Educación musical |

El proceso de dominar los conocimientos, destrezas y habilidades necesarios para la actividad musical, así como la totalidad de los conocimientos y destrezas y habilidades relacionados obtenidos como resultado de la formación. Bajo M. o. Muchas veces entendemos el propio sistema de organización de las musas. aprendizaje. La principal forma de obtener M. o. – preparación bajo la guía de un maestro, más a menudo en la cuenta. institución. La autoeducación puede desempeñar un papel importante, así como la asimilación de conocimientos y habilidades en el proceso del prof. practicar música o participar en actividades de aficionados. haciendo musica. Distinguir M. sobre. general, que proporciona conocimientos, habilidades y destrezas en la medida que se necesitan para actividades de aficionados o solo para la percepción de la música, y M. o. especial, preparando para el prof. trabajo (componer, interpretar, científico, pedagógico). MO puede ser primaria (inferior), media y superior, un corte en casi todos los países es especial. personaje. Didáctica general. el principio de la educación enriquecedora también está directamente relacionado con M. o. y se refleja en su contenido, métodos y formas organizativas. M.o. generales y especiales sugiere una unidad orgánica de la educación musical y la música. educación: no sólo un profesor de música es una educación general. las escuelas, enseñando a los niños y dándoles una educación musical general, los educa por medio de la música y los lleva a su comprensión, pero el maestro prof. escuelas de música de cualquier nivel, introduciendo el futuro de la música. figura a conocimientos y habilidades especiales, al mismo tiempo forma su personalidad: visión del mundo, ideales estéticos y éticos, voluntad y carácter.

MO – la categoría de histórico, y en una sociedad de clases – de clase-histórico. Objetivos, contenido, nivel, métodos y organización. Las formas de M. sobre. determinado por el cambio a lo largo de la historia de las musas. cultura, relaciones sociales, nat. especificidad, el papel de la música. art-va en la vida de esta sociedad, muz.-estetica. opiniones, estilo de música. creatividad, formas musicales existentes. actividades, funciones desempeñadas por músicos, pedagógicas generales dominantes. ideas y el nivel de desarrollo de las musas. pedagogía. El personaje de M. sobre. también por la edad del alumno, sus habilidades, el tipo de música. actividades para las que lo están preparando, y muchas otras. otra musica La enseñanza de un niño se construye de manera diferente a la de un adulto, y tocar, digamos, el violín es diferente a tocar el piano. Al mismo tiempo, generalmente se reconoce en la música líder moderna. La pedagogía (a pesar de todas las diferencias incalculables en sus formas y métodos) son dos principios: general M. o. no puede ni debe ser reemplazado por uno especial (en el que el énfasis se pone a menudo en la enseñanza de habilidades técnicas, el dominio de la información teórico-musical, etc.); musica general la crianza y la formación es aquella base obligatoria sobre la que es necesario edificar especial. MO

En las primeras etapas del desarrollo de la sociedad humana, cuando no había una función especial de un músico y todos los miembros del colectivo tribal creaban la magia de producción primitiva. acciones de hielo y las realizaron ellos mismos, musas. las habilidades, aparentemente, no fueron enseñadas específicamente, y fueron adoptadas por los más jóvenes de los mayores. En el futuro, música y magia. Las funciones fueron asumidas por chamanes y líderes tribales, sentando así las bases para la separación en épocas posteriores de sincretismo. letras. profesión, en la que el músico era al mismo tiempo. bailarina y letrista. Cuando el arte. la cultura, incluso en las condiciones de la sociedad anterior a la clase, ha alcanzado un nivel relativamente alto, había una necesidad especial. por aprender. Así lo demuestran, en particular, los hechos relativos a las sociedades. la vida de los indios del norte. América antes de su colonización por los europeos: entre los nativos del Norte. América, había una tarifa por enseñar nuevas canciones (de la voz); los antiguos habitantes de México tenían una educación musical. instituciones para la enseñanza de cantos y danzas, y los antiguos peruanos enseñaban el recitado melodioso de la epopeya. leyendas Aproximadamente en el momento en que en las civilizaciones del mundo antiguo, el culto ritual, el palacio y el ejército comenzaron a dividirse claramente. y música de granada y cuando se formó dec. tipos de músicos que se encuentran en diferentes niveles sociales (músicos de templo dirigidos por un sacerdote-cantor; músicos de palacio que alaban a la deidad-monarca; militares. músicos de viento y percusión, a veces de rango militar relativamente alto; finalmente, los músicos, a menudo errantes, cantaban y tocaban durante las literas. festividades y celebraciones familiares), recogen los primeros datos dispersos sobre M. acerca de. Los más antiguos pertenecen a Egipto, donde a finales del período del Imperio Antiguo (c. 2500 a. mi.) adv. los cantantes pasaron un entrenamiento especial, y más tarde, durante el período de la dinastía XII del Reino Medio (2000-1785), los sacerdotes, a juzgar por las imágenes sobrevivientes, actuaron como maestros que enseñaron a cantar con el acompañamiento de cítara, palmas y sellos. . Se supone que Menfis fue durante un largo período el centro de las escuelas en las que se estudiaba la música profana y de culto. En la antigua China en los siglos XI-III. ANTES DE CRISTO. э. durante la era Zhou. sobre., to-roe enviado especial. departamento del palacio bajo la supervisión del emperador, desempeñó un papel destacado en la vida de la sociedad e incluyó el cap. arr. que a los niños se les enseñaba a cantar, tocar instrumentos y bailar. Grecia fue uno de los primeros países donde le dieron tanta importancia a lo sociopolítico. lado de la música, su “ethos” y donde están las musas. la formación perseguía abiertamente lo político-ético. educar. . Generalmente se acepta que los orígenes del griego M. acerca de. fueron fundados en la isla de Creta, donde los chicos de las clases libres aprendieron a cantar, instr. la música y la gimnasia, que se consideraban como una especie de unidad. A las 7 pulgadas ANTES DE CRISTO. э. otra isla griega, Lesbos, era un “invernadero continuo”. Aquí, encabezada por Terpander, quien perfeccionó la kithara, se formó una escuela de kitfareds y se sentaron las bases del arte del prof. kyfaristics, es decir la capacidad de pronunciar recitativamente el texto, cantar y acompañar. El arte de los aeds (cantantes-narradores), que formaban parte del taller de los artesanos en la antigua Grecia y eran los guardianes de ciertas tradiciones orales, se transmitía de generación en generación. М. acerca de. La aeda consistía en que el maestro (a menudo el padre) enseñaba al niño a tocar la cítara, la recitación melódica medida y las reglas de la poesía. versificación y le transmitió cierto número de canciones compuestas por el propio maestro o que le habían llegado por tradición. En Esparta, con su modo de vida y estado paramilitar. supervisar el progreso de la educación, coro. el canto se consideraba un aspecto necesario de la educación de los jóvenes, que periódicamente debían actuar en sociedades y festividades. En Atenas, en el proceso de la llamada. educación musical, los chicos estudiaban entre otros. las materias y la música, y la enseñanza estaba estrechamente relacionada con la asimilación de los mejores ejemplos del griego. literatura y didáctica. poesía. Por lo general, hasta la edad de 14 años, los niños se dedicaban a tocar la cítara en escuelas privadas pagadas y dominaban el arte de la citarística. Se utilizó un monocordio para refinar los intervalos y los tonos. influencia significativa en la música. la formacion en grecia estuvo dada por la musica y la estetica. y puntos de vista pedagógicos de Platón y Aristóteles. Platón creía que la “educación musical” está disponible para todos los jóvenes y que no debe ni puede plantearse la cuestión de la musicalidad o no musicalidad del estudiante. informacion sobre m acerca de. en el Dr. Roma es muy escasa. T. porque Roma se hizo política. centro en el siglo II. ANTES DE CRISTO. e., durante el apogeo de la helenística. civilización, luego la música romana. cultura y, al parecer, la romana M. acerca de. desarrollado bajo la conocida influencia del helenismo. La música, sin embargo, a menudo se ha considerado científica. disciplina, fuera de sus vínculos directos con la vida, y esto no podía sino afectar el aprendizaje. Feliz cumpleaños lados, m. acerca de.

El lado ético de la educación musical, que estaba a la vanguardia de los antiguos griegos, recibió mucha menos atención durante el Imperio Romano.

En los años de la música medieval temprana y clásica. la cultura fue creada por figuras que se encontraban en diferentes niveles de la jerarquía social: músicos-teóricos y músicos-practicantes (cantantes e instrumentistas, principalmente organistas) asociados con la iglesia y la música de culto, trovadores, trovadores y minnesingers, adv. músicos, bardos-narradores, montañas. instrumentistas de viento, vagabundos y goliardos, spielmans y juglares, etc. Estos grupos diversos, a menudo antagónicos, de músicos profesionales (así como de nobles músicos aficionados, según sus musas. preparación, a veces no inferior a los profesionales) dominaron los conocimientos y habilidades de diferentes maneras: algunos – en el canto. escuelas (cap. arr. en monasterios y catedrales), y a partir del siglo XIII. y con botas altas de piel, otros – en condiciones de musas. taller de formación y en la práctica directamente. transmisión de tradiciones del maestro a los alumnos. En los monasterios, que en la Alta Edad Media fueron semilleros de educación grecorromana, estudiaron, junto con la griega. y lat. idiomas y aritmética, música. Coristas monásticos y, algo más tarde, catedralicios. las escuelas fueron los focos prof. М. o., y la mayoría de las musas prominentes salieron de las paredes de estas escuelas. figuras de esa época. Uno de los cantantes más importantes. escuelas fue la “Schola Cantorum” en la corte papal en Roma (fundación aprox. 600, reorganizado en 1484), que sirvió de modelo para la contabilidad. establecimientos similares. escriba en las ciudades de Zap. Europa (muchos de ellos alcanzaron un alto nivel, en particular las escuelas de Soissons y Metz). Métodos de enseñanza coral. el canto se basaba en la asimilación de los cánticos de oído. El maestro utilizó los métodos de la quironomía: el movimiento de la voz hacia arriba y hacia abajo se indicó mediante movimientos condicionales de la mano y los dedos. Para dominar la información teórica existía especial. Tres. manuales escritos a mano, generalmente en forma de diálogos entre un maestro y un alumno (por ejemplo, libro. “Diálogo de musica” – “Diálogos sobre música”, atribuido a O. von Saint Maur); a menudo se aprendían de memoria. Para mayor claridad se utilizaron figuras y tablas. Como en la antigüedad, el monocordio servía para explicar los intervalos entre sonidos. Métodos musicales. la educación sufrió algunos cambios después de la reforma de Guido d'Arezzo (siglo XI), que constituyó la base de la moderna. escritura musical; introdujo un pentagrama de cuatro líneas, la designación de letras de las teclas, así como nombres silábicos. pasos del traste de seis pasos. Aproximadamente desde el siglo X. las escuelas monásticas se centran en el cap. arr. en la práctica del canto ritual y pierde interés por la música y la ciencia. educación. Aunque continúan ocupando una posición de liderazgo en la iglesia de la música durante muchos años. iluminación, gradualmente iniciativa en el campo del desarrollo de las musas. culturas, en particular o., va a las escuelas catedralicias. Aquí se perfila una tendencia cada vez mayor (sobre todo en el siglo XII) a combinar lo musical-teórico. la educación con la práctica, la interpretación y la composición. Una de las principales instituciones docentes de este tipo fue la escuela de la Catedral de Notre Dame (París), que sirvió de prototipo para las futuras metris. en un caballo 12 pulg en París, surgió una “corporación universitaria” de maestros y estudiantes, que sentó las bases de la Universidad de París (main. 1215). En él, en la facultad de arte, junto con el desarrollo de la música sacra. se estudiaba la vida cotidiana en el marco de las “siete artes libres” y la música. De acuerdo con los puntos de vista comunes en esos años en Europa, se prestó la mayor atención a lo científico y teórico. lado, considerado en el espíritu del racionalismo abstracto teológico. Al mismo tiempo, los miembros de la corporación universitaria, siendo a veces no solo músicos teóricos, sino también practicantes (intérpretes y compositores), estaban en estrecho contacto con la música cotidiana. Esto también afectó a la música. por aprender. En los siglos 12-14. botas altas de piel, en las que se estudiaba música. ciencia, surgió en otras ciudades de Europa occidental: en Cambridge (1129), Oxford (1163), Praga (1348), Cracovia (1364), Viena (1365), Heidelberg (1386). En algunos de ellos, teórico-musicales. se requerían pruebas para licenciaturas y maestrías. El profesor-músico universitario más grande de esta era era I. Muris, el conocimiento de las obras de quien durante muchos años se consideró obligatorio en Europa. un-tah Para la Edad Media. М. acerca de. también era característico: música seria, nada amateur. formación, que a menudo recibían los jóvenes caballerescos, en las escuelas de los monasterios y católicos. templos, en las cortes, así como en el proceso de conocimiento durante viajes y campañas con musas extranjeras. culturas; formación práctica de instrumentistas (cap. arr. trompetistas, trombonistas y violistas) en condiciones que se habían desarrollado en el siglo XIII. corporaciones artesanales de músicos, donde la naturaleza y la duración del trabajo con los futuros intérpretes estaban determinadas por reglas especiales del taller desarrolladas durante décadas; formación de músicos profesionales instrumentistas y organistas de catedral (los métodos de estos últimos se generalizaron en el siglo XV.

