Lev Nikolayevich Vlasenko |

Lev Vlasenko

Hay ciudades con méritos especiales ante el mundo musical, por ejemplo, Odessa. Cuántos nombres brillantes donaron al escenario de conciertos en los años anteriores a la guerra. Tbilisi, el lugar de nacimiento de Rudolf Kerer, Dmitry Bashkirov, Eliso Virsalazze, Liana Isakadze y otros músicos destacados, tiene algo de lo que enorgullecerse. Lev Nikolaevich Vlasenko también comenzó su camino artístico en la capital de Georgia, una ciudad de largas y ricas tradiciones artísticas.

Como suele ser el caso con los futuros músicos, su primera maestra fue su madre, quien alguna vez fue autodidacta en el departamento de piano del Conservatorio de Tbilisi. Después de un tiempo, Vlasenko acude a la famosa maestra georgiana Anastasia Davidovna Virsaladze, se gradúa y estudia en su clase, una escuela de música de diez años, luego el primer año del conservatorio. Y, siguiendo el camino de muchos talentos, se muda a Moscú. Desde 1948, ha estado entre los estudiantes de Yakov Vladimirovich Flier.

Estos años no son fáciles para él. Es estudiante de dos instituciones de educación superior a la vez: además del conservatorio, Vlasenko estudia (y completa con éxito sus estudios a su debido tiempo) en el Instituto de Idiomas Extranjeros; El pianista habla con fluidez inglés, francés, italiano. Y, sin embargo, el joven tiene suficiente energía y fuerza para todo. En el conservatorio, actúa cada vez más en fiestas de estudiantes, su nombre se hace conocido en los círculos musicales. Sin embargo, se espera más de él. De hecho, en 1956 Vlasenko ganó el primer premio en el Concurso Liszt de Budapest.

Dos años más tarde, vuelve a participar en el concurso de músicos intérpretes. Esta vez, en su casa de Moscú, en el Primer Concurso Internacional Tchaikovsky, el pianista se alzó con el segundo premio, dejando atrás únicamente a Van Cliburn, que entonces estaba en la plenitud de su enorme talento.

Vlasenko dice: “Poco después de graduarme del conservatorio, fui reclutado en las filas del ejército soviético. Durante aproximadamente un año no toqué el instrumento, viví con pensamientos, hechos y preocupaciones completamente diferentes. Y, por supuesto, bastante nostálgicos de la música. Cuando me desmovilizaron, me puse a trabajar con el triple de energía. Aparentemente, en mi actuación había entonces una especie de frescura emocional, fuerza artística no gastada, sed de creatividad escénica. Siempre ayuda en el escenario: me ayudó en ese momento también.

El pianista cuenta que le solían preguntar: ¿en cuál de los exámenes, en Budapest o en Moscú, le costó más? “Por supuesto, en Moscú”, respondió en tales casos, “el Concurso Tchaikovsky, en el que actué, se llevó a cabo por primera vez en nuestro país. Por primera vez - eso lo dice todo. Despertó un gran interés: reunió a los músicos más destacados, tanto soviéticos como extranjeros, en el jurado, atrajo a la audiencia más amplia, se convirtió en el centro de atención de la radio, la televisión y la prensa. Fue extremadamente difícil y responsable tocar en esta competencia: cada entrada al piano valía mucha tensión nerviosa … “

Las victorias en concursos musicales de renombre, y el "oro" ganado por Vlasenko en Budapest, y su "plata" ganada en Moscú se consideraron victorias importantes, le abrieron las puertas al gran escenario. Se convierte en un concertista profesional. Sus actuaciones tanto en casa como en otros países atraen a numerosos oyentes. Él, sin embargo, no solo recibe señales de atención como músico, el propietario de valiosas insignias laureadas. La actitud hacia él desde el principio se determina de manera diferente.

Hay en el escenario, como en la vida, naturalezas que disfrutan de la simpatía universal: directas, abiertas, sinceras. Vlasenko como artista entre ellos. Siempre le crees: si le apasiona interpretar una obra, es tan verdaderamente apasionado, emocionado, tan emocionado; si no, no puede ocultarlo. El llamado arte de la interpretación no es de su dominio. No actúa y no disimula; su lema podría ser: “Digo lo que pienso, expreso lo que siento”. Hemingway tiene unas palabras maravillosas con las que caracteriza a uno de sus héroes: “Era verdaderamente, humanamente hermoso desde dentro: su sonrisa salía del corazón mismo o de lo que se llama el alma de una persona, y luego alegre y abiertamente salía a la luz”. superficie, es decir, iluminaba el rostro” (Hemingway E. Más allá del río, a la sombra de los árboles. – M., 1961. S. 47.). Escuchando a Vlasenko en sus mejores momentos, sucede que recuerdas estas palabras.

