Guillermo Kempff |

Guillermo Kempff

En las artes escénicas del siglo XX, se puede rastrear claramente la existencia e incluso la confrontación de dos tendencias, dos posiciones artísticas y puntos de vista fundamentalmente diferentes sobre el papel de un músico intérprete. Algunos ven al artista principalmente (ya veces solo) como un intermediario entre el compositor y el oyente, cuya tarea es transmitir cuidadosamente a la audiencia lo que está escrito por el autor, mientras permanece en las sombras. Otros, por el contrario, están convencidos de que un artista es un intérprete en el sentido original de la palabra, que está llamado a leer no sólo en notas, sino también “entre notas”, para expresar no sólo el pensamiento del autor, sino también su actitud hacia ellos, es decir, pasarlos por el prisma de mi propio “yo” creador. Por supuesto, en la práctica, tal división suele ser condicional, y no es raro que los artistas refute sus propias declaraciones con su propia actuación. Pero si hay artistas cuya apariencia se puede atribuir inequívocamente a una de estas categorías, entonces Kempf pertenece y siempre ha pertenecido a la segunda de ellas. Para él, tocar el piano fue y sigue siendo un acto profundamente creativo, una forma de expresión de sus visiones artísticas en la misma medida que las ideas del compositor. En su lucha por el subjetivismo, una lectura de la música coloreada individualmente, Kempf es quizás la antípoda más llamativa de su compatriota y contemporáneo Backhaus. Está profundamente convencido de que “la simple actuación de un texto musical, como si fuera un alguacil o un notario, destinado a certificar la autenticidad de la mano del autor, es engañar al público. La tarea de cualquier persona verdaderamente creativa, incluido un artista, es reflejar lo que el autor pretendía en el espejo de su propia personalidad.

Siempre ha sido así, desde el comienzo de la carrera del pianista, pero no siempre ni de inmediato un credo tan creativo lo llevó a las alturas del arte de la interpretación. Al comienzo de su viaje, a menudo fue demasiado lejos en la dirección del subjetivismo, cruzó esos límites más allá de los cuales la creatividad se convierte en una violación de la voluntad del autor, en la arbitrariedad voluntarista del ejecutante. Allá por 1927, el musicólogo A. Berrsche describía así al joven pianista, recién iniciado en el camino artístico: “Kempf tiene un toque encantador, atractivo e incluso sorprendente como una convincente rehabilitación de un instrumento que ha sido cruelmente abusado. e insultado durante mucho tiempo. Siente tanto este don suyo que a menudo uno tiene que dudar de lo que le gusta más: Beethoven o la pureza del sonido del instrumento.

Con el tiempo, sin embargo, conservando la libertad artística y sin cambiar sus principios, Kempf dominó el invaluable arte de crear su propia interpretación, manteniéndose fiel tanto al espíritu como a la letra de la composición, lo que le dio fama mundial. Muchas décadas después, otro crítico lo confirmaba con estas líneas: “Hay intérpretes que hablan de “su” Chopin, “su” Bach, “su” Beethoven, y al mismo tiempo no sospechan que están cometiendo un delito al apropiarse propiedad de otra persona. Kempf nunca habla de “su” Schubert, “su” Mozart, “su” Brahms o Beethoven, pero los interpreta de manera inequívoca e incomparable.

Al describir las características del trabajo de Kempf, los orígenes de su estilo de interpretación, uno tiene que hablar primero sobre el músico y luego sobre el pianista. A lo largo de su vida, y especialmente durante sus años de formación, Kempf estuvo intensamente involucrado en la composición. Y no sin éxito –basta recordar que allá por los años 20, W. Furtwängler incluyó en su repertorio dos de sus sinfonías; que en los años 30, la mejor de sus óperas, La familia Gozzi, se representaba en varios escenarios de Alemania; que más tarde Fischer-Dieskau introdujo a los oyentes a sus romances, y muchos pianistas tocaron sus composiciones para piano. La composición no era solo un “hobby” para él, le servía como medio de expresión creativa y, al mismo tiempo, de liberación de la rutina de los estudios pianísticos cotidianos.

La hipóstasis compositiva de Kempf también se refleja en su interpretación, siempre saturada de fantasía, una nueva e inesperada visión de la música familiar desde hace mucho tiempo. De ahí la respiración libre de su creación musical, que los críticos a menudo definen como "pensar en el piano".

