Rodion Konstantinovich Shchedrín |

Rodion Shchedrín

¡Oh, sé nuestro guardián, salvador, música! ¡No nos dejes! ¡Despertad más a menudo nuestras almas mercantiles! golpea más fuerte con tus sonidos en nuestros sentidos dormidos! ¡Agitar, desgarrarlos y ahuyentarlos, aunque sea por un momento, a este egoísmo fríamente terrible que está tratando de apoderarse de nuestro mundo! N. Gogol. Del artículo “Escultura, pintura y música”

En la primavera de 1984, en uno de los conciertos del II Festival Internacional de Música de Moscú, se realizó el estreno de "Autorretrato": variaciones para una gran orquesta sinfónica de R. Shchedrin. La nueva composición del músico, que acaba de cruzar el umbral de su cincuentenario, quemó a unos con una emotiva declaración desgarradora, a otros emocionados con la desnudez periodística del tema, máxima concentración de pensamientos sobre su propio destino. Es verdaderamente cierto que se dice: “el artista es su propio juez supremo”. En esta composición de una sola parte, igual en significado y contenido a una sinfonía, el mundo de nuestro tiempo aparece a través del prisma de la personalidad del artista, presentado en primer plano, y a través de él se conoce en toda su versatilidad y contradicciones - en activo y estados meditativos, en contemplación, autoprofundización lírica, en momentos de júbilo o explosiones trágicas llenas de duda. Para “Autorretrato”, y es natural, se juntan hilos de muchas obras escritas previamente por Shchedrin. Como a vista de pájaro, aparece su camino creativo y humano, del pasado al futuro. ¿El camino del “querido del destino”? ¿O “mártir”? En nuestro caso, sería un error decir ni lo uno ni lo otro. Se acerca más a la verdad decir: el camino de la osadía “desde la primera persona”…

Shchedrin nació en una familia de músicos. Padre, Konstantin Mikhailovich, fue un famoso disertante musicólogo. La música se tocaba constantemente en la casa de los Shchedrin. La música en directo fue el caldo de cultivo que formó paulatinamente las pasiones y los gustos del futuro compositor. El orgullo de la familia era el trío de piano, en el que participaban Konstantin Mikhailovich y sus hermanos. Los años de la adolescencia coincidieron con una gran prueba que cayó sobre los hombros de todo el pueblo soviético. Dos veces el niño huyó al frente y dos veces fue devuelto a la casa de sus padres. Posteriormente Shchedrin recordará más de una vez la guerra, más de una vez el dolor de lo vivido resonará en su música –en la Segunda Sinfonía (1965), coros a poemas de A. Tvardovsky– en memoria de un hermano que no volvió de la guerra (1968), en “Poetoria” (en st. A. Voznesensky, 1968) – un concierto original para el poeta, acompañado por una voz femenina, un coro mixto y una orquesta sinfónica…

En 1945, un adolescente de doce años fue asignado a la recién inaugurada Escuela Coral, ahora ellos. AVSveshnikova. Además de estudiar disciplinas teóricas, el canto era quizás la principal ocupación de los alumnos de la escuela. Décadas más tarde, Shchedrin diría: “Experimenté los primeros momentos de inspiración en mi vida mientras cantaba en el coro. Y, por supuesto, mis primeras composiciones también fueron para el coro…” El siguiente paso fue el Conservatorio de Moscú, donde Shchedrin estudió simultáneamente en dos facultades: en composición con Y. Shaporin y en la clase de piano con Y. Flier. Un año antes de graduarse, escribió su Primer Concierto para piano (1954). Esta primera obra atrajo con su originalidad y viva corriente emocional. El autor de veintidós años se atrevió a incluir 2 motivos de cancioncillas en el elemento pop de concierto: la siberiana "Balalaika está zumbando" y la famosa "Semyonovna", desarrollándolas efectivamente en una serie de variaciones. El caso es casi único: el primer concierto de Shchedrin no solo sonó en el programa del próximo pleno de compositores, sino que también se convirtió en la base para admitir a un estudiante de 4º año... a la Unión de Compositores. Habiendo defendido brillantemente su diploma en dos especialidades, el joven músico se perfeccionó en la escuela de posgrado.