Y una cosa más impresiona al público cuando se encuentra con un pianista: su escenario. sociabilidad. ¿Son pocos los que se encierran en el escenario, se encierran en sí mismos por la excitación? Otros son fríos, comedidos por naturaleza, esto se hace sentir en su arte: ellos, según una expresión común, son poco “sociables”, mantienen al oyente como a distancia de ellos mismos. Con Vlasenko, por las peculiaridades de su talento (ya sea artístico o humano), es fácil, como por sí solo, establecer contacto con el público. Las personas que lo escuchan por primera vez a veces expresan sorpresa: la impresión es que lo conocen desde hace mucho tiempo como artista.

Aquellos que conocieron de cerca al maestro de Vlasenko, el profesor Yakov Vladimirovich Flier, argumentan que tenían mucho en común: un temperamento pop brillante, generosidad de efusiones emocionales, una forma de tocar audaz y arrolladora. Era realmente. No es casualidad que, al llegar a Moscú, Vlasenko se convirtiera en alumno de Flier y uno de los alumnos más cercanos; más tarde su relación se convirtió en amistad. Sin embargo, el parentesco de las naturalezas creativas de los dos músicos era evidente incluso en su repertorio.

Los veteranos de las salas de conciertos recuerdan bien cómo Flier brilló una vez en los programas de Liszt; hay un patrón en el hecho de que Vlasenko también hizo su debut con las obras de Liszt (concurso en 1956 en Budapest).

“Me encanta este autor”, dice Lev Nikolaevich, “su orgullosa pose artística, noble patetismo, espectacular toga de romance, estilo oratorio de expresión. Dio la casualidad de que en la música de Liszt siempre logré encontrarme fácilmente a mí mismo... Recuerdo que desde muy joven la toqué con especial placer.

Vlasenko, sin embargo, no sólo fundó desde Liszt hasta el gran escenario del concierto. Y hoy, muchos años después, las obras de este compositor están en el centro de sus programas, desde estudios, rapsodias, transcripciones, piezas del ciclo “Años de andanzas” hasta sonatas y otras obras de gran formato. Entonces, un evento notable en la vida filarmónica de Moscú en la temporada 1986/1987 fue la interpretación de Vlasenko de ambos conciertos para piano, “Danza de la muerte” y “Fantasía sobre temas húngaros” de Liszt; acompañado por una orquesta dirigida por M. Pletnev. (Esta velada estuvo dedicada al 175 aniversario del nacimiento del compositor). El éxito de público fue realmente grande. Y no es de extrañar Chispeante bravura de piano, júbilo general del tono, "discurso" alto en el escenario, fresco, estilo de ejecución poderoso: todo esto es el verdadero elemento de Vlasenko. Aquí el pianista aparece desde el lado más ventajoso para sí mismo.

Hay otro autor que no es menos cercano a Vlasenko, así como el mismo autor fue cercano a su maestro, Rachmaninov. En los carteles de Vlasenko se pueden ver conciertos para piano, preludios y otras piezas de Rachmaninoff. Cuando un pianista está “en el compás”, es realmente bueno en este repertorio: inunda al público con una gran cantidad de sentimientos, “abruma”, como dijo uno de los críticos, con pasiones agudas y fuertes. Posee magistralmente Vlasenko y los timbres gruesos de "violonchelo" que juegan un papel tan importante en la música para piano de Rachmaninov. Tiene manos pesadas y blandas: la pintura sonora con “óleo” está más cerca de su naturaleza que la seca “grafía” sonora; – se podría decir, siguiendo la analogía iniciada con la pintura, que le conviene más un pincel ancho que un lápiz bien afilado. Pero, probablemente, lo principal en Vlasenko, ya que hablamos de sus interpretaciones de las obras de Rachmaninov, es que él capaz de abarcar la forma musical como un todo. Abrazar libremente y con naturalidad, sin distraerse, quizás, por algunas pequeñas cosas; así es exactamente como, por cierto, actuaron Rachmaninov y Flier.