Kempf es uno de los mejores maestros de una cantilena melodiosa, un legato suave y natural, y al escucharlo interpretar, digamos, Bach, uno recuerda involuntariamente el arte de Casals con su gran sencillez y la humanidad estremecedora de cada frase. “De niño, las hadas me conjuraron un fuerte don de improvisación, una sed indomable de vestir momentos repentinos y esquivos en forma de música”, dice el propio artista. Y es precisamente esta improvisación, o más bien, libertad creativa de interpretación lo que determina en gran medida el compromiso de Kempf con la música de Beethoven y la gloria que ganó como uno de los mejores intérpretes de esta música en la actualidad. Le gusta señalar que Beethoven fue un gran improvisador. La profundidad con la que el pianista comprende el mundo de Beethoven se evidencia no solo en sus interpretaciones, sino también en las cadencias que escribió para todos los conciertos de Beethoven, excepto el último.

En cierto sentido, quienes llaman a Kempf “un pianista para profesionales” probablemente tengan razón. Pero no, por supuesto, que se dirija a un estrecho círculo de oyentes expertos – no, sus interpretaciones son democráticas a pesar de toda su subjetividad. Pero incluso los colegas cada vez revelan muchos detalles sutiles en ellos, a menudo eludiendo a otros artistas.

Una vez, Kempf, medio en broma, medio en serio, declaró que era descendiente directo de Beethoven y explicó: “Mi maestro Heinrich Barth estudió con Bülow y Tausig, aquellos con Liszt, Liszt con Czerny y Czerny con Beethoven. Así que ponte firme cuando me hables. Sin embargo, hay algo de verdad en este chiste –añadió serio–, quiero enfatizar esto: para penetrar en las obras de Beethoven, es necesario sumergirse en la cultura de la época de Beethoven, en la atmósfera que dio origen a la gran música del siglo XIX, y revivirla de nuevo hoy”.

El mismo Wilhelm Kempf tardó décadas en acercarse realmente a la comprensión de la gran música, aunque sus brillantes habilidades pianísticas se manifestaron en la primera infancia, y una inclinación por estudiar la vida y una mentalidad analítica también aparecieron muy temprano, en cualquier caso, incluso antes de reunirse con G. Bart. Además, creció en una familia con una larga tradición musical: tanto su abuelo como su padre eran organistas famosos. Pasó su infancia en la ciudad de Uteborg, cerca de Potsdam, donde su padre trabajaba como director de coro y organista. En los exámenes de ingreso a la Academia de Canto de Berlín, Wilhelm, de nueve años, no solo tocó libremente, sino que también transpuso los preludios y fugas del Clave bien temperado de Bach a cualquier tonalidad. El director de la academia Georg Schumann, quien se convirtió en su primer maestro, le dio al niño una carta de recomendación al gran violinista I. Joachim, y el anciano maestro le otorgó una beca que le permitió estudiar dos especialidades a la vez. Wilhelm Kempf se convirtió en alumno de G. Barth en piano y de R. Kahn en composición. Barth insistió en que el joven debería ante todo recibir una amplia educación general.

La actividad concertística de Kempf comenzó en 1916, pero durante mucho tiempo la combinó con una labor pedagógica permanente. En 1924 fue designado para suceder al ilustre Max Power como director de la Escuela Superior de Música de Stuttgart, pero dejó ese cargo cinco años después para tener más tiempo para las giras. Dio docenas de conciertos cada año, visitó varios países europeos, pero recibió un reconocimiento real solo después de la Segunda Guerra Mundial. Este fue principalmente un reconocimiento al intérprete de la obra de Beethoven.

Las 32 sonatas de Beethoven se incluyeron en el repertorio de Wilhelm Kempf, desde los dieciséis años hasta el día de hoy siguen siendo su base. Cuatro veces la Deutsche Gramophone publicó grabaciones de la colección completa de las sonatas de Beethoven, realizadas por Kempf en diferentes períodos de su vida, la última salió en 1966. Y cada disco es diferente al anterior. “Hay cosas en la vida”, dice el artista, “que son constantemente fuente de nuevas experiencias. Hay libros que se pueden releer infinitamente, abriendo nuevos horizontes en ellos, tales como Wilhelm Meister de Goethe y la epopeya de Homero para mí. Lo mismo ocurre con las sonatas de Beethoven. Cada nueva grabación de su ciclo de Beethoven no es similar a la anterior, se diferencia tanto en los detalles como en la interpretación de las partes individuales. Pero el principio ético, la humanidad profunda, una atmósfera especial de inmersión en los elementos de la música de Beethoven permanecen inalterables, a veces contemplativos, filosóficos, pero siempre activos, llenos de auge espontáneo y concentración interior. “Bajo los dedos de Kempf”, escribió el crítico, “incluso la superficie tranquila aparentemente clásica de la música de Beethoven adquiere propiedades mágicas. Otros pueden jugarlo de manera más compacta, más fuerte, más virtuosa, más demoníaca, pero Kempf está más cerca del enigma, del misterio, porque penetra profundamente en él sin ninguna tensión visible.

