Claudio Monteverdi (Claudio Monteverdi) |

Claudio monteverdi

Monteverdi. canta dominó

Monteverdi defiende los derechos de los sentimientos y la libertad en la música. A pesar de las protestas de los defensores de las reglas, rompe las cadenas en las que se ha enredado la música y quiere que de ahora en adelante siga sólo los dictados del corazón. R. Rollán

La obra del compositor de ópera italiano C. Monteverdi es uno de los fenómenos únicos en la cultura musical del siglo XIX. En su interés por el hombre, en sus pasiones y sufrimientos, Monteverdi es un verdadero artista del Renacimiento. Ninguno de los compositores de esa época logró expresar en música el sentimiento trágico de la vida de tal manera, acercarse a comprender su verdad, revelar de tal manera la naturaleza primordial de los personajes humanos.

Monteverdi nació en una familia de médicos. Sus estudios musicales fueron dirigidos por M. Ingenieri, un músico experimentado, director de orquesta de la Catedral de Cremona. Desarrolló la técnica polifónica del futuro compositor, le presentó las mejores obras corales de G. Palestrina y O. Lasso. Moiteverdi comenzó a componer temprano. Ya a principios de la década de 1580. se publicaron las primeras colecciones de obras polifónicas vocales (madrigales, motetes, cantatas), ya finales de esta década se convirtió en un famoso compositor en Italia, miembro de la Academia de Site Cecilia en Roma. Desde 1590, Monteverdi sirvió en la capilla de la corte del duque de Mantua (primero como miembro de la orquesta y cantante, y luego como director de orquesta). La exuberante y rica corte de Vincenzo Gonzaga atrajo a las mejores fuerzas artísticas de la época. Con toda probabilidad, Monteverdi podría encontrarse con el gran poeta italiano T. Tasso, el artista flamenco P. Rubens, miembros de la famosa camerata florentina, los autores de las primeras óperas: J. Peri, O. Rinuccini. Acompañando al duque en frecuentes viajes y campañas militares, el compositor viajó a Praga, Viena, Innsbruck y Amberes. En febrero de 1607, se representó con gran éxito en Mantua la primera ópera de Monteverdi, Orfeo (libreto de A. Strigio). Monteverdi convirtió una obra pastoril destinada a las fiestas palaciegas en un verdadero drama sobre el sufrimiento y el destino trágico de Orfeo, sobre la belleza inmortal de su arte. (Monteverdi y Striggio mantuvieron la versión trágica del desenlace del mito: Orfeo, dejando el reino de los muertos, viola la prohibición, mira hacia atrás a Eurídice y la pierde para siempre). trabajar. Declamación expresiva y una amplia cantilena, coros y conjuntos, ballet, una parte orquestal desarrollada sirven para encarnar una idea profundamente lírica. Solo una escena de la segunda ópera de Monteverdi, Ariadna (1608), ha sobrevivido hasta el día de hoy. Este es el famoso “Lamento de Ariadna” (“Déjame morir…”), que sirvió de prototipo para muchas arias de lamento (arias de queja) en la ópera italiana. (El Lamento de Ariadna se conoce en dos versiones: para voz solista y en forma de madrigal a cinco voces).

En 1613, Monteverdi se trasladó a Venecia y hasta el final de su vida permaneció al servicio del Kapellmeister en la Catedral de San Marcos. La rica vida musical de Venecia abrió nuevas oportunidades para el compositor. Monteverdi escribe óperas, ballets, interludios, madrigales, música para iglesias y fiestas cortesanas. Una de las obras más originales de estos años es la escena dramática “El duelo de Tancredo y Clorinda” basada en el texto del poema “Jerusalén liberada” de T. Tasso, combinando lectura (la parte del narrador), actuación (la partes recitativas de Tancredo y Clorinda) y una orquesta que representa el transcurso del duelo, revela la naturaleza emocional de la escena. En relación con el “Duelo”, Monteverdi escribió sobre el nuevo estilo de concitato (excitado, agitado), contrastándolo con el estilo “suave, moderado” que prevalecía en ese momento.

Muchos de los madrigales de Monteverdi también se distinguen por su carácter dramático y fuertemente expresivo (la última, octava colección de madrigales, 1638, fue creada en Venecia). En este género de música vocal polifónica, se formó el estilo del compositor y se llevó a cabo la selección de medios expresivos. El lenguaje armónico de los madrigales es especialmente original (comparaciones tonales atrevidas, cromáticas, acordes disonantes, etc.). A fines de la década de 1630 y principios de la de 40. la obra operística de Monteverdi alcanza su apogeo ("Regreso de Ulises a su patria" - 1640, "Adonis" - 1639, "La boda de Eneas y Lavinia" - 1641; las últimas 2 óperas no se han conservado).