Finalmente, está el compositor que, según Vlasenko, se ha convertido casi en el más cercano a él a lo largo de los años. Este es Beethoven. De hecho, las sonatas de Beethoven, principalmente Pathétique, Lunar, Second, Seventeenth, Appassionata, Bagatelles, Variation Cycles, Fantasia (Op. 77), formaron la base del repertorio de Vlasenko de los años setenta y ochenta. Un detalle interesante: no refiriéndose a sí mismo como un especialista en largas conversaciones sobre música, sino a aquellos que saben y aman interpretarla con palabras, Vlasenko, sin embargo, habló varias veces con historias sobre Beethoven en la Televisión Central.

“Con la edad, encuentro en este compositor cada vez más atractivo para mí”, dice el pianista. “Durante mucho tiempo tuve un sueño: tocar un ciclo de cinco de sus conciertos para piano”. Lev Nikolaevich cumplió este sueño, y de manera excelente, en una de las últimas temporadas.

Por supuesto, Vlasenko, como debe ser un artista invitado profesional, recurre a una amplia variedad de música. Su arsenal interpretativo incluye a Scarlatti, Mozart, Schubert, Brahms, Debussy, Tchaikovsky, Scriabin, Prokofiev, Shostakovich… Sin embargo, su éxito en este repertorio, donde algo le es más cercano y algo más lejano, no es el mismo, no siempre estable y incluso. Sin embargo, uno no debería sorprenderse: Vlasenko tiene un estilo interpretativo bastante definido, cuya base es un gran virtuosismo; él toca verdaderamente como un hombre: fuerte, claro y simple. En algún lugar convence, y por completo, en algún lugar no del todo. No es casualidad que si observas más de cerca los programas de Vlasenko, notarás que se acerca a Chopin con cautela...

Hablando de thо interpretada por el artista, es imposible no señalar las más exitosas en sus programas de los últimos años. Aquí está la sonata en si menor de Liszt y los estudios-pinturas de Rachmaninov, la Tercera Sonata de Scriabin y la Sonata de Ginastera, las Imágenes y su Isla de la Alegría de Debussy, el Rondo en mi bemol mayor de Hummel y el Córdoba de Albéniz… Desde 1988, los carteles de Vlasenko han sido para ver la Segunda Sonata de BA Arapov, recientemente aprendido por él, así como Bagatelles, op. 126 Beethoven, Preludios, op. 11 y 12 Scriabin (también obra nueva). En las interpretaciones de estas y otras obras, quizás, las características del estilo moderno de Vlasenko son especialmente visibles: la madurez y profundidad del pensamiento artístico, combinadas con un sentimiento musical vivo y fuerte que no se ha desvanecido con el tiempo.

Desde 1952, Lev Nikolaevich ha estado enseñando. Al principio, en la Escuela Coral de Moscú, luego en la Escuela Gnessin. Desde 1957 figura entre los profesores del Conservatorio de Moscú; en su clase, N. Suk, K. Oganyan, B. Petrov, T. Bikis, N. Vlasenko y otros pianistas recibieron un boleto para la vida en el escenario. M. Pletnev estudió con Vlasenko durante varios años, en su último año en el conservatorio y como asistente en prácticas. Quizás estas fueron las páginas más brillantes y emocionantes de la biografía pedagógica de Lev Nikolaevich …

Enseñar significa responder constantemente algunas preguntas, resolver numerosos e inesperados problemas que plantea la vida, la práctica educativa y la juventud estudiantil. ¿Qué, por ejemplo, se debe tener en cuenta a la hora de seleccionar un repertorio educativo y pedagógico? ¿Cómo se construyen las relaciones con los estudiantes? ¿Cómo llevar a cabo una lección para que sea lo más efectiva posible? Pero quizás la mayor ansiedad surja para cualquier maestro del conservatorio en relación con las actuaciones públicas de sus alumnos. Y los propios jóvenes músicos buscan persistentemente una respuesta de los profesores: ¿qué se necesita para el éxito en el escenario? ¿es posible de alguna manera prepararlo, “brindarlo”? Al mismo tiempo, verdades evidentes –como que, dicen, el programa debe estar suficientemente aprendido, técnicamente “hecho”, y que “todo debe funcionar y salir”– pocas personas pueden estar satisfechas. Vlasenko sabe que en tales casos uno puede decir algo realmente útil y necesario solo sobre la base de la propia experiencia. Solo si parte de lo experimentado y experimentado por él. En realidad, esto es exactamente lo que esperan de él aquellos a quienes enseña. “El arte es la experiencia de la vida personal, contada en imágenes, en sensaciones”, escribió AN Tolstoy, “ experiencia personal que pretende ser una generalización» (Tolstykh VI Arte y Moral. – M., 1973. S. 265, 266.). El arte de enseñar, más aún. Por lo tanto, Lev Nikolaevich se refiere voluntariamente a su propia práctica interpretativa, tanto en el aula, entre los estudiantes y en conversaciones y entrevistas públicas:

“Algunas cosas impredecibles e inexplicables suceden constantemente en el escenario. Por ejemplo, puedo llegar a la sala de conciertos bien descansado, preparado para la actuación, seguro de mí mismo, y la clavierabend pasará sin mucho entusiasmo. Y viceversa. Puedo subir al escenario en tal estado que parece que no podré extraer una sola nota del instrumento, y el juego de repente “se pondrá en marcha”. Y todo se volverá fácil, placentero… ¿Qué pasa aquí? no sé Y probablemente nadie lo sepa.

Aunque hay algo que prever para facilitar los primeros minutos de tu paso por el escenario -y son los más difíciles, inquietos, poco fiables...-, creo que todavía es posible. Lo que importa, por ejemplo, es la construcción misma del programa, su diseño. Todos los artistas saben lo importante que es esto, y precisamente en relación con el problema del bienestar del pop. En principio, tiendo a empezar un concierto con una pieza en la que me sienta lo más tranquilo y confiado posible. Cuando toco, trato de escuchar lo más cerca posible del sonido del piano; adaptarse a la acústica de la habitación. En definitiva, me esfuerzo por entrar de lleno, sumergirme en el proceso escénico, interesarme por lo que hago. Esto es lo más importante: interesarse, dejarse llevar, concentrarse completamente en el juego. Luego, la emoción comienza a disminuir gradualmente. O tal vez simplemente dejas de notarlo. De aquí ya es un paso al estado creativo que se requiere.

Vlasenko otorga gran importancia a todo lo que de una forma u otra precede a un discurso público. “Recuerdo que una vez estaba hablando sobre este tema con la maravillosa pianista húngara Annie Fischer. Tiene una rutina especial el día del concierto. Ella no come casi nada. Un huevo cocido sin sal y listo. Esto la ayuda a encontrar el estado psicofisiológico necesario en el escenario: nerviosamente optimista, alegremente emocionada, tal vez incluso un poco exaltada. Aparece esa especial sutileza y agudeza de sentimientos, que es absolutamente necesaria para un concertista.

Todo esto, por cierto, se explica fácilmente. Si una persona está llena, por lo general tiende a caer en un estado de relajación complaciente, ¿no es así? En sí mismo, puede ser agradable y “cómodo”, pero no es muy adecuado para actuar frente a una audiencia. Porque solo quien está electrificado internamente, quien tiene todas sus cuerdas espirituales vibrando tensas, puede provocar una respuesta en la audiencia, empujarla a la empatía…

Por lo tanto, a veces sucede lo mismo, como ya he mencionado anteriormente. Parecería que todo conduce a una actuación exitosa: el artista se siente bien, está internamente tranquilo, equilibrado, casi confiado en sus propias habilidades. Y el concierto es incoloro. No hay corriente emocional. Y los comentarios de los oyentes, por supuesto, también...

En resumen, es necesario depurar, pensar en la rutina diaria en vísperas de la actuación, en particular, la dieta, es necesario.

Pero, por supuesto, esto es sólo un lado del asunto. Más bien externo. Hablando en general, toda la vida de un artista, idealmente, debería ser tal que siempre, en cualquier momento, esté listo para responder con su alma a lo sublime, espiritualizado, poéticamente hermoso. Probablemente, no hay necesidad de probar que una persona interesada en el arte, aficionada a la literatura, la poesía, la pintura, el teatro, está mucho más dispuesta a los sentimientos elevados que una persona promedio, cuyos intereses se concentran todos en la esfera. de lo ordinario, material, cotidiano.

Los artistas jóvenes suelen escuchar antes de sus actuaciones: “¡No pienses en el público! ¡Interfiere! Piensa en el escenario solo en lo que tú mismo estás haciendo…”. Vlasenko dice sobre esto: “Es fácil aconsejar…”. Él es muy consciente de la complejidad, la ambigüedad, la dualidad de esta situación:

“¿Hay una audiencia para mí personalmente durante una actuación? ¿La noto? Si y no. Por un lado, cuando entras por completo en el proceso de interpretación, es como si no pensaras en el público. Te olvidas por completo de todo excepto de lo que haces en el teclado. Y sin embargo… Todo concertista tiene cierto sexto sentido: “un sentido del público”, diría yo. Y por lo tanto, la reacción de los que están en la sala, la actitud de la gente hacia ti y tu juego, la sientes constantemente.