Al comienzo de su viaje, Shchedrin probó diferentes áreas. Estos fueron el ballet de P. Ershov El caballito jorobado (1955) y la Primera sinfonía (1958), la Suite de cámara para 20 violines, arpa, acordeón y 2 contrabajos (1961) y la ópera No sólo amor (1961), una cantata satírica de recurso “Bureaucratiada” (1963) y Concierto para orquesta “Naughty ditties” (1963), música para representaciones teatrales y películas. La marcha alegre de la película "Vysota" se convirtió instantáneamente en un éxito de ventas musical... La ópera basada en la historia de S. Antonov "Tía Lusha" se destaca en esta serie, cuyo destino no fue fácil. Volviendo a la historia, abrasada por la desgracia, a las imágenes de simples campesinas condenadas a la soledad, el compositor, según confesión, se centró deliberadamente en la creación de una ópera “tranquila”, en contraposición a las “representaciones monumentales con extras grandiosos”. puesta en escena entonces, a principios de los años 60. , pancartas, etc.” Hoy es imposible no lamentar que en su época la ópera no fue apreciada y comprendida ni siquiera por los profesionales. La crítica notó solo una faceta: humor, ironía. Pero, en esencia, la ópera Not Only Love es el más brillante y quizás el primer ejemplo en la música soviética del fenómeno que más tarde recibió la definición metafórica de "prosa de pueblo". Bueno, el camino por delante siempre es espinoso.

En 1966, el compositor comenzará a trabajar en su segunda ópera. Y este trabajo, que incluyó la creación de su propio libreto (aquí se manifestó el don literario de Shchedrin), tomó una década. “Dead Souls”, escenas de ópera según N. Gogol: así tomó forma esta grandiosa idea. E incondicionalmente fue apreciado por la comunidad musical como innovador. El deseo del compositor de "leer la prosa cantada de Gogol por medio de la música, perfilar el carácter nacional con la música y enfatizar la infinita expresividad, vivacidad y flexibilidad de nuestro idioma nativo con la música" se materializó en los dramáticos contrastes entre el aterrador mundo de traficantes de almas muertas, todos estos Chichikovs, Sobeviches, Plyushkins, cajas, manilovs, que flagelaron sin piedad en la ópera y el mundo de las "almas vivientes", la vida popular. Uno de los temas de la ópera se basa en el texto de la misma canción “La nieve no es blanca”, que el escritor menciona más de una vez en el poema. Basándose en las formas de ópera históricamente establecidas, Shchedrin las reconsidera audazmente, las transforma sobre una base fundamentalmente diferente y verdaderamente moderna. El derecho a innovar lo proporcionan las propiedades fundamentales de la individualidad del artista, firmemente basado en un conocimiento profundo de las tradiciones de los más ricos y únicos en sus logros de la cultura doméstica, en la sangre, la participación tribal en el arte popular: su poética, melos, diversas formas. “El arte popular evoca el deseo de recrear su incomparable aroma, de “correlacionar” de alguna manera con su riqueza, de transmitir los sentimientos que suscita y que no se pueden expresar con palabras”, afirma el compositor. Y sobre todo, su música.

