezclar música y voz”, donde se consideran una docena de programas, incluidos los destinados a músicos profesionales y DJs [V. Kairov, 2020]. Y ahora hablemos de la preparación para la mezcla de la pista.
Preparación de la mezcla y proceso de mezcla.
Cuanto mejor preparado esté, más rápida y mejor será la mezcla. No se trata solo de soporte técnico, un lugar de trabajo cómodo e iluminación de alta calidad. Es importante tener en cuenta varias cuestiones organizativas, así como las características del trabajo de los hemisferios cerebrales. En general, toma nota…
Cómo prepararse para el proceso de mezcla:
| ✔ | Etiquete todos los archivos de audio de origen para que quede claro dónde está todo. No solo 01, 02, 03 y más allá, sino también "voz", "bajo", "batería", "coros", etc. |
| ✔ | Ponte los auriculares y quita los clics manualmente o con un software de limpieza de sonido. Incluso si usa programas, verifique el resultado de oído. Este trabajo de rutina debe realizarse antes del inicio del proceso creativo. diferentes hemisferios del cerebro son responsables de la creatividad y la racionalidad, y el cambio constante entre procesos reducirá la calidad de ambos. Puede elegir un programa en la revisión "Los 7 mejores complementos y programas para limpiar el sonido del ruido" [Arefyevstudio, 2018]. |
| ✔ | Equilibre el volumen escuchando primero la grabación en mono. Esto le permitirá identificar rápidamente el desequilibrio de volumen en el sonido de diferentes instrumentos musicales y voces. |
| ✔ | Ajuste todos los ecualizadores para mejorar el balance de frecuencia. Recuerde que la configuración del ecualizador afecta el rendimiento del volumen. Por lo tanto, después de sintonizar, verifique nuevamente el balance de volumen. |
Comience el proceso de mezcla con tambores, ya que ocupan una parte importante del rango de frecuencias desde las frecuencias bajas (bombo) hasta las frecuencias altas (platillos). Solo después de eso, pase a otros instrumentos y voces. Después de mezclar los instrumentos principales, agregue, si lo planea, efectos especiales (eco, distorsión, modulación, compresión, etc.).
A continuación, debe formar una imagen estéreo, es decir, organizar todos los sonidos en el campo estéreo. Después de eso, ajusta el arreglo, si es necesario, y comienza a trabajar en la profundidad del sonido. Para hacer esto, agregue retrasos y reverberación a los sonidos, pero no demasiado, de lo contrario, "presionará los oídos" de los oyentes.
Cuando haya terminado, compruebe de nuevo el volumen, el ecualizador y los ajustes de efectos y ajústelos si es necesario. Pruebe la pista terminada en el estudio y luego en diferentes dispositivos: ejecute el archivo de audio en su teléfono inteligente, tableta, escúchelo en su automóvil. Si en todas partes el sonido se percibe normalmente, ¡entonces todo se hace correctamente!
Si encuentra muchas palabras desconocidas, lea el libro "Procesamiento de sonido por computadora" [A. Zagumennov, 2011]. No se avergüence por el hecho de que se considera mucho sobre el ejemplo de versiones antiguas de programas de computadora. Las leyes de la física no han cambiado desde entonces. Se puede recomendar a aquellos que ya han probado trabajar con programas de mezcla de sonido que lean sobre “Errores al mezclar música”, que al mismo tiempo da recomendaciones sobre cómo evitarlos [I. Evsyukov, 2018].
Si le resulta más fácil percibir una explicación en vivo, puede ver video de entrenamiento sobre este tema:
Durante el proceso de mezclado, se recomienda hacer pausas breves cada 45 minutos. Esto es útil no solo para su salud, sino también para restaurar la objetividad de la percepción auditiva. El oído musical es muy importante para la mezcla de alta calidad. Toda nuestra próxima lección está dedicada al desarrollo del oído musical, pero por ahora le ofrecemos pasar una prueba para dominar el material de esta lección.
Prueba de comprensión de la lección.
Si desea evaluar sus conocimientos sobre el tema de esta lección, puede realizar una breve prueba que consta de varias preguntas. Solo 1 opción puede ser correcta para cada pregunta. Después de seleccionar una de las opciones, el sistema pasa automáticamente a la siguiente pregunta. Los puntos que recibe se ven afectados por la corrección de sus respuestas y el tiempo empleado en pasar. Tenga en cuenta que las preguntas son diferentes cada vez y que las opciones se mezclan.
Y ahora pasamos al desarrollo del oído musical.
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