En el Renacimiento, las principales musas. las figuras se oponen a la escolástica en la teoría musical y en la música. aprendizaje, ver el significado de las lecciones de música en la práctica. hacer música (en la composición de música y la interpretación), intenta armonizar la teoría y la práctica en la asimilación de las musas. conocimientos y la adquisición de habilidades, que buscan en la música misma y en la música. aprendiendo la capacidad de combinar la estética. y principio ético (un principio tomado de la estética antigua). Sobre esta línea general de musas. La pedagogía también se evidencia por la orientación práctica de un número de uch. libros publicados en contra. 15 – rogar. Siglo XVI (además del mencionado tratado Pauman), – las obras de los franceses. científico N. Vollik (junto con su maestro M. Schanpecher), alemán – I. Kohleus, que soportó varias ediciones, suizo – G. Glarean, etc.

El desarrollo de m. acerca de. El sistema de notación musical relativamente precisa y al mismo tiempo flexible, que se formó en el Renacimiento, y el comienzo de la notación musical contribuyeron a esto. Música reformada. escritura y publicación impresa de música. discos y libros con ejemplos musicales crearon los requisitos previos que facilitaron enormemente las musas. enseñanza y transmisión de la música. experiencia de generación en generación. Esfuerzos musicales. La pedagogía estaba dirigida a la formación de un nuevo tipo de músico, ganando gradualmente una posición de liderazgo en la música. cultura, - un músico práctico educado, que mejoró en el coro desde la infancia. cantar, tocar el órgano, etc. instrumentos de hielo (cada vez mayor, especialmente desde el siglo XVI, el valor de instr. la música afectó el aprendizaje), en la música. teoría y art-ve para componer música y to-ry luego continuó participando en una variedad de prof. actividad de hielo Estrecha especialización en moderno. la comprensión, por regla general, no lo era: un músico, por necesidad, tenía que poder pasar de un tipo de actividad a otra, y el oficio de componer música y la improvisación en los años en que la composición no era independiente. profesión, todos recibiendo M. acerca de. La formación de un nuevo tipo de músico de amplio perfil propició el surgimiento de escuelas de música. habilidad, al mismo tiempo estas escuelas mismas dirigidas por los medios. personalidades del hielo contribuyeron a la formación de músicos profesionales. Estas escuelas individuales, alojadas en diferentes períodos históricos y en diferentes países, son diferentes. formas organizativas, generalmente creadas en grandes centros, donde había condiciones para la formación y la práctica. actividades de los jóvenes músicos. En algunas escuelas, el énfasis estaba en la enciclopedia. la formación de teóricos de la música y la práctica de la escritura, en otros (especialmente en el siglo XVIII), en las artes escénicas (entre los vocalistas, por ejemplo, y en la formación de habilidades virtuosas). Entre los músicos destacados que fundaron estas escuelas se encuentran varios nombres de G. Dufai, X. Isaka, Orlando Lasso, A. Willart y J. Tsarlino (siglos XV-XVI) a J. B. martini, f. E. Bahá, N. Porpora y J. Tartini (siglo XVIII). Escuelas de música. profesionalismo se crearon en estrecha vinculacion con uno u otro nat. la cultura del hielo, sin embargo, el impacto de estos nacionales. escuelas de pedagogía musical dr. países fue muy importante. Con frecuencia la actividad, p. ej., niderl. los maestros procedían en Alemania, alemán – en Francia, y francés., Niderl. o eso. jóvenes músicos completaron M. acerca de. en Italia o Suiza, etc. acerca de. los logros de las escuelas individuales se volvieron paneuropeos. los comunes. Organización musical. el aprendizaje se llevó a cabo de diversas formas. Uno de los más importantes (principalmente en Francia y Holanda) es la metriza. En esta escuela de canto bajo los templos católicos sistemáticamente. enseñar música a los chicos (canto, tocar el órgano, teoría) y al mismo tiempo. las materias de educación general se administraron desde una edad temprana. Significa el número de los maestros polifónicos más grandes de los siglos XV-XVII. recibido m acerca de. en metriza, que existió hasta el Gran Francés. revolución (sólo en Francia era entonces aprox. 400 metros). También existieron escuelas de tipo similar en otros países (por ejemplo, la escuela de la Catedral de Sevilla). En Italia, de orfanatos (conservatorios), donde se llevaban niños (Nápoles) y niñas (Venecia) dotados musicalmente, en el siglo XVI. había hielo especial tres. establecimientos (ver Conservatorio). Además de los orfanatos “con sesgo musical” en Italia, se crearon otros. escuelas de musica Maestros destacados impartidos en algunos de los conservatorios y escuelas (A. Scarlatti, A. Vivaldi y otros). A las 18 pulgadas La Academia Filarmónica de Bolonia disfrutó de fama europea (ver. Academia Filarmónica de Bolonia), un miembro y líder real del enjambre fue J. B. Martini. Música. el entrenamiento continuó con botas altas de piel; Sin embargo, en diferentes países se llevó a cabo de diferentes maneras. Es característica una tendencia general: la enseñanza de la música en los siglos XV-XVI. gradualmente liberado del escolasticismo, y la música comienza a ser estudiada no solo como una ciencia, sino también como un arte. Así, el profesor universitario G. En sus conferencias y escritos, Glare-an consideró la música tanto como una ciencia como un arte. práctica En el siglo 17, cuando el estudio de la música. teorías en la mayor parte de Europa. las botas altas de piel tendieron a disminuir (interés por la música y la ciencia. disciplinas comenzaron a revivir sólo a la mitad. siglo XVIII), en Inglaterra las tradiciones de la antigua teoría musical. se ha preservado el aprendizaje. Sin embargo, el papel de tocar música en los círculos humanísticos y con Inglés. El patio fue muy significativo, por lo que las universidades de Oxford y Cambridge buscaron preparar profesionales y aficionados que no solo supieran teoría musical, sino que también tuvieran habilidades prácticas. habilidades (junto con el canto, los estudiantes aprendieron a tocar el laúd, la viola y el virginal). En algunas ciudades de Alemania, música. formación de la universidad “artística. f-tov ”se trasladó a corporaciones privadas de internado organizadas dentro de las facultades. Entonces, en Colonia al principio. 16 pulg había cuatro corporaciones de este tipo, independientes entre sí, pero reportando a un líder. Música. también se organizaba formación en capillas (en cortes seculares o espirituales), donde el adv. Kapellmeister, a menudo un músico autorizado, enseñó música a jóvenes instrumentistas, futuros participantes en la corte. conjuntos, así como niños de familias nobles. Obtención general, ya veces especial. М. acerca de. También contribuyó a ciertas organizaciones que no persiguieron uch. objetivos, ej. Comunidades alemanas de aficionados de maestros de canto (meistersinger), miembros de los cuales, obedeciendo tradiciones estrictamente reguladas. reglas y entrega por un número de años especiales. pruebas, subió gradualmente la "escalera de títulos" de "cantante" a "escritor de letras" y, finalmente, a "maestro". Un tipo de música ligeramente diferente. “hermandad” (sing. e instr.) también estaban disponibles en otros. Europa países. general m o., to-roe a partir de aproximadamente el siglo XVI. más claramente separada de la especial, se llevó a cabo en diferentes tipos de escuelas secundarias Cap. arr. cantores a cargo de la iglesia escuela. música. A las 17 pulgadas en países protestantes (M. Lutero y otros representantes de la Reforma le atribuyeron una gran ética. significado para la amplia M. o.) los cantores, además de enseñar materias escolares, también enseñaban canto y dirigían el coro de la escuela, que desempeñaba una serie de funciones en la iglesia. y montañas. la vida. En algunas escuelas, los cantores también dirigieron instr. clases, brindando la oportunidad de tocar música a niños y adolescentes que, por una u otra razón, no sabían cantar. Sin embargo, por regla general, el camino hacia el instrumento pasaba entonces por el canto. En relación con la mayor atención a las ciencias naturales y las matemáticas, así como la influencia del racionalismo, etc. Factores del siglo XVIII. el significado y el volumen de la música. clases de lat. las escuelas han disminuido (con algunas excepciones, como en Thomasschule en Leipzig). Si los cantores en años anteriores recibieron formación universitaria, tenían amplios conocimientos en el campo de las humanidades y, a menudo, tenían el título de licenciado o maestro, entonces en el 2º jol. 18 pulg se convirtieron en profesores de música escolar, cuya formación se limitaba al seminario de profesores. En la música. La educación estuvo seriamente influenciada por destacados pensadores: el checo J. A. Comenius (siglo XVII) y el francés J. G. Rousseau (siglo XVIII). Uf. Los manuales, publicados en los siglos XVI-XVIII, reflejaban el estado de las musas. La pedagogía, contribuyó al desarrollo de la enseñanza general y especial. М. acerca de. y contribuyó a que los músicos de un país se familiarizaran con los logros musicales y pedagógicos de otro. Tratados de los siglos XVI y XVII (Tomás de Santa María, 16; J. Diruta, 1 hora, 1593, con varias reimpresiones posteriores, 2 horas, 1609; Spiridion, 1670) fueron dedicados. ch. arr. tocar instrumentos de teclado y la teoría de la composición musical. Significa el número de los más interesantes y resistió la prueba del tiempo uch. publicaciones, como resumiendo y consolidando los logros de instr., wok. y teórico-musical. educación, se publicó en el siglo XVIII: el libro de I. Mattheson “The Perfect Kapellmeister” (“Der vollkommene Capelmeister…”, 1739), cubriendo exhaustivamente la música. práctica de su tiempo, uch. manuales sobre bajo general y la teoría de la composición por F. A. Marpurga – “Tratado sobre la Fuga” (“Abhandlung von der Fuge”, TI 1-2, 1753-1754); “Guía para el bajo general y la composición” (“Handbuch bey dem Generalbasse und Composition”, Tl 1-3, 1755-58), obras de I. Yo. Fuchs “Step to Parnassus” (“Gradus ad Parnassum…”, 1725, en lat. lang., luego publicado en alemán, italiano, francés. e inglés. idioma) y J. B. Martini “Ejemplo o experiencia práctica fundamental de contrapunto” (“Ejemplare o sia saggio fondamentale pratico di contrappunto…”, pt. 1-2, 1774-75); tratados y escuelas, en las que DOS. se presta atención a aprender a tocar música. instrumentos, m. Saint-Lambert “Performance on the clavicémbalo” (“Principes de Clavecin”, 1702), P. Couperin “El arte de tocar el clavecín” (“L'art de toucher le Clavecin”, 1717), P. E. Bach “Una experiencia en la forma correcta de tocar el clave” (“Versuch über die wahre Art, das Ciavier zu spielen”, Tl 1-2, 1753-62), I. Y. Quantz “Experiencia en el manejo de la flauta travesera” (“Versuch einer Anweisung die Flöte traversiere zu spielen”, 1752, con reimpresiones posteriores. en alemán, francés y más yaz.), L. “La experiencia de una sólida escuela de violín” de Mozart (“Versuch einer gründlichen Violinschule”, 1756, con reimpresiones posteriores); trabajo de trabajo pedagogía p. F. Tosi "Discursos sobre viejos y nuevos cantantes" ("Opinioni de'cantori antichi e moderni", 1723, traducido con adiciones. Yaz. Y. F. Agricola, 1757, así como sobre otros. Europa escribe.). A las 18 pulgadas Se creó una gran literatura musical, en la que los autores establecieron deliberadamente tareas educativas y pedagógicas, desde las escuelas originales para violín, violonchelo, viola, arpa, flauta, fagot, oboe, clave y canto M. Correta (1730-82) a obras maestras como “Essercizi” (conocidas como sonatas) de D. Scarlatti, inventos y sinfonías I.