Este proceso de “recreación del folclore” se profundizó gradualmente en su trabajo, desde la elegante estilización del folclore en el primer ballet “El pequeño caballo jorobado” hasta la colorida paleta sonora de Mischievous Chastushkas, el sistema dramáticamente duro de “Rings” (1968) , resucitando la estricta simplicidad y el volumen de los cantos de Znamenny; desde la encarnación en música de un retrato de género brillante, una imagen fuerte del personaje principal de la ópera "No solo amor" hasta una narración lírica sobre el amor de la gente común por Ilich, sobre su actitud personal más íntima hacia "el más terrenal de todas las personas que han pasado por la tierra” en el oratorio “Lenin in the Heart folk” (1969) – lo mejor, estamos de acuerdo con la opinión de M. Tarakanov”, la encarnación musical del tema leninista, que apareció en la víspera. del centenario del nacimiento del líder. Desde el pináculo de la creación de la imagen de Rusia, que sin duda fue la ópera "Almas muertas", puesta en escena por B. Pokrovsky en 100 en el escenario del Teatro Bolshoi, el arco se lanza a "El ángel sellado" - música coral en 1977 partes según N. Leskov (9). Como señala el compositor en la anotación, se sintió atraído por la historia del pintor de íconos Sevastyan, “quien imprimió un antiguo ícono milagroso profanado por los poderosos de este mundo, en primer lugar, la idea de la imperecedera belleza artística, el poder mágico y edificante del arte.” "El ángel capturado", así como un año antes creado para la orquesta sinfónica "Stikhira" (1988), basado en el canto de Znamenny, están dedicados al 1987 aniversario del bautismo de Rusia.

La música de Leskov continuó lógicamente una serie de predilecciones y afectos literarios de Shchedrin, enfatizando su orientación basada en principios: “… No puedo entender a nuestros compositores que recurren a la literatura traducida. Tenemos una riqueza incalculable: literatura escrita en ruso. En esta serie, se le da un lugar especial a Pushkin ("uno de mis dioses"): además de los dos primeros coros, en 1981 se crearon los poemas corales "La ejecución de Pugachev" en el texto en prosa de la "Historia de la rebelión de Pugachev” y “Estrofas de “Eugene Onegin””.

Gracias a las actuaciones musicales basadas en Chéjov: "La gaviota" (1979) y "La dama del perro" (1985), así como las escenas líricas escritas anteriormente basadas en la novela de L. Tolstoy "Anna Karenina" (1971), el galería de los encarnados en el escenario de ballet se enriqueció significativamente heroínas rusas. La verdadera coautora de estas obras maestras del arte coreográfico moderno fue Maya Plisetskaya, una destacada bailarina de nuestro tiempo. Esta comunidad -creativa y humana- ya tiene más de 30 años. Independientemente de lo que cuente la música de Shchedrin, cada una de sus composiciones lleva una carga de búsqueda activa y revela los rasgos de una individualidad brillante. El compositor siente agudamente el pulso del tiempo, percibiendo con sensibilidad la dinámica de la vida actual. Ve el mundo en volumen, captando y capturando en imágenes artísticas tanto un objeto específico como el panorama completo. ¿Será esta la razón de su orientación fundamental hacia el método dramático del montaje, que permite perfilar con mayor claridad los contrastes de imágenes y estados emocionales? Basado en este método dinámico, Shchedrin se esfuerza por la concisión, la concisión ("poner información de código en el oyente") de la presentación del material, por una estrecha relación entre sus partes sin ningún vínculo de conexión. Entonces, la Segunda Sinfonía es un ciclo de 25 preludios, el ballet "La Gaviota" se basa en el mismo principio; El Tercer Concierto para piano, como muchas otras obras, consta de un tema y una serie de sus transformaciones en diversas variaciones. La polifonía viva del mundo circundante se refleja en la predilección del compositor por la polifonía, tanto como principio de organización del material musical, una forma de escribir y como un tipo de pensamiento. “La polifonía es un método de existencia, para nuestra vida, la existencia moderna se ha vuelto polifónica”. Esta idea del compositor se confirma prácticamente. Mientras trabajaba en Dead Souls, creó simultáneamente los ballets Carmen Suite y Anna Karenina, el Tercer Concierto para piano, el Cuaderno polifónico de veinticinco preludios, el segundo volumen de 24 preludios y fugas, Poetoria y otras composiciones. acompañado por las actuaciones de Shchedrin en el escenario del concierto como intérprete de sus propias composiciones: un pianista y desde principios de los años 80. y como organista, su trabajo se combina armoniosamente con enérgicas obras públicas.