¿Sabes qué es lo más importante para mí durante un concierto? ¿Y el más revelador? Silencio. Porque todo se puede organizar, tanto la publicidad como la ocupación del local, los aplausos, las flores, las felicitaciones, etc., todo menos el silencio. Si la sala se congeló, contuvo la respiración, significa que algo realmente está sucediendo en el escenario, algo significativo, emocionante...

Cuando siento durante el juego que he capturado la atención de la audiencia, me da una gran explosión de energía. Sirve como una especie de droga. Tales momentos son una gran felicidad para el artista, el último de sus sueños. Sin embargo, como cualquier gran alegría, esto sucede con poca frecuencia.

Sucede que se le pregunta a Lev Nikolayevich: ¿cree en la inspiración escénica? Él, un artista profesional, para quien actuar frente al público es esencialmente un trabajo que se ha realizado regularmente, a gran escala, durante muchos años … “De Por supuesto, la palabra "inspiración" en sí misma está completamente gastada, estampada, desgastada por el uso frecuente. Con todo eso, créanme, todo artista está listo para casi orar por inspiración. La sensación aquí es única: como si fueras el autor de la música que se está interpretando; como si todo en él fuera creado por ti mismo. ¡Y cuántas cosas nuevas, inesperadas, verdaderamente exitosas, nacen en esos momentos en el escenario! Y literalmente en todo: en la coloración del sonido, el fraseo, los matices rítmicos, etc.

Diré esto: es bastante posible dar un buen concierto profesionalmente sólido incluso en ausencia de inspiración. Hay cualquier número de tales casos. Pero si la inspiración le llega al artista, el concierto puede volverse inolvidable…”

Como sabes, no hay formas confiables de evocar la inspiración en el escenario. Pero es posible crear condiciones que, en cualquier caso, serían favorables para él, prepararían el terreno apropiado, cree Lev Nikolayevich.

“En primer lugar, un matiz psicológico es importante aquí. Necesitas saber y creer: lo que puedes hacer en el escenario, nadie más lo hará. Que no sea así en todas partes, sino sólo en un cierto repertorio, en las obras de uno o dos o tres autores, no importa, ese no es el punto. Lo principal, repito, es el sentimiento mismo: como tu juegas, el otro no va a jugar. Él, este “otro” imaginario, puede tener una técnica más fuerte, un repertorio más rico, una experiencia más extensa, cualquier cosa. Pero él, sin embargo, no cantará la frase como lo haces tú, no encontrará un matiz sonoro tan interesante y sutil…

El sentimiento del que estoy hablando ahora debe ser familiar para un músico de concierto. Inspira, levanta, ayuda en los momentos difíciles sobre el escenario.

A menudo pienso en mi maestro Yakov Vladimirovich Flier. Siempre trató de animar a los estudiantes, les hizo creer en sí mismos. En los momentos de duda, cuando no todo nos iba bien, de alguna manera infundía buen ánimo, optimismo y buen humor creativo. Y esto nos trajo a nosotros, alumnos de su clase, un beneficio indudable.

Creo que casi todos los artistas que actúan en un gran escenario de concierto están convencidos en lo más profundo de su alma de que tocan un poco mejor que los demás. O, en todo caso, tal vez sea capaz de jugar mejor... Y no hay que culpar a nadie por esto, hay una razón para este autoajuste.

… En 1988, tuvo lugar en Santander (España) un gran festival internacional de música. Atrajo la atención especial del público: entre los participantes se encontraban I. Stern, M. Caballe, V. Ashkenazy y otros destacados artistas europeos y extranjeros. Los conciertos de Lev Nikolaevich Vlasenko se llevaron a cabo con verdadero éxito en el marco de este festival musical. La crítica hablaba con admiración de su talento, de su destreza, de su feliz capacidad para “dejarse llevar y cautivar…” Las actuaciones en España, como las otras giras de Vlasenko en la segunda mitad de los ochenta, confirmaron fehacientemente que el interés por su arte no había decaído. Todavía ocupa un lugar destacado en la vida moderna de conciertos, soviética y extranjera. Pero mantener este lugar es mucho más difícil que ganarlo.

G. Tsipin, 1990