Gran francés. La revolución marcó un punto de inflexión en la historia de la cultura musical y, en particular, en M. acerca de. La creación del Conservatorio de París está directamente relacionada con este evento. Aprox. 18 pulg М. acerca de. se forma bajo la influencia de nuevos factores y sufre seres. cambios, aunque algunas antiguas tradiciones pedagógicas y métodos de enseñanza permanecen sin cambios durante décadas. Democratización del teatro musical. y conc. la vida, la aparición de nuevos teatros de ópera, la creación de nueva orquesta. colectivos, instr floreciente. la música y el virtuosismo, el amplio desarrollo de la música casera y todo tipo de cantantes. sociedades, un poco más de preocupación en el departamento. países sobre la enseñanza de la música en la escuela secundaria, todo esto requería más musas. figuras (intérpretes y profesores), además de centrarse en la mejora en una especialidad concreta concreta. Fundamentalmente lo más significativo de esta especialización fue que la formación de las artes escénicas como intérprete y virtuoso, así como amateur, se separó de la formación de composición e improvisación, y de la formación de músico teórico, aunque en menor medida. medida, estaba separado de la formación de un compositor. Se realizará especialización en un campo de uno u otro tipo. art-va, además de los requisitos de virtuosismo del intérprete, to-rye presentó musas. literatura, condujo a la creación de un nuevo tipo de cuenta. asignaciones - bocetos previstos Cap. arr. para el desarrollo de instr. técnica (bocetos de M. Clemente, I. Cramer, K. Cherny y otros. para fp.; r Kreuzer, J. Mazasa, Sh. Berio y otros. para violín, etc.). La educación musical también se vio afectada por la siempre creciente y cualitativamente cambiada en comparación con el siglo XVIII. el papel de varias instituciones educativas: privadas, municipales y estatales. Siguiendo al de París, uno tras otro, se abren conservatorios o similares. instituciones (academias, escuelas superiores de música, colegios) en pl. países de Europa. Estos uch. las instituciones eran muy diferentes no sólo en términos de calificaciones pedagógicas. composición, sino también de acuerdo con las tareas que se les encomendaron. Muchos de ellos enseñaron a profesionales y aficionados, niños, adolescentes y adultos, estudiantes de diferentes niveles de desarrollo y formación. El enfoque de la mayoría de los conservatorios era actuar. art-in, en some-ryh también se formaron maestros para escuelas y musas. crianza familiar. A las 19 pulgadas dobladillo. los conservatorios, salvo el parisino, no jugaron nada significativo. papel en la educación de los compositores. Los métodos de enseñanza de los músicos en el conservatorio eran diferentes. Entonces, en Francia, a diferencia de otros países, desde el principio 19 en. la base para la formación de músicos de diversas especialidades (en todas las etapas de formación) fue el curso de solfeo y dictado musical. Un lugar importante en este país lo ocupó un sistema de exámenes competitivos. En la 2ª mitad. 19 pulg en la prensa durante muchos años, ha habido disputas entre los partidarios de la educación de conservatorio y sus oponentes, que preferían la educación de los músicos fuera de la académica. establecimientos. Los críticos del sistema educativo conservador (entre ellos estaba R. Wagner) creía que la amplia formación de los músicos profesionales dificulta la formación del arte. individualidad de los más dotados de ellos. Defensores de los conservatorios (a principios del 20 in. sus argumentos fueron resumidos por G. Krechmar), coincidiendo con una serie de comentarios privados de sus oponentes (quienes escribieron sobre el estudio formal-escolástico de la teoría musical. disciplinas y su separación de la práctica, la estrechez y unilateralidad del repertorio en estudio, la pérdida en otros casos por parte de personas dotadas de fuerza y ​​tiempo en el transcurso de la formación conjunta con alumnos mediocres), al mismo tiempo señalaba la decisiva ventajas de formar músicos en el campo de la enseñanza. instituciones: 1) la oportunidad de combinar clases en la especialidad con el estudio de adicional. disciplinas de hielo (solfeggio, armonia, analisis de formas, historia de la musica, obligatoria para todos los FP. etc.) y práctico. tocar música en una orquesta, conjunto, coro y, a veces, ópera; 2) el papel estimulante de los ejemplos vívidos individuales y la competencia en el proceso de estudio en equipo; 3) mayor disponibilidad de M. acerca de. para una gama relativamente amplia de personas. Como antes, en el desarrollo de M. acerca de. Un papel excepcionalmente importante lo jugaron las escuelas de excelencia encabezadas por grandes maestros o músicos creativos (independientemente de si estas escuelas se crearon en los establecimientos o fuera de ellos). Se pueden distinguir los pianísticos (por ejemplo, M. Clementi, K. Cherny, F. chopin, f. lista, a. F. Marmontel, L. Dimera, T. Leshetitsky, L. Godovsky y otros), violín (por ejemplo, A. Viotana, Y. Joaquín, R. Kreutzer), directores (R. wagner, g. Malera) y otros. escuelas. A las 19 pulgadas Las universidades han desarrollado dos sistemas algo diferentes de M. o., en términos básicos conservados en el siglo XX. En algunos países (Alemania, Austria, Suiza, etc.), las botas altas de piel se han convertido en centros sólo de teórico-musical. educación; la creación práctica de música (estudiantes) coros, orquestas, conjuntos) era de naturaleza amateur aquí, sin embargo, a veces alcanzaba un nivel relativamente alto. Resumiendo la discusión sobre M. acerca de. con botas altas de piel, G. Krechmar en 1903 escribió eso para estudiar en la práctica. disciplina sería tan ilógico como enseñar gramática elemental y dibujo en la universidad, y que los aspirantes a la universidad fueran músicos prácticamente bien formados y aprobaran aquí solo musicología fundamental. y esteticista general. disciplinas En otros países (primero en Gran Bretaña, luego en EE.UU., etc.), donde la formación de musicólogos también se llevó a cabo con botas altas de piel, estudiantes junto con musicólogos. disciplinas dominadas música.

En los países capitalistas y en desarrollo modernos, el sistema de M. sobre., general y especial, es muy diferente. En la mayoría de los países, sólo unos pocos uch música especial. las instituciones son financiadas por el estado, mientras que la mayoría de ellas están a cargo de individuos y sociedades privadas. organizaciones; medio. número de escuelas de musas no tienen un perfil claro y, a menudo, imparten clases con profesionales y aficionados, con niños y adultos; tasa de matrícula en pl. uch. instituciones es relativamente alto, y solo los fondos privados de becas permiten recibir M. o. estudiantes superdotados de familias de bajos ingresos.

En el Reino Unido, clases de música en educación general. las escuelas de los dos primeros niveles (infantil y junior-school) se concentran Ch. arreglo en cantar Al mismo tiempo, el desarrollo de la audición se basa con mayor frecuencia en el método "tónico-sol-fa" de J. Curwen. Los coros de escuelas unidas a menudo interpretan un repertorio bastante complejo, desde obras de Palestrina hasta Op. R. Vaughan Williams. En la década de 1970 por iniciativa de la familia Dolmech, que promovió el block-fly y organizó su producción en Gran Bretaña, y luego en otros países de Europa Occidental. países; este instrumento junto con la percusión melódica. instrumentos (la sede de K. Orff) ocuparon un lugar importante en la escuela de música. aprendizaje. Estudiantes de diferentes niveles de educación general. las escuelas (incluida la escuela secundaria) pueden, si lo desean, recibir lecciones de piano de profesores privados. o orco. instrumentos. Las orquestas y conjuntos escolares están formados por estos estudiantes. En varios condados hay musas de la tierra. escuelas, en muchas ciudades de música juvenil privada. escuelas (Escuela de Música Junior). Los alumnos de varios tipos de escuelas (así como los profesores privados) tienen la oportunidad de mostrar sus musas. habilidades en organizaciones especiales (Generale Certificate of Education, Associated Board of the Royal Schools of Music, etc.). Después de eso, se decide la cuestión de si continuar con sus estudios de música. escuelas de un nivel superior (colegios musicales, conservatorios, academias) o en botas altas de piel. Las escuelas de músicos más famosas se encuentran en Londres (King Academy of Music and Dramatic Arts, King College of Music, King College for Organists), Manchester (King Manchester College of Music) y Glasgow (King Scottish Academy of Music). En las grandes ciudades donde hay botas altas de piel y musas. colegios, a menudo se elabora un plan conjunto de su trabajo, destinado no solo a capacitar a musicólogos, sino también a músicos en ejercicio, incl. maestros En Italia, educación general. las escuelas prestan poca atención a la música. Aquí, además de privado y la iglesia. escuelas de musica, hay estatales. conservatorios y montañas. liceos de música (los programas educativos de estos últimos difieren poco de los de conservatorio). Para ser admitidos a las pruebas finales, los alumnos de los conservatorios de toda la cuenta. curso debe aprobar los exámenes para los niveles inferior y superior. Para compositores, organistas, pianistas, violinistas y violonchelistas uch. el curso dura 10 años. En el Conservatorio “Santa Cecilia” (Roma), para compositores e instrumentistas egresados ​​de uno de los conservatorios, se han establecido cursos que dan música superior. calificación. En Siena, en la Academia de Chidzhana (dirigida por una organización pública internacional) se llevan a cabo, como en muchos otros. mucho más alto instituciones de otros países europeos, seminarios de verano para mejorar las habilidades de los músicos (las clases son dirigidas por profesores de diferentes países).