El camino de Shchedrin como compositor es siempre superador; la superación cotidiana y obstinada del material, que en las manos firmes del maestro se convierte en líneas musicales; superando la inercia, e incluso el sesgo de la percepción del oyente; finalmente, superarse a uno mismo, más precisamente, repetir lo que ya se ha descubierto, encontrado, probado. Cómo no recordar aquí a V. Mayakovsky, quien una vez comentó sobre los jugadores de ajedrez: “El movimiento más brillante no se puede repetir en una situación dada en un juego posterior. Solo lo inesperado del movimiento derriba al enemigo.

Cuando al público de Moscú se le presentó por primera vez La ofrenda musical (1983), la reacción a la nueva música de Shchedrin fue como una bomba. La polémica no amainó durante mucho tiempo. El compositor, en su trabajo, esforzándose por lograr la máxima concisión, expresión aforística ("estilo telegráfico"), de repente parecía haber pasado a una dimensión artística diferente. Su composición en un solo movimiento para órgano, 3 flautas, 3 fagotes y 3 trombones dura… más de 2 horas. Ella, según la intención del autor, no es más que una conversación. Y no una conversación caótica que a veces tenemos, sin escucharnos, con prisas por expresar nuestra opinión personal, sino una conversación en la que todos pudieran contar sus penas, alegrías, problemas, revelaciones… “Creo que con la prisa de nuestra vida, esto es extremadamente importante. Para y piensa." Recordemos que la “Ofrenda Musical” fue escrita en vísperas del 300 aniversario del nacimiento de JS Bach (la “Echo Sonata” para violín solo – 1984 también está dedicada a esta fecha).

¿Ha cambiado el compositor sus principios creativos? Más bien, al contrario: con sus muchos años de experiencia en varios campos y géneros, profundizó en lo que había ganado. Incluso en sus años más jóvenes, no buscaba sorprender, no se vestía con ropa de otras personas, “no corría por las estaciones con una maleta detrás de los trenes que partían, sino que se desarrollaba en el camino … lo establecía la genética, inclinaciones, gustos y disgustos”. Por cierto, después de la "Ofrenda musical", la proporción de tempos lentos, el tempo de reflexión, en la música de Shchedrin aumentó significativamente. Pero todavía no hay espacios vacíos en él. Como antes, crea un campo de alto significado y tensión emocional para la percepción. Y responde a la fuerte radiación del tiempo. Hoy en día, muchos artistas están preocupados por una clara devaluación del verdadero arte, una inclinación hacia el entretenimiento, la simplificación y la accesibilidad general, que dan testimonio del empobrecimiento moral y estético de las personas. En esta situación de “discontinuidad de la cultura”, el creador de valores artísticos se convierte al mismo tiempo en su predicador. En este sentido, la experiencia de Shchedrin y su propia obra son ejemplos vívidos de la conexión de los tiempos, las “diferentes músicas” y la continuidad de las tradiciones.

Siendo perfectamente consciente de que el pluralismo de puntos de vista y opiniones es una base necesaria para la vida y la comunicación en el mundo moderno, es un partidario activo del diálogo. Muy instructivos son sus encuentros con una amplia audiencia, con jóvenes, en particular con feroces seguidores de la música rock: fueron transmitidos por la Televisión Central. Un ejemplo de diálogo internacional iniciado por nuestro compatriota fue el primero en la historia de las relaciones culturales soviético-estadounidenses festival de música soviética en Boston bajo el lema: “Hacer música juntos”, que desplegó un amplio y colorido panorama del trabajo de la Unión Soviética. compositores (1988).

En diálogo con personas de opiniones diferentes, Rodion Shchedrin siempre tiene su propio punto de vista. En hechos y hechos – su propia convicción artística y humana bajo el signo de lo principal: “No se puede vivir sólo por hoy. Necesitamos la construcción cultural para el futuro, en beneficio de las generaciones futuras”.

A. Grigoriev