El mismo sentimiento de participación en la revelación de los secretos de la música, un estremecedor sentido de la “simultaneidad” de la interpretación se apodera del oyente cuando Kempf interpreta los conciertos de Beethoven. Pero al mismo tiempo, en sus años maduros, tal espontaneidad se combina en la interpretación de Kempf con una estricta reflexión, lógica validez del plan de interpretación, escala verdaderamente beethoveniana y monumentalidad. En 1965, después de la gira del artista por la RDA, donde interpretó los conciertos de Beethoven, la revista Musik und Gesellschaft señaló que “en su interpretación, cada sonido parecía ser la piedra de construcción de un edificio construido con un concepto cuidadosamente pensado y preciso que iluminaba el carácter de cada concierto, y, al mismo tiempo, emanaba de él.

Si Beethoven fue y sigue siendo para Kempf el “primer amor”, entonces él mismo llama a Schubert “el descubrimiento tardío de mi vida”. Esto, por supuesto, es muy relativo: en el vasto repertorio del artista, las obras de los románticos –y entre ellas Schubert– siempre han ocupado un lugar significativo. Pero la crítica, rindiendo homenaje a la masculinidad, seriedad y nobleza del juego del artista, le negó la fuerza y ​​la brillantez necesarias cuando se trataba, por ejemplo, de la interpretación de Liszt, Brahms o Schubert. Y en el umbral de su 75 cumpleaños, Kempf decidió echar un nuevo vistazo a la música de Schubert. El resultado de sus búsquedas queda “grabado” en la colección completa de sus sonatas que se publicará posteriormente, marcada, como siempre en este artista, por el sello de una profunda individualidad y originalidad. “Lo que escuchamos en su actuación”, escribe el crítico E. Croher, “es una mirada al pasado desde el presente, esto es Schubert, purificado y clarificado por la experiencia y la madurez…”

Otros compositores del pasado también ocupan un lugar importante en el repertorio de Kempf. “Interpreta al Schumann más ilustrado, aireado y de pura sangre con el que uno pueda soñar; recrea a Bach con poesía romántica, sentimental, profunda y sonora; hace frente a Mozart, mostrando una alegría e ingenio inagotables; toca a Brahms con ternura, pero de ninguna manera con un patetismo feroz”, escribió uno de los biógrafos de Kempf. Pero aún así, la fama del artista de hoy está asociada precisamente con dos nombres: Beethoven y Schubert. Y es característico que la colección completa y sonora de las obras de Beethoven, publicada en Alemania con motivo del 200 aniversario del nacimiento de Beethoven, incluyera 27 discos grabados por Kempf o con su participación (el violinista G. Schering y el violonchelista P. Fournier) .

Wilhelm Kempf conservó una enorme energía creativa hasta una edad avanzada. Allá por los setenta, daba hasta 80 conciertos al año. Un aspecto importante de las actividades multifacéticas del artista en los años de la posguerra fue el trabajo pedagógico. Fundó y dirige anualmente cursos de interpretación de Beethoven en la ciudad italiana de Positano, a los que invita a 10-15 jóvenes pianistas seleccionados por él durante viajes de conciertos. A lo largo de los años, decenas de artistas talentosos han pasado por la escuela de la más alta habilidad aquí, y hoy se han convertido en destacados maestros del escenario de conciertos. Uno de los pioneros de la grabación, Kempf todavía graba mucho hoy. Y aunque el arte de este músico menos puede fijarse “de una vez por todas” (nunca repite, e incluso las versiones realizadas durante una grabación difieren significativamente entre sí), pero sus interpretaciones plasmadas en el disco causan una gran impresión. .

“En un momento me reprocharon”, escribió Kempf a mediados de los años 70, “que mi interpretación era demasiado expresiva, que violaba los límites clásicos. Ahora bien, a menudo se me declara un maestro viejo, rutinario y erudito, que ha dominado por completo el arte clásico. No creo que mi juego haya cambiado mucho desde entonces. Recientemente estuve escuchando discos con mis propias grabaciones hechas en este – 1975, y comparándolos con esos viejos. Y me aseguré de no cambiar los conceptos musicales. Después de todo, estoy convencido de que una persona es joven hasta el momento en que no ha perdido la capacidad de preocuparse, de percibir impresiones, de experimentar.

Grigoriev L., Platek Ya., 1990