En Francia, desde 1946, la música ha ocupado un lugar cada vez mayor en el plan de estudios. programas de educación general. escuelas. La formación se lleva a cabo de acuerdo con un solo estado. programa, en el que se presta mucha atención al desarrollo de la audición y la producción de la voz. En la música estatal y privada. las escuelas, tambin en los conservatorios M. sobre. recibido por aficionados y profesionales; medio. algunos de los estudiantes son niños. Además del Conservatorio de París, también hay instituciones de educación superior privadas autorizadas en la capital. instituciones Las más importantes son: “Ecole de Músique de Classical Religios” (fundada en 1853 por L. Niedermeyer), “Schola Cantorum” (fundada en 1894 por A. Gilman y V. d'Andy), “Ecole Normale de Músique” (fundada por L. Niedermeyer). en 1919 A. Cortot y A. Manzho). Es característico que en Francia, donde en la organización de la formación en especial. música En las escuelas, el sistema competitivo juega un papel importante; los profesores de música de los liceos también son seleccionados para el examen competitivo, que consiste en comprobar la música. y conocimientos y habilidades pedagógicas del candidato. La formación de profesores de música de la más alta calificación (para las escuelas secundarias de educación general) se lleva a cabo en el Liceo de París. J. La Fontaine, donde cursos especiales de 3 años.

En Alemania, no existe una gestión centralizada de los temas culturales y, por lo tanto, la formulación de la educación en los estados federales es un tanto peculiar. En la educación general, la educación musical es obligatoria en las escuelas. Coral, así como infantil y literas. Las escuelas de música se fijaron como objetivo dar un M. o. general. En algunas de estas escuelas, aprendiendo a tocar la música. instrumentos de acuerdo con un programa especial comienza a la edad de 4 años. Para niños superdotados en dep. las escuelas de educación general están abiertas a la música. clases, y en algunas ciudades establecidas especiales. escuelas de musica Gor. y las escuelas privadas de música se unen en las sociedades de la RFA. organización – la Unión de Alemania. escuelas de música, to-ry desde 1969 comenzaron a desarrollar programas de formación para todas las musas. especialidades Las tareas del prof. la educación la deciden los conservatorios (por regla general, las instituciones de educación musical secundaria), las escuelas superiores de música. pleito, música. academias y un-tú (aquí estudian los principales arr. musicólogos).

L. Barenboim

En los EE.UU. origen M. sobre. asociado con el surgimiento de numerosas escuelas de cantores del siglo XVIII que se preparaban para el coro. cantando en las iglesias y en la religión. reuniones; los profesores no solían ser músicos profesionales, sino sacerdotes que aprovechaban la experiencia del inglés. canto de la iglesia. En 18 aparecieron los primeros manuales para tales escuelas; sus autores fueron el sacerdote J. Tufts y T. Walter. con actividades religiosas. la comunidad de los Hermanos Moravos (el asentamiento de Belén, cerca de Filadelfia, 1721) está asociada con la primera experiencia de M. o. regular.

Al principio 19 pulg. comenzó a desarrollarse la práctica de las clases particulares. En 1830's amer. iluminador l Mason insistió en la introducción del mandato. clases de música en el currículo escolar. La ausencia de musas superiores. Tres. instituciones y la incapacidad de mejorar en casa obligó a muchos. amer músicos para estudiar en Europa (cap. arr. en Francia y Alemania). Más tarde en Oberlin (Ohio) se fundó mus. colegio (1835), en el mismo lugar – el conservatorio (1865), en 1857 – Mus. Academy en Filadelfia, en 1862 – música. ft of Harvard College, en 1867 – Nueva Inglaterra. conservatorio en Boston, Mus. college en Chicago y el Conservatorio en Cincinnati, en 1868 - el Instituto Peabody en Baltimore, en 1885 - Nat. conservatorio de Nueva York, en 1886 – Amer. conservatorio de Chicago, en 1896 – música. Facultad de la Universidad de Columbia. Muchas de estas instituciones de musas se crearon a expensas de los mecenas. En 1876, la Asociación Nacional de Profesores de Música (MTNA). A la ambientación de M. acerca de. fuerte influencia fue ejercida por los tradicionales europeos. sistema educativo (el Conservatorio de París se convirtió en el prototipo de muchos conservatorios estadounidenses, ac. principalmente se utilizaron manuales en alemán). Inmigrantes de países europeos en contra. 19 – rogar. 20 cc dio impulso al desarrollo de Amer. realizar. escuelas, es decir porque muchos de los músicos virtuosos que llegaron se dedicaron a la docencia. trabajo (yo Vengerova, I. levin, e. Zimbalist y otros); se crearon nuevas cuentas. instituciones. De particular importancia fue la actividad de las Musas de Juilliard. escuelas en Nueva York en 1926), la Escuela de Música Eastman en Rochester (1921), el Instituto Curtis en Filadelfia (1924), el Conservatorio de San Francisco. Las musas comenzaron a ganar cada vez más importancia. f-usted en botas altas de piel. En la década de 1930, en relación con la expansión del fascismo en varios países europeos, muchos emigraron a los Estados Unidos. destacados músicos que han conectado sus actividades con el Amer. un-tami (p. Hindemith – con la Universidad de Yale, A. Schoenberg – con California en Los Ángeles, P. G. Lang – con Columbia, etc.). Si antes las botas altas de piel en los EE. UU. se limitaban a la formación de profesores (los intérpretes y compositores solían recibir una educación en el conservatorio), con el tiempo comenzaron a formar personal creativo, así como musicólogos para realizar investigaciones musicales. Las nuevas tendencias se han desarrollado en las universidades del Sur. California e Indiana, y en las décadas de 1950 y 60. se han convertido en un fenómeno típico para la mayoría de las universidades estadounidenses. En los años 50 se empezó a sentir una aguda escasez de docentes. marcos A sugerencia de comp. N. La Fundación Dello Gioio Ford creó el Proyecto de lo moderno. música, según Krom, los jóvenes compositores debían liderar el proceso de M. acerca de. en las escuelas, lo que haría más creativo el aprendizaje. naturaleza. En los años 60-70. el principio de experimentación en la puesta en escena musical. Tres. proceso se hizo diferente. rasgo del Amer. М. acerca de. Incluye el uso de Z. Kodaya, K. Orfa, T. Suzuki, así como experiencias con computadoras y sintetizadores de sonido, la creación de enseñanza superior de jazz. establecimientos (Boston, etc.). En 70-s. música de preescolar y primaria. La educación en los Estados Unidos se basa en el uso del principio del juego de aprendizaje, que incluye el canto, rítmica. ejercicios, familiaridad con la notación musical, escuchar música. En la escuela secundaria (universidad), las clases de música generalmente incluyen tocar instrumentos; coro común. conjuntos, grupos de viento y jazz, sinfónicos. orquestas Minnesota. Las universidades atraen a artistas altamente profesionales para trabajar. conjuntos, así como compositores bajo contrato por un año o más. Tres.

En Canadá, M. o. tiene mucho en común con M. o. en los EE.UU. Entre la música especial uch. las instituciones más grandes son la Academia de Música de Quebec (fundada en 1868), el Conservatorio Canadiense de Toronto (1870), el conservatorio de Montreal (1876), Toronto (1886) y Halifax (1887). Los mejores educadores se centran en la música. botas altas de piel de Toronto, Montreal, etc. Muchas de las botas altas de piel tienen un coro. y conjuntos de cámara, y algunos – sinfónicos. orquestas

En Australia, las escuelas de música del tipo más simple se crearon en la primera mitad. Siglo XIX Más tarde hubo musas. universidad de Adelaida (fundada en 1; transformada en conservatorio), música. una escuela en Melbourne (más tarde el Conservatorio N. Melba), un conservatorio en Sydney (fundado en 19), en el Nuevo Sur. pozos y otros. Al principio. Música del siglo XX creada. f-usted en botas altas de piel de Melbourne, Sydney, Adelaide. De con. 1883 en los programas de cuenta comenzaron a introducirse modernos. música, se empezaron a aplicar nuevos principios y métodos de enseñanza. El papel principal en este movimiento pertenece a las Musas de Canberra. escuela, principal en 1914, según el tipo de Amer. Escuela Juilliard. Los estudiantes de verano comenzaron a funcionar. campamentos (desde mediados de la década de 20; Melbourne, Adelaide), en los que se impartían clases de música, se realizaban conciertos y se realizaban encuentros con destacados músicos. La actividad de las Musas australianas es de gran importancia. comisión examinadora que realiza anualmente pruebas teóricas. sujetos e instrumentos de ejecución con el fin de mejorar las musas en general. nivel. En 1960, se creó la Asociación de Regiones de Moscú.

En los países de Lat. América M. o. desarrollado aproximadamente de la misma manera: de la práctica privada y musas primitivas. las escuelas a la organización de la música. colegios, conservatorios y musas. f-tov en botas altas de piel, y al principio se copió europeo. y sólo en la década de 1950. Empezaron a surgir formas nacionales. Músicos de los países de Lat. Los estadounidenses que anteriormente estudiaron en Europa y los Estados Unidos eligen cada vez más estudiar en su propio país. Los países líderes en el campo de la declaración M. sobre. — Argentina, Brasil, México.

En Argentina, el primer musical uch. Institución (Academia de Música) Fue inaugurada en 1822 en Buenos Aires, por iniciativa de los comp. A. Williams, aquí se creó un conservatorio (1893, más tarde también llamado así por A. Williams). Luego en Buenos Aires – música. centro de Lat. América, se fundaron dos conservatorios más, el Nacional que lleva el nombre de CL Buchardo (1924) y el Municipal que lleva el nombre de M. de Falla. Surgió toda la música R. 60-70. uch. instituciones de Córdoba (grupo experimental de la Escuela de Bellas Artes, 1966), Escuela Superior de Música de Mendoza, música. f-usted en el católico. universidades de Buenos Aires y las universidades de La Plata, Música Superior. in-t en la Universidad del Litoral en Rosario y otros. Un evento importante fue la creación de Lat.-Amer. centro de música superior. investigaciones en Ying-aquellos T. Di Tellya (1965). La actividad de Argent es de gran importancia. Sociedad de Profesores de Música (fundada en 1964).

En Brasil, el primer musical uch. institución – Rey. conservatorio de Río de Janeiro (1841, desde 1937 – Escuela Nacional de Música). Una gran contribución al desarrollo de M. sobre. presentó a Komi. E. Vila Lobos, que fundó una serie de musas. escuelas, así como el conservatorio coral Nacional. canto (1942, principalmente con fines pedagógicos), luego Vraz. academia de musica OL Fernandis (1945, Río de Janeiro). A la música más importante uch. Las instituciones brasileñas también son propietarias de Braz. el conservatorio de Río de Janeiro (fundado en 1940), el Conservatorio de Arte Dramático y Música de Sao Paulo (fundado en 1909). En la década de 1960 surgieron nuevas formas experimentales de M. sobre.: Svobodny mus. seminario en la Universidad de Bahía, Cursos de verano en Teresopolis (cerca de Río de Janeiro), Mus. Seminario Pro Arte (Río de Janeiro); música organizada. escuelas en Recife, Porto Alegre, Belo Horizonte, etc.

En México, los centros de mayor M. o. son Méx. nacional conservatorio y música. escuela un-ta en la Ciudad de México, así como música. filial del Instituto Nacional de Bellas Artes (Ciudad de México), Conservatorio de Guadalajara, etc.

Prácticamente en todos los países Lat. América tiene las musas más altas. uch. instituciones (conservatorios o música. F-usted botas altas de piel), a-centeno difieren principalmente en el nivel de configuración cuenta. proceso, más que programas y métodos de enseñanza.

ESTÁ BIEN. Ser. Comenzó la penetración europea del siglo XIX. formas M. o. a países asiáticos y africanos. El concepto eurocéntrico, según el cual la mayoría de los no europeos. civilizaciones reconocidas como subdesarrolladas o incluso primitivas, negadas casi por completo nat. valores culturales. Misioneros y luego Cristo. Las organizaciones religiosas acostumbraron a los africanos al catolicismo. o iglesia protestante. cantando. La administración colonial plantó en las escuelas europeas. sistema educativo, incluido y musicales. Más tarde, muchos músicos talentosos de países asiáticos y africanos comenzaron a estudiar en Gran Bretaña (Trinity College, donde muchos compositores de África Occidental recibieron su educación), Francia, Alemania y los Estados Unidos. En casa, cultivaban europeo occidental. música y principios de enseñanza. T. o., música. la alfabetización y la profesionalidad como tales se han vuelto cercanas a los europeos occidentales. la música educa. calificación. Tendencias positivas en M. sobre. conectado, por un lado, con la iluminación. actividades del departamento destacados músicos europeos en Asia y África (por ejemplo, A. Schweitzer), por otro lado, con los intentos de figuras nacionales. culturas para encontrar un compromiso aceptable entre Oriente. y aplicación (experimentos de R. Tagore en Shantiniketon).