En 1642 se representó en Venecia La coronación de Popea de Monteverdi (libreto de F. Businello basado en los Anales de Tácito). La última ópera del compositor de 75 años se ha convertido en una auténtica cumbre, fruto de su trayectoria creativa. Figuras históricas específicas de la vida real actúan en él: el emperador romano Nerón, conocido por su astucia y crueldad, su maestro, el filósofo Séneca. Gran parte de La coronación sugiere analogías con las tragedias del brillante contemporáneo del compositor, W. Shakespeare. Apertura e intensidad de las pasiones, agudos contrastes verdaderamente “shakespearianos” de escenas sublimes y de género, comedia. Entonces, la despedida de Séneca de los estudiantes, la trágica culminación de la oaera, es reemplazada por un alegre interludio de un paje y una doncella, y luego comienza una verdadera orgía: Nerón y sus amigos se burlan del maestro, celebran su muerte.

“Su única ley es la vida misma”, escribió R. Rolland sobre Monteverdi. Con la valentía de los descubrimientos, la obra de Monteverdi se adelantó a su tiempo. El compositor vislumbraba un futuro muy lejano del teatro musical: el realismo de la dramaturgia operística de WA ​​Mozart, G. Verdi, M. Mussorgsky. Quizá por eso el destino de sus obras fue tan sorprendente. Durante muchos años permanecieron en el olvido y volvieron a la vida solo en nuestro tiempo.

I. Ojalova

Hijo de médico y el mayor de cinco hermanos. Estudió música con MA Ingenieri. A los quince años publicó Melodías espirituales, en 1587, el primer libro de madrigales. En 1590, en la corte del duque de Mantua, Vincenzo Gonzaga se convirtió en violista y cantante, luego en el líder de la capilla. Acompaña al duque a Hungría (durante la campaña turca) y Flandes. En 1595 se casa con la cantora Claudia Cattaneo, quien le dará tres hijos; morirá en 1607 poco después del triunfo de Orfeo. Desde 1613: cargo vitalicio de jefe de capilla en la República de Venecia; la composición de música sacra, los últimos libros de madrigales, obras dramáticas, en su mayoría perdidas. Alrededor de 1632 tomó el sacerdocio.

La obra operística de Monteverdi tiene una base muy sólida, siendo fruto de una experiencia previa en la composición de madrigales y música sacra, géneros en los que el maestro cremonés logró resultados incomparables. Las principales etapas de su actividad teatral –al menos, a tenor de lo que nos ha llegado– parecen ser dos períodos claramente diferenciados: el de Mantua a principios de siglo y el veneciano, que cae en su mitad.

Sin duda, “Orfeo” es la manifestación más llamativa en Italia del estilo vocal y dramático de principios del siglo XVII. Su trascendencia viene determinada por la teatralidad, una gran saturación de efectos, entre apelaciones orquestales, sensibles y encantamientos, en los que la recitación del canto florentino (muy enriquecida con altibajos emocionales) parece debatirse con numerosas inserciones de madrigales, de modo que el canto de Orfeo es un ejemplo casi clásico de su competencia.

En las últimas óperas del período veneciano, escritas más de treinta años después, se pueden sentir los diversos cambios estilísticos que han tenido lugar en el melodrama italiano (especialmente después del florecimiento de la escuela romana) y los correspondientes cambios en los medios expresivos, todos presentados y combinados con gran libertad en un lienzo dramático muy amplio, incluso pródigo. Los episodios corales se eliminan o reducen significativamente, los ariose y el recitativo se combinan de manera flexible y funcional en función de las necesidades del drama, mientras que otras formas más desarrolladas y simétricas, con movimientos rítmicos más claros, se introducen en la arquitectura teatral, anticipando la posterior técnica de autonomización. el lenguaje operístico, introducción, por así decirlo, modelos y esquemas formales, más independientes de las siempre cambiantes exigencias del diálogo poético.

Sin embargo, Monteverdi, por supuesto, no corrió el riesgo de alejarse del texto poético, ya que siempre fue fiel a sus ideas sobre la naturaleza y finalidad de la música como servidora de la poesía, ayudándola en su excepcional capacidad de expresión. sentimientos humanos

No debemos olvidar que en Venecia el compositor encontró un ambiente propicio para un libreto con tramas históricas que avanzaban por el camino de la búsqueda de la “verdad”, o, en todo caso, con tramas propicias para la investigación psicológica.

Memorable es la pequeña ópera de cámara de Monteverdi “El duelo de Tancredo y Clorinda” con texto de Torquato Tasso – de hecho, un madrigal en estilo pictórico; colocado en la casa del conde Girolamo Mocenigo durante el carnaval de 1624, emocionó a la audiencia, “casi arrancándole las lágrimas”. Se trata de una mezcla de oratorio y ballet (los hechos se representan en pantomima), en la que el gran compositor establece una estrecha, persistente y precisa conexión entre poesía y música al estilo del más puro recitado melodioso. El mayor ejemplo de poesía musicalizada, casi conversacional, “Duel” incluye momentos sobrecogedores y sublimes, místicos y sensuales en los que el sonido se convierte casi en un gesto figurativo. En el final, una breve serie de acordes se convierte en un radiante “mayor”, en el que la modulación llega a su fin sin el tono principal necesario, mientras la voz ejecuta una cadencia en una nota no incluida en el acorde, ya que en ese momento se abre una imagen de un mundo nuevo y diferente. La palidez de la Clorinda moribunda significa dicha.

G. Marchesi (traducido por E. Greceanii)