El renacimiento cultural en la mayoría de los países de Asia y África ha provocado un profundo interés en las tradiciones. formas de demanda nacional. Surgieron muchos problemas difíciles: anotar nar. música o cultivarla en la tradición oral, preservar el folclore sin cambios o desarrollarlo, usar el estilo europeo occidental. experiencia o no aplicarlo. Ya se está formando una red de musas en muchos países. instituciones, se desarrollan programas de capacitación y se cuenta con especialistas calificados.

En Japón, el proceso de construcción de musas. en-tov moderno. tipo comenzó antes que en otros países de Asia y África – al principio. siglo 19 En 1879 los japoneses el gobierno de la organización de M. sobre. Amer. fue invitado a las escuelas del país. el músico y educador LW Mason (trabajó allí durante tres años; la práctica musical escolar en Japón retuvo el nombre de "canciones de Mason" durante mucho tiempo). de Ser. Los programas escolares de la década de 1970 son desarrollados y supervisados ​​por el Ministerio de Educación. Gran valor en los niños M. sobre. tenía el método de T. Suzuki, asociado al desarrollo de habilidades auditivas a través del violín. juegos. Entre las instituciones superiores de Japón destacan: un-you art en Tokio (antes Escuela Académica de Música) y Osaka, Mus. Academia Tentsokugakuan (desde 1967), música. Escuela Universitaria Kiusu, Chiba, Colegio Toyo.

En India los centros M. sobre. se convirtió en la Academia de Música, Danza y Drama ("Academia Sangeet Natak", 1953) en Delhi con sucursales en muchos otros. estados del país, música. Colegio “Carnatic” en Madrás, Universidad de Gandharva en Bombay, Academia de Música en Thiruvananthapuram, música. universidades en Mysore, Varanasi (Benares), Delhi, Patna, Calcuta, Madrás y otras ciudades. Los mejores maestros de ind. están involucrados en la enseñanza. música – ustads que antes actuaban de forma aislada y no tenían las condiciones necesarias para una sistemática. enseñar a los jóvenes (tocar el sitar y el vino, el arte del ragi, la improvisación, etc.). Los programas de formación cubren toda la variedad de ind. música, y también reflejan su conexión con otras artes (danza, teatro). Borrar. Los sistemas de M. sobre. India no ha recibido mucho desarrollo.

Medio. el sistema de M. sobre ha sufrido transformaciones. escuelas primarias, secundarias y superiores en árabe. países. En El Cairo, Egipto, se estableció un conservatorio en 1959 con teoría y actuación. f-tami; Desde 1971 funciona la Academia de Esclavos. música (antes Escuela de Música Oriental, luego, desde 1929, Instituto de Música Árabe), donde se estudia la música tradicional. música y juegos en nat. instrumentos. El desarrollo de M. sobre. en las escuelas contribuyó a la formación de la pedagogía. personal (Inst. para la formación de profesores de música en Zamalek, El Cairo). En Irak, el centro de la música era la Academia de Bellas Artes con un departamento de música (fundada en 1940, Bagdad), en Argelia, el Instituto Nacional de Música, que consta de tres departamentos (investigación, pedagógico y folclórico), etc. En muchos de estas instituciones educativas, músicos soviéticos.

En Irán, hay Conservatorio nacional y Conservatorio de Europa. música, principal en 1918 en Teherán, el Conservatorio de Tabriz (1956), así como los departamentos de música de las universidades de Teherán y Shiraz. Se ha creado un estudio de música para niños y jóvenes en la radio y la televisión de Irán.

En Turquía, mayor M. o. concentrada en los conservatorios de Estambul y Ankara.

Los procesos complejos ocurren en M. o. países africanos. Los primeros conservatorios del continente (en Ciudad del Cabo, Johannesburgo, el Conservatorio de África Oriental en Nairobi) funcionan desde hace décadas, pero estaban destinados principalmente a personas no africanas. Después de la conquista de la independencia en la mayoría de los países de África M. se entra activamente en el lago. Recibió especial desarrollo en Ghana, donde se creó la Facultad de Música y Drama en la Universidad de Ligon, el Instituto para el Estudio de África (la investigación musical es la base de sus actividades), Nat. Academia de Música en Winneba, Instituto Africano de Música en Accra, mus. ft Ying-ta en Cape Coast. Musas. Las universidades de Akropong y Achimota trajeron varios. generaciones de músicos ghaneses.

La música es de gran importancia en Nigeria. universidades de Lagos, Ibadan e Ile-Ife, así como colegios en Zaria y Onich. La producción de M. de o. alcanzó un nivel relativamente alto. en Senegal, Malí (Escuela Nacional de Música de Conakry) y Guinea, los departamentos de música de las universidades de Makerere (Uganda), Lusaka (Zambia), Dar es Salaam (Tanzania) comienzan a desempeñar un papel cada vez más importante.

En los conservatorios de los países africanos se estudia principalmente la aplicación. música (disciplinas teóricas e instrumentos de ejecución), y sobre música. f-tah un-tov se presta especial atención a nat. música, el Instituto para el Estudio de África se ocupa del problema de preservar y desarrollar el folclore del continente.

La puesta en escena de M. o. se está volviendo cada vez más importante. al principio. y escuelas secundarias (en muchos países la música es una materia obligatoria). La tarea más importante es la transmisión de tradiciones. herencia, pero sus métodos siguen siendo en gran medida los mismos que hace siglos.

El problema de M. sobre. – uno de los principales en la preservación y desarrollo de las culturas antiguas de Asia y África, por lo tanto, UNESCO, Intern. El Consejo de Música, la Sociedad Internacional de Profesores de Música y otros le prestan especial atención.

Se están desarrollando programas que tienen en cuenta las características específicas y el grado de desarrollo de M. o. en este país, se utilizan métodos de enseñanza nuevos, a veces experimentales (por ejemplo, según los sistemas de Z. Kodaly y K. Orff), se llevan a cabo conferencias, congresos y seminarios, se realizan asistencia de asesoramiento e intercambios de personal.

JK Mijailov.

La educación musical en el período prerrevolucionario. Rusia y la URSS. Sobre M. o. en Dr. Poca información se ha conservado en Rusia. En la pedagogía que se desarrolló entre la gente, junto con los proverbios, los dichos, los cuentos de hadas y las canciones, el sincretismo también jugó un papel importante. (incluida la música) art. acciones, en las que se reflejaba una mezcla de otros lenguajes. y rituales cristianos. En Nar. el entorno nació como una especie de bufón: un "actor" profesional multilateral, las habilidades to-rogo se adquirieron en el proceso de formación familiar o de taller. De generación en generación también se transmitió la música poética. tradiciones de compositores de cantos heroicos-glorificantes. La enseñanza sistemática de la música (más precisamente, el canto de la iglesia) se llevó a cabo tanto en las escuelas establecidas en las iglesias y monasterios, donde se capacitaba al clero y a las personas alfabetizadas que necesitaba el estado, como directamente en los coros de los templos, que no solo eran grupos de interpretación, sino también también escuelas de canto. . Los cantantes y cantores de la iglesia se criaron en tales escuelas (ver canto Znamenny).

Durante el período de aislamiento feudal de las tierras rusas, las ciudades capitales de los principados específicos: Vladimir, Novgorod, Suzdal, Pskov, Polotsk, etc. – se convirtieron en los centros de la iglesia. veneno. culturas y aquí se desarrollaron sus cantores locales. escuelas que se basaron en los principios generales del canto znamenny, pero le introdujeron ciertas características peculiares. Se ha conservado información sobre uno de los mejores y más antiguos cantantes. escuelas del siglo XII, establecidas por Andrey Bogolyubsky en Vladimir. Algo más tarde, el papel principal en la iglesia. Novgorod comenzó a tocar cantando y enseñando este arte, que durante muchos años mantuvo su posición de liderazgo. Cantante de Nóvgorod. La escuela ha preparado destacadas figuras de la música. cultura de esa época: intérpretes, compositores de música, teóricos y maestros. Durante el período de organización de una Rus centralizada. state-va, encabezado por Moscú nat. cantante. la escuela absorbió los logros de muchas escuelas locales y sobre todo de Novgorod. Dos novgorodianos, los hermanos S. y B. Rogovyh, la actividad to-rykh pertenece al medio. Siglo XVI, considerados los fundadores de Moscú. escuelas de la iglesia. canto. Savva Rogov disfrutó de una fama especial como maestra. Sus alumnos famosos, Fedor Krestyanin (más tarde un maestro famoso) e Iván la Nariz, fueron tomados por Iván el Terrible como cortesano. maestros del canto en Moscú. Las tradiciones de la escuela de Novgorod también fueron desarrolladas por el tercer estudiante ilustre de Rogov: Stefan Golysh, musical y pedagógico. actividad to-rogo tuvo lugar en los Urales en posesión de los comerciantes Stroganov. Distribución y desarrollo del canto. La cultura fue promovida por el decreto de la "Catedral de Stoglavy" (Moscú, 1551), que obligó a los sacerdotes y diáconos a crear Moscú en casa en todas las ciudades. Escuelas rusas para enseñar a los niños no solo a leer y escribir, sino también a “cantar salmos de iglesia”. El establecimiento de estas escuelas estaba destinado a reemplazar la educación de los llamados. maestros de alfabetización (empleados y “gente mundana” que se comprometían con los niños del departamento a leer, escribir, rezar y cantar) y ampliar la red de uch. instituciones que existieron en los siglos XIV-XV. en algunas ciudades dr. Rusia. maestros de la iglesia. cantos, que formaban parte del advenimiento. hora (creado en con. siglo XV), a menudo se enviaban a otras ciudades, monasterios e iglesias para elevar el nivel del coro. rendimiento. El musical-teórico más sencillo. los cantantes sirvieron como ayudas. alfabetos (incluidos en decomp. colecciones de los siglos XV-XVII, ver Alfabeto musical), en el que se dan un breve conjunto y contornos de los signos de la letra del gancho. Aprobación de los nuevos, muchos objetivos. estilo coral. cantando (cf. Partes cantando) y el reemplazo relacionado de la escritura znamenny con notación de 5 lineales en el segundo piso. 17 pulg revolucionó la forma de enseñar música. Sistemático. un conjunto de reglas para el canto de partes se da en el tratado de N. AP Diletsky “Gramática Musical”, destinado a la formación de cantantes y compositores. A diferencia de los famosos “alfabetos”, basados ​​en puramente empíricos. En principio, la obra de Diletsky se caracteriza por ser racionalista. orientación, el deseo no sólo de enunciar las reglas, sino también de explicarlas. Un tipo especial de provisiones de cuenta, que gozaba de una conocida distribución en contra. Siglo 17, representan el llamado. signos dobles, que contienen una presentación paralela de melodías en znamenny y notación lineal de 5. La “Clave del Entendimiento” de Tikhon Makarievsky pertenece a este tipo. con caballo Siglo XV, cuando en Moscú. Rus comenzó a invitar a músicos extranjeros, comenzó la participación de los rusos. saber en instr.

En el suroeste de Rusia, que fue parte de los siglos 16-17. en la estructura del estado polaco-lituano-va, el significado conocido en la distribución de M. sobre. tenia unas denominadas escuelas fraternales, establecidas religiosas y educativas. organizaciones y sirvió como un bastión de Rusia, Ucrania. y bielorruso., la población contra el nat. opresión y conversión al catolicismo. Siguiendo la escuela de Lvov (fundada en 1586), aprox. 20 escuelas fraternas. En estos adelantados por su cuenta de tiempo. instituciones (muchos principios pedagógicos de estas escuelas se reflejaron más tarde en la "Gran Didáctica" de Ya. A. Comenius) enseñaban canto y materias del quadrivium, que incluía música. Sobre la base de la escuela fraternal de Kyiv (fundada en 1632) y la escuela de Kiev-Pechersk Lavra (fundada en 1615) que se fusionaron en 1631, se estableció la primera escuela ucraniana. institución de educación superior – el colegio Kiev-Mohyla (desde 1701 – la academia), en el que, junto con otras materias, también se estudiaba música. En Moscú, sobre el modelo del Kyiv Collegium, en 1687 se abrió Slavic-Greek-Lat. academia, donde también se enseñaba la iglesia. el canto y las “siete artes libres”.

En el siglo XVIII, bajo la influencia de las reformas de Pedro I, el centeno contribuyó a la inclusión del país en el curso general del desarrollo de Europa. civilización, contenido y organización de M. o. criaturas soportadas. a través del cambio. La liberación de la cultura musical de la tutela de la iglesia, la reducción del papel de la música de culto, la creación musical secular en constante expansión (orquestas y coros militares en las calles y plazas, danza y música de mesa en "asambleas", representaciones musicales y teatrales , el surgimiento del final de la vida) y, finalmente, el creciente deseo de hacer música amateur en una sociedad noble: todo esto afectó el carácter de M. o. Revela varias tendencias: la más importante es empezar a adquirir música. educación en laica, y no sólo en la educación espiritual. en-tah; en la vida dif. maestros espirituales. Instituciones penetran instr secular. música; METRO. o., especialmente en el 2do piso. XVIII, dirigida no sólo a las necesidades de la corte. y, en parte, la iglesia. vida cotidiana, sino también para satisfacer las necesidades de sociedades mucho más amplias. círculos La necesidad de músicos practicantes y la necesidad de un Mo general a lo largo del siglo XIX. aumentó más y más. Musas. la educación de la nobleza estuvo a cargo de Ch. arr. visitantes directores de orquesta, concertinos de orquesta y clavicordiarios, entre los que se encontraban grandes maestros. La formación de músicos profesionales se llevó a cabo con mayor frecuencia en instituciones educativas, que condicionalmente se pueden dividir en dos tipos. Algunos se dieron a la tarea de formar músicos profesionales, cap. arr. orquestadores y cantantes. Incluso a principios del siglo XVIII en Moscú, y luego en San Petersburgo. Petersburgo, músicos militares dados de baja del extranjero y sirviendo en la corte. a las orquestas se les enseñaba a tocar el viento (metales y maderas) y la percusión. instrumentos de jóvenes, seleccionados de la composición del adv. coristas En 1740, en el Adviento. capilla (transferida a St. Petersburgo en 1713), que durante más de dos siglos formó coristas calificados, un coro. directores, y en el departamento casos y compositores (D. S. Bortnyansky, M. S. Berezovsky), se establecieron bajo la dirección de. director orquesta i. Clases de Gyubner aprendiendo a jugar al orco. herramientas. Anteriormente, en 1738, se abrió una escuela de canto e instrumentación en Glukhov, Ucrania. música (tocar el violín, el arpa y la bandura); aquí a la mano. un regente especial recibió la inicial M. o. principalmente el futuro adv. coristas Entre otros uch. establecimientos – st. Petersburgo teatro. escuela (fundada en 1738, pero formada finalmente en 1783), en la que se impartían no sólo representaciones escénicas, sino también música. arte-wu y música. clases de la Academia de las Artes. inaugurado en la década de 1760. y existió durante varias décadas (entre los alumnos - comp. B. I. Fomín). Sobre la atención, que se prestó en el siglo XVIII. organizaciones prof. M. o., testificar a los gobiernos. decretos (no cumplidos) sobre el establecimiento de la Música Ekaterinoslav.

en cuenta instituciones de un tipo diferente, un aspecto importante de la educación de la nobleza, y en parte de la raznochin, la juventud es la filología general. La primera escuela laica, en el programa de un enjambre desde la década de 1730. incluía lecciones de música sistemáticas, era el Cuerpo de Cadetes (entonces la nobleza de la tierra). Debido a la necesidad práctica de muchas de estas instituciones, a menudo se forman músicos profesionales. A tales estudiantes se les debe asignar instituciones de música. Clases establecidas en el 1er piso. Siglo XVIII en el gimnasio de la Academia de Ciencias, en el segundo piso. Siglo XVIII — en Moscú. un-those (gimnasios nobles y raznochinny y el Noble Boarding School en un-those), en el Instituto Smolny para Doncellas Nobles y el "departamento pequeñoburgués" con él, en Moscú. y Petersburgo. educar. casas, en el gimnasio de Kazan, subordinado a Moscú. un-tu, y en varios gimnasios de otras provincias. Clases de música en muchas de estas escuelas. los establecimientos se alzaban a gran altura (estaban dirigidos por destacados músicos, a menudo extranjeros). Por lo tanto, los alumnos del Instituto Smolny (el sistema de educación musical que se había desarrollado en él se transfirió más tarde a otras instituciones educativas nobles de clase de un tipo similar) fueron capacitados no solo en interpretación (tocar el arpa, piano, canto), pero también teoría musical, y en algunos casos composición. En el futuro, algunos de los alumnos de los nobles empobrecidos comenzaron a prepararse para la música y la pedagogía. actividades. Debido al hecho de que en muchas fincas terratenientes y montañas. casas nobles organizaron coros de siervos, instr. (incluidos los cuernos) conjuntos y orquestas, así como t-ry, se hizo necesario formar músicos de siervos. Se llevó a cabo tanto en casa (músicos extranjeros, que fueron invitados a las haciendas), como en forma especial. escuelas de música para siervos, creadas en las ciudades. Aparentemente, las primeras escuelas de este tipo comenzaron a funcionar en la década de 18. Aquí enseñaban a cantar, a jugar al orco. y teclados, así como bajo general y composición musical. A veces, para preparar el repertorio necesario, se enviaba a músicos siervos a tales escuelas en grupos enteros.

En las clases pedagógicas en el último cuarto del siglo XVIII. (especialmente después de que se agotó la colección de canciones populares de V. Trutovsky, 18-1776, e I. Prach, 95), el ruso comenzó a desempeñar un papel cada vez más importante. nar. canto y danza (en el original, arreglos y transcripciones). La distribución de M. sobre. en diferentes capas de la sociedad rusa ha creado la necesidad de publicar prácticas. uch. asignaciones (primera transferible). Uno de los primeros manuales que desempeñó un papel importante en la historia de Rusia. M. o., fue la “Escuela del clave, o indicación breve y sólida para la concordia y la melodía” de GS Lelein (1790-1773), que se basaba en la práctica del clave, contenía disposiciones generales de la teoría de la composición y se distinguía por una buena -iluminación conocida. latitud. Al principio. Aparecieron traducciones del siglo XIX de alguna otra música. libros de texto (por ejemplo, L. Mozart - "La escuela fundamental de violín", 74; V. Manfredini - "Reglas armónicas y melódicas para la enseñanza de toda la música", traducida por SA Degtyarev, 19), así como una escuela doméstica de piano. I. Pracha (1804).

Hasta los años 60. Siglo XIX en el sistema ruso. profe. M. o. no hubo cambios fundamentales, aunque aumentó la necesidad de músicos de diversas especialidades y se exigió cada vez más la calidad de su formación. En las escuelas de teatro de St. Petersburgo y Moscú, no solo se formaron actores dramáticos, sino también cantantes y miembros de orquesta para teatros de ópera, y al principio. Las clases musicales "superiores" del siglo XIX se establecieron para aquellos que tenían un éxito especial. Estos uch. establecimientos, así como Pridv. el cantor de la capilla eran los unicos gobiernos. in-tami, que se dio a la tarea de formar músicos profesionales. M. o. ampliado en la capilla: en contra. Se abrieron clases de orcos en la década de 1830. instrumentos, y algo más tarde, las clases de fp. y ensayos. Al principio. 2º cuarto del siglo XIX Las escuelas de música para siervos perdieron su importancia anterior y dejaron de existir gradualmente. importante papel en la difusión de la música. Las culturas (en parte en la formación de músicos profesionales) todavía eran interpretadas por uch medio y superior. instituciones, en las que hubo musas. clases, – gimnasios, botas altas de piel (Moscú, St. Petersburgo, Kazan, Kharkov), Mining in-t, Uch-sche jurisprudence, mujeres cerradas en ti. En estos institutos de mujeres, a pesar de una serie de deficiencias en la organización de MO, se formó un sistema de educación (que incluía tocar el instrumento, música de conjunto, solfeo, armonía y práctica pedagógica), que luego se convirtió en la base de la enseñanza. plan de conservatorios, y profesoras de institutos femeninos prepararon trabajos serios sobre temas musicales. (cap. arr. fp.) pedagogía. Especialista. música privada. había muy pocas escuelas (una de ellas la abrió DN Kashin en 1840 en Moscú) y música casera. la formación siguió siendo muy eficaz. Las lecciones privadas fueron dadas por extranjeros que vincularon su destino con el ruso. cultura musical (I. Gesler, J. campo, a. Henselt, L. Maurer, K. Schubert, A. Villon), rus. compositores (a. L. Gurilev, A. E. Varlamov y otros), instrumentistas y compositores (A. O. Sikhra, D. N. Kashin, N. Ya. Afanasiev y otros), y en los años 50. joven a. G. y N. G. Rubinstein y M. A. Balakirev. Las lecciones en casa solían limitarse a la práctica de tocar algún instrumento o cantar; musical-teórico. y musical-histórico. los estudiantes generalmente no recibieron educación. Recarga estas criaturas. brecha sólo en una medida muy pequeña podría público. conferencias, centeno arreglado con estafa. 1830 cap. arr. en petersburgo Surgiendo en estos años planes para la organización de especiales. música uch. instituciones dieron testimonio de la urgente necesidad de un M. más amplio, más profundo y más versátil. o. Uno de estos planes pertenecía al conductor de Moscú. Gran Tesorero F. Scholz, quien presentó en 1819 un proyecto para el establecimiento de las Musas en Moscú. conservatorio. El proyecto no se llevó a cabo, Scholz solo consiguió en 1830, poco antes de su muerte, el permiso para organizar la enseñanza gratuita de bajo general y composición en su casa. El autor de otro proyecto no realizado fue A. G. Rubinshtein, quien propuso en 1852 abrir en St. Petersburgo en la Academia de las Artes de las Musas.

A principios de la década de 1860, la cultura del hielo rusa “amenazó con una brecha entre la intelectualidad compositiva, que se esforzaba por conquistar las alturas del arte, y los oyentes del entorno de la democracia rusa, que eran muy variopintos en sus gustos” (B. A. Asafiev, “Había tres de ellos…”, Sat. “Música soviética”, vol. 2, 1944, pág. 5-6). Sólo una amplia preparación de las patrias podía ayudar a la causa. intérpretes, profesores y compositores, to-rye podría elevar aún más el nivel del ruso. La vida de hielo no solo en Moscú y St. Petersburgo, sino en todo el país. Durante este período, la actividad de A. G. Rubinstein y sus asociados, quienes se dispusieron a organizarse bajo los auspicios de Rus. ice ob-va (inaugurado en 1859) el primer ruso. conservatorio. Esta actividad se desarrolló en condiciones difíciles: en enfrentamientos con la frontera. reaccionario. círculos y en una atmósfera de acalorado debate con aquellos que temían el "academismo sin nacionalidad" creado por el prof. Tres. instituciones. Establecido bajo Rus. hielo ob-ve en 1860 mus. clases (canto, piano, violín, violonchelo, teoría elemental, coro. ensayo de canto y práctica) sirvió de base para el descubrimiento en 1862 de St. Petersburgo conservatorio (hasta 1866 se llamó Mus. profesor) encabezado por A. G. Rubinstein. En el mismo año, en oposición al conservatorio M. A. Balakirev y G. Ya Lomakin fundada en St. Música libre de San Petersburgo. escuela, una de cuyas tareas era dar un M. acerca de. (información teórico-musical elemental, habilidad para cantar en un coro y tocar en una orquesta, etc.) para amantes de la música. En 1866, también sobre la base de las musas previamente organizadas (en 1860). clases, se estableció el Moscú. conservatorio, cuyo director fue el iniciador de su creación, N. G. Rubinstein. Ambos conservatorios jugaron un papel muy importante en el desarrollo del ruso. profe. М. acerca de. y ganaron reconocimiento mundial principalmente porque fueron enseñados por músicos destacados: en St. Petersburgo – A. G. Rubinstein (entre sus alumnos de la primera graduación estaba P. Y. Chaikovski), F. O. Leshetitsky (desde 1862), L. C. Auer (desde 1868), N. A. Rimsky-Korsakov (desde 1871), A. A. Lyadov (desde 1878), F. М. Blumenfeld (desde 1885), A. N. Esipova (desde 1893), A. A. Glazunov (desde 1899), L. A. Nikolaev (desde 1909) y otros; en Moscú – N. G. Rubinstein, p. Y. Chaikovski (desde 1866), S. Y. Taneev (desde 1878), V. Y. Safonov (desde 1885), A. N. Scriabin (desde 1898), K. N. Igumnov (desde 1899), A. B. Goldenweiser (desde 1906), N. A. Mettner (desde 1909) y otros. A lo largo de las décadas, la estructura de los conservatorios que formaban músicos en todas las especialidades ha cambiado, pero sus siguientes características se han mantenido constantes: la división en dos departamentos: el inferior (los estudiantes eran aceptados incluso en la infancia) y el superior; “clases científicas” (sirvieron para mejorar la educación general. nivel de estudiante); premiación a los alumnos que completaron el curso completo del conservatorio y aprobaron el especial. exámenes finales, un diploma de “artista libre” (hasta la década de 1860). Este título fue recibido solo por graduados de la Academia de las Artes). Los conservatorios contribuyeron a la formación del ruso. realizar. y escuelas de compositores. Cierto, patria. voz La escuela se formó mucho antes bajo la influencia inmediata de M. Y. Glinka y A. C. Dargomyzhsky, quien enseñó el departamento. alumnos no sólo los principios generales de la música. rendimiento, pero también el cantante. habilidad; uno de los que nutrieron a los compositores de la nueva escuela rusa fue M. A. Balakirev, quien instruyó a jóvenes músicos en el espíritu de los preceptos de Glinka. Un alcance incomparablemente más amplio está adquiriendo la actividad de los fundadores de aquellas escuelas que se han desarrollado en los conservatorios. Los fundadores de los dos más grandes de Rusia. Las escuelas de compositores se convirtieron en: en St. San Petersburgo – N. A. Rimsky-Korsakov, en Moscú – P. Y. Chaikovski. En la 2ª mitad. 19 y principios de 20 cc número de hielo ruso tres. Los establecimientos aumentaron gradualmente. Sucursales locales Rus. hielo sobre-va musas abiertas. escuela en Kyiv (1863), Kazan (1864), Saratov (1865), y más tarde en otros. ciudades del país. Posteriormente, las escuelas de Saratov (1912), Kyiv y Odessa (1913) se reorganizaron en un conservatorio. En 1865, se estableció el capítulo. dirección Rus. ice about-va, al que el enjambre pasó “todos los deberes y preocupaciones sobre el desarrollo de Mo En Rusia". El propósito de organizar esta dirección, que estaba encabezada por uno de los miembros de la familia real, era asegurar que el gobierno, sin liderar oficialmente las musas. Tres. instituciones, tenían la oportunidad de controlar sus asuntos e interferir en su trabajo desde una posición de casta de clase. En 1883, se inauguró el Teatro de Drama Musical en el conservatorio npiB-ax. escuela cerca de Moscú. Filarmónico. sobre-ve. En 1887 a. G. Rubinstein con el proyecto de música infantil universal. educación, proponiendo introducir en los grados inferiores todas las artesanías y literas. colegio, gimnasios clásico y real, cuerpo de cadetes coro obligatorio. canto, solfeo y solfeo elemental. Este proyecto utópico para esos años se llevó a cabo solo en algunas zonas privilegiadas. establecimientos. Significa papel en el desarrollo del ruso. М. acerca de. tocado por muchos músicos privados. Escuelas abiertas en estafa. 19 – rogar. 20 cc en St. Petersburgo (Música-drama. cursos e. AP Rapgofa, 1882; Musas. clases i. A. Glisser, 1886; Especialista. escuela fp. juegos y cursos de pianistas-metodólogos S. F. Schlesinger, 1887), Moscú (música. escuela b Yu Zograf-Plaksina, 1891; hermanas Evg. F, Elena F. Gnesins, 1895; EN. A. Selivanova, 1903), Kiev, Odessa, Kharkov, Rostov-on-Don, Tbilisi, etc. ciudades. Conservatorios, uch-shcha y musas. Las escuelas prerrevolucionarias de Rusia existían principalmente debido a las tasas de matrícula relativamente altas y, por lo tanto, M. acerca de. solo los hijos de padres adinerados o estudiantes dotados individuales apoyados por patrocinadores o, como excepción, exentos de las tasas de matrícula podrían recibir. Con el fin de adjuntar a la música. cultura de la población en general, músicos progresistas con. 19 – rogar. 20 siglos, en cierto sentido continuando la tradición de la música libre. escuelas, comenzaron a crear uch. establecimientos (algunos se llamaban Nar. conservatorios), donde fue posible recibir a M. acerca de. gratis o por un módico precio. En san Petersburgo, estas escuelas incluían: Música pública. pedagogo de la clase. el museo (bas. en 1881), que sirvió de base para la investigación en el campo de la música infantil. pedagogía; Música infantil gratis. escolarizarlos. Glinka, organizada en 1906 por iniciativa de M. A. Balakireva y S. М. Liapunova; Conservatorio de nombre, que fue inaugurado en 1906 por N. A. Rimsky-Korsakov, A. A. Liadov A. A. Verzhbilovich y L. C. Auer (los graduados recibieron la calificación de Nar. profesores de música y canto). Una de las instituciones más eficaces y autorizadas de este tipo fue Nar. conservatorio de Moscú en 1906), los músicos más destacados participaron en el establecimiento y las actividades del enjambre: S. Y. Tanev, E. E. Líneava, B. L. Yavorsky, N.

Oct La revolución supuso cambios radicales en la organización y puesta en escena de M. acerca de. Orientación y cuidado económico de las musas. Tres. instituciones fueron asumidas por el estado (Decreto del Consejo de Nar. Comisionados en la transferencia de todas las cuentas. establecimientos en Vedepie Nar. del Comisariado de Educación del 5 de julio de 1918), allanando el camino para la amplia difusión del general M. sobre., proporcionando a los estudiantes el prof. Tres. Instituciones educación gratuita y becas. Esto abrió el acceso a la educación para los jóvenes trabajadores, incl. y representantes de nacionalidades culturalmente atrasadas. Entre gobiernos. eventos que contribuyeron a la atracción por la música superior. escuela de obreros y campesinos, fueron la organización de los llamados. Artes Unidas. facultad obrera, la transferencia de su música. departamento (establecido en 1923) bajo la autoridad de Moscú. conservatorio (1927) y luego la apertura de escuelas obreras en Moscú. (1929) y Leningrado. (1931) conservatorios. En los primeros años posteriores a la revolución, los principios generales que formaron la base de la reestructuración de M. acerca de. Los más significativos de ellos: 1) la proclamación del deber de la música universal. educación (decreto de las Musas. Departamento de Narkomiros sobre la enseñanza del canto y la música en una escuela de trabajo unificado, a más tardar el 19 de octubre. 1918) y el reconocimiento de la gran importancia del general M. acerca de. tanto para elevar la cultura de la gente como para identificar personas musicalmente capaces adecuadas para el prof. Lecciones de musica; 2) una comprensión de la necesidad de formar músicos que tengan una especialización bien definida (interpretación, composición, enseñanza, ilustración, musicología) y que al mismo tiempo posean una amplia gama de conocimientos en su especialidad, en temas y sociedades afines. disciplinas; 3) conciencia del enorme papel de la producción. prácticas en la uch. institución y más allá (esto condujo a la organización de estudios de ópera en los conservatorios; el primero de ellos se abrió en 1923 en Petrogrado. conservatorio); 4) estableciendo como requisito que un músico de cualquier profesión pueda combinar su prof. actividades educacionales. Para la formación del sistema de búhos. М. acerca de. El papel especialmente importante fue jugado por organizativo y metódico. búsquedas en el período 1917-27. Crucial para el desarrollo posterior del prof. М. acerca de. fueron firmados B. Y. Decreto de Lenin del Consejo del Pueblo. Komissarov del 12 de julio de 1918 sobre la transición de Petrogrado. y Mosk. conservatorios "bajo la jurisdicción del Comisariado del Pueblo para la Educación en pie de igualdad con todas las instituciones de educación superior con la eliminación de la dependencia de la Sociedad Musical Rusa", así como las resoluciones posteriores del mismo año, que anunciaron provincia y ciudad. Tres. establecimientos Rus. hielo sobre-va estado. A finales de la primera y principios de la segunda década del siglo XX. música en el punto de mira. público – preguntas del general M. acerca de. y en este sentido la obra es enormemente esclarecedora. escuelas que abrieron en Petrogrado, Moscú, etc. ciudades. Las escuelas tenían diferentes nombres: Nar. escuelas de hielo, escuelas de musica educacion, nar. conservatorio, cursos generales de música popular, educación, etc. En el trabajo de estas instituciones que puso metódico. los fundamentos de los búhos. general m o., participaron músicos destacados: en Petrogrado – B. A. Asafiev, M. H. Barínova, S. L. Ginzburg, N. L. Grodzenskaya, W. G. Karatyguin, L. A. Nikoláyev, V. A. Sofronitsky y otros; en Moscú – A. A. Alejandrov, N. Ya Bryusova A. F. Gedike, A. D. Kastalsky, W. N. Shatskaya y otros. En la etapa inicial de desarrollo de los búhos. М. acerca de. sus organizadores enfrentaron una serie de dificultades. Las raíces de algunos fueron a lo prerrevolucionario. formación práctica musical, cuando no se diferenciaba la formación de futuros profesionales y aficionados, M. acerca de. no se dividió en etapas dependiendo de la edad de los estudiantes. El Dr. las dificultades fueron causadas por la aparición, a menudo espontánea (especialmente en 1918-20), de muchas musas diversas. Tres. establecimientos de tipo especial y general. Se llamaban escuelas, cursos, estudios, círculos, escuelas técnicas e incluso conservatorios e institutos, no tenían un perfil claro y no podían atribuirse con suficiente certeza a la educación primaria, secundaria o superior. instituciones. Paralelismo en el trabajo de estas cuentas. instituciones comenzaron a ralentizar el desarrollo de M. acerca de. El primer y todavía muy imperfecto intento de crear un sistema armonioso de M. acerca de. se emprendió en 1919 en las “Disposiciones Básicas sobre la Universidad Estatal de Música” (este nombre significaba toda la red de escuelas especiales). y el general m. acerca de. desde elemental hasta avanzado). Siguiendo el pensamiento de A. A. Lunacharsky que todo el sistema de educación general, desde el jardín de infantes hasta la universidad, debe ser "una escuela, una escalera continua", los compiladores de las "Disposiciones básicas ..." subdividieron el especial. hielo tres. instituciones en tres niveles de acuerdo con el nivel de la música. conocimientos y habilidades de los estudiantes. Sin embargo, no pudieron dividir las tareas de educación, crianza e ilustración, ni fijar los límites de edad para la educación en los tres niveles de la “Universidad de la Música”. Trabajos posteriores sobre la tipificación de la música. Tres. instituciones y la actualización de sus programas, en los que participaron los más destacados búhos. músicos asociados a las actividades de B. L. Yavorsky, quien desde 1921 dirigió el Mus. Departamento de la Dirección General de Formación Profesional. Para la reestructuración posterior M. acerca de. su informe "Sobre los principios de la construcción de planes de estudio y programas en una escuela de música profesional" (leído el 2 de mayo de 1921) tuvo un impacto serio, en el que, en particular, por primera vez en la música. pedagogía del siglo 20 la tesis se presentó con tanta perseverancia: "el elemento de la creatividad debe incluirse en los programas de todos los cursos" tomados en la educación. instituciones en varios niveles. Aproximadamente en 1922, se delineó una tendencia característica, que continuó afectando en los años siguientes: se presta cada vez más atención a las preguntas del prof. М. acerca de. y especificaciones disciplinas (tocar instrumentos, cantar). A esta época pertenece también la organización de las primeras musas secundarias especializadas. escuelas – música. escuelas técnicas, en los años 30. rebautizado como escuela. Al 2do piso. 20s una cierta estructura se ha desarrollado. o., conservado durante varios años: 1) inicial M. acerca de. en forma de dos tipos de escuelas - 4ra etapa de 1 años (para niños), que funcionaban en paralelo con la escuela laboral y eran independientes. Tres. instituciones, o los primeros eslabones de las musas. escuelas técnicas, y cursos de general M. acerca de. para adultos que solo tenían música: ilumínelo. Tareas; 2) profesion promedio. М. acerca de. – escuelas técnicas (escénicas e instructor-pedagógicas); 3) superior – conservatorio. En relación con la reforma sobre. en 1926 se organizó el Centro en Leningrado. escuela técnica de hielo, en cuyo trabajo se reflejó una nueva creatividad. Tendencias y búsquedas en la música. pedagogía, que tuvo un grave impacto en el desarrollo posterior de los búhos. М. acerca de. Entre los profesores de la escuela técnica había destacados leningradenses. los musicos En la historia del M superior. acerca de. un hito importante fue el documento de Nar. Comisariado de Educación, preparado sobre la base de los informes de las figuras más destacadas de la cultura musical soviética A. B. goldenweiser, m. F. Gnesina, M. A. Ivanov-Boretsky, L. A. Nikoláeva A. A. Ossovsky y otros, – “Regulaciones sobre los Conservatorios de Moscú y Leningrado” (1925). Este documento finalmente legitimó la pertenencia de los conservatorios al más alto nivel de M. o., se estableció su estructura (científico-compositor, intérprete e instructor-pedagógico. f-usted), se determinó el perfil de los egresados ​​y los términos de la formación, se estableció el instituto de estudiantes de posgrado. con señor Los años 20 también comenzaron a formarse musicólogos en los conservatorios (antes, antes de la revolución, no había ninguna institución que formara tales especialistas). Sin embargo, el comienzo de la musicología superior. educación en el país soviético – 1920, cuando en Petrogrado, en el Instituto de Historia del Arte, se abrió la Facultad de Historia de la Música (existió hasta 1929 en forma de Cursos para la Formación de Especialistas en Historia del Arte). Para 1927, el ordenamiento de la estructura general de los búhos. М. acerca de. se completó en gran parte, aunque ha sufrido cambios posteriores. Entonces, musas de 4 años. las escuelas se convirtieron en escuelas de 7 años (en 1933) y se establecieron escuelas de música en varios conservatorios. escuelas de diez años, se amplió el sistema de profesores de los conservatorios (de ser. años 30), organizado por musicales y pedagógicos. en-ti (la primera se inauguró en 1944 Muz.-Pedagógica.

Ser K. Sistema de organización de los años 70 M. acerca de. en la URSS hay un rastro. . El nivel más bajo es música para niños de 7 años. escuelas (octavo grado adicional, para aquellos que se preparan para ingresar a la música). uch-sche), cuyo propósito es dar un M. acerca de. e identificar a los estudiantes más capaces que quieren ser especiales. М. acerca de. Las disciplinas estudiadas aquí incluyen: tocar un instrumento (fp., arco, viento, folk), solfeo, música. diplomado y teoría, coro. canto y conjuntos. Al nivel más bajo del general M. acerca de. también hay escuelas nocturnas para adolescentes y jóvenes. A la etapa intermedia M. acerca de. incluyen 4 años uch. instituciones: escuela de música, en la que se forman músicos profesionales de calificación media (instrumentistas, cantantes, directores de coro, teóricos) para trabajar en orquestas, coros y enseñar en música infantil. escuelas (los más dotados, después de graduarse de la escuela, ingresan a la competencia en educación superior. establecimientos); musical-pedagógico. uch-scha, profesores de música graduados para educación general. líderes de escuelas y jardines de infancia de música. En ciertos conservatorios e institutos hay especiales para niños de 11 años. escuelas de hielo donde los estudiantes, preparándose para la admisión a la música. las universidades reciben M. acerca de. y al mismo tiempo. tomar un curso de educación general. escuela secundaria. El nivel más alto M. acerca de. incluye: conservatorios, musico-pedagógicos. en-tú y en-tú arte-en (con la facultad de música); la duración de su formación es de 5 años. Aquí se forman especialistas de la más alta calificación: compositores, instrumentistas, cantantes, sinfonistas, ópera y coros. directores de orquesta, musicólogos y directores de música. t-ditch Los de más alto nivel también son musicales y pedagógicos. f-usted en pedagógico. en-tah; Los futuros profesores de música de la más alta calificación (metodólogos) se forman aquí para la educación general. escuelas y profesores de música y pedagogía. disciplinas para la pedagogía. universidad En la mayoría de las escuelas de música y universidades tienen departamentos vespertinos y por correspondencia, donde los estudiantes reciben educación sin detener su trabajo. Con muchas musas. universidades y n.-y. Se organizan estudios de posgrado in-ta (con educación de 3 años a tiempo completo y 4 años en departamentos por correspondencia), destinados a la preparación científica. trabajadores y docentes de universidades sobre la historia y teoría de la música y la interpretación. pleito, música. estética, métodos de enseñanza de la música. disciplinas Formación de profesores-compositores y profesores-intérpretes de música. instituciones de educación superior se lleva a cabo en una pasantía de asistente organizada en los principales conservatorios e institutos (curso de estudio a tiempo completo 2, curso por correspondencia - 3 años). Recibieron difusión los cursos de formación avanzada de profesores de música. las escuelas, uch-shch y las escuelas secundarias a las musas autorizadas medias y superiores. Tres. establecimientos. Se presta mucha atención al establecimiento de varios tipos de musas. escuelas en las repúblicas nacionales. En la RSFSR, Bielorrusia y Ucrania, en las repúblicas del Báltico y Transcaucasia, así como en las RSS de Kazajstán, Kirguistán, Tayikistán, Turkmenistán y Uzbekistán, que estaban en la era prerrevolucionaria. áreas de tiempo atrás, creó una gran red de musas. Tres. instituciones. A partir de 1975, hay 5234 instituciones de música para niños en la URSS. escuelas, 231 música. universidad, 10 universidad de isk-v, 12 profesor de música. escuela, 2 musica. escuela coreográfica, 20 conservatorios, 8 institutos de artes, 3 musicales y pedagógicos. en-ta, 48 música. f-tov en pedagógico. en-tah. logros m acerca de. en la URSS también se deben al hecho de que pedagógico. El trabajo en las universidades de música estuvo y está siendo liderado por los más destacados compositores, intérpretes, musicólogos y metodólogos. Desde 1920-s. en las universidades de hielo de los búhos comenzó un serio n.-y. y metodólogo. obra, que condujo a una revisión con base en las disposiciones del marxismo-leninismo, los contenidos y métodos de enseñanza tradicionales para los prerrevolucionarios. conservatorio de solfeo y musico-histórico. artículos, así como la creación de nuevas cuentas. disciplinas En particular, cursos especiales de historia y teoría de la interpretación, así como métodos de enseñanza para tocar diferentes instrumentos. La estrecha relación de la pedagogía y la ciencia. la investigación contribuyó a la creación de medios. número de libros de texto y uch. prestaciones por disciplinas básicas incluidas en los planes de lechuza.

En otros países socialistas donde M. o. es de propiedad estatal, su estructura general (la división de las instituciones de educación musical en 3 niveles: primaria, secundaria y superior) es en general similar a la adoptada en la URSS (aunque en algunos de estos países los musicólogos no están capacitados en educación musical. instituciones, pero con botas altas de piel). Al mismo tiempo en cada país en la organización de M. sobre. hay algunos específicos. características debido a las peculiaridades de su nacional. cultura.

En Hungría, donde M. o. basado en la misma metodología. principios de B. Bartok y Z. Kodály, y donde el estudio de los húngaros ocupa un lugar enorme en todos los niveles. nar. música y tomando un curso de solfeo basado en solmización relativa, el esquema para construir la educación después de 1966 es el siguiente: educación general de 7 años. escuela con sesgo musical (y con aprendizaje optativo de tocar instrumentos musicales) o música de 7 años. una escuela en la que los niños estudian mientras asisten a clases de educación general. escuela; el siguiente paso es un prof de secundaria de 4 años. una escuela (con un gimnasio de educación general adjunto), y para aquellos que no tengan la intención de convertirse en músicos, una escuela de educación musical general de 5 años; Escuela Superior de Música. demandarlos. F. Liszt (Budapest) con un curso de estudio de 5 años, en el que se forman músicos en todas las especialidades, incl. musicólogos (el departamento de musicología se organizó en 1951) y profesores de música para el comienzo. escuelas (en un departamento especial; estudio durante 3 años).

En Checoslovaquia, musas superiores. y musico-pedagógico. uch. hay instituciones en Praga, Brno y Bratislava; hay conservatorios (instituciones de educación musical secundaria) y en varias otras ciudades. Un papel importante en la música-pedagógica. vida del país y en el desarrollo de los métodos musicales. aprendiendo a jugar Chesh. y eslovaco. music about-va, uniendo a profesores-músicos de distintas especialidades.

En la RDA hay escuelas superiores de música. pleitos en Berlín, Dresden, Leipzig y Weimar; las escuelas de Berlín y Dresde incluyen música especializada. escuela, conservatorio (institución musical secundaria) y educación superior propiamente dicha. institución. En la Escuela Superior de Música de Berlín funcionó hasta 1963 la facultad obrera-campesina.

En Polonia – 7 musas superiores. uch. instituciones: en Varsovia, Gdansk, Katowice, Cracovia, Lodz, Poznan y Wroclaw. Están preparando músicos decomp. profesiones, incluso e ingenieros de sonido (departamento especial de la Escuela Superior de Música de Varsovia). Especialistas en la historia de la música, la música. Estética y etnografía está siendo preparado por el Instituto de Musicología de Varsovia.

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