Dmitry Dmitrievich Shostakóvich |

Dmitri Shostakovich

D. Shostakovich es un clásico de la música del siglo XIX. Ninguno de sus grandes maestros estuvo tan íntimamente relacionado con el difícil destino de su país natal, no pudo expresar las estridentes contradicciones de su tiempo con tanta fuerza y ​​pasión, evaluarlo con un duro juicio moral. Es en esta complicidad del compositor con el dolor y las angustias de su pueblo que radica el significado principal de su aporte a la historia de la música en el siglo de las guerras mundiales y de las grandiosas convulsiones sociales, que la humanidad no había conocido antes.

Shostakovich es por naturaleza un artista de talento universal. No hay un solo género en el que no haya dicho su palabra de peso. Entró en estrecho contacto con el tipo de música que a veces era tratada con arrogancia por músicos serios. Es autor de una serie de canciones recogidas por las masas populares, y hasta el día de hoy sus brillantes adaptaciones de música popular y de jazz, que le gustaban especialmente en la época de formación del estilo -en el siglo XX-. 20 años, delicia. Pero el principal campo de aplicación de las fuerzas creativas para él fue la sinfonía. No porque otros géneros de música seria le fueran completamente ajenos: estaba dotado de un talento insuperable como compositor verdaderamente teatral, y el trabajo en cinematografía le proporcionaba el principal medio de subsistencia. Pero la regañina grosera e injusta infligida en 30 en el editorial del periódico Pravda bajo el título “Muddle en lugar de música” lo desanimó de dedicarse al género de la ópera durante mucho tiempo: los intentos realizados (la ópera “Players” de N. Gogol) quedó sin terminar, y los planes no pasaron a la etapa de implementación.

Quizás esto es precisamente lo que influyó en los rasgos de personalidad de Shostakovich: por naturaleza, no estaba inclinado a abrir formas de expresar protesta, cedió fácilmente a las obstinadas nulidades debido a su especial inteligencia, delicadeza e indefensión frente a la arbitrariedad grosera. Pero esto fue solo en vida: en su arte fue fiel a sus principios creativos y los afirmó en el género donde se sentía completamente libre. Por lo tanto, la sinfonía conceptual se convirtió en el centro de las búsquedas de Shostakovich, donde podía decir abiertamente la verdad sobre su tiempo sin compromiso. Sin embargo, no se negó a participar en empresas artísticas nacidas bajo la presión de los estrictos requisitos para el arte impuestos por el sistema de comando administrativo, como la película de M. Chiaureli "La caída de Berlín", donde el elogio desenfrenado de la grandeza y la sabiduría del “padre de las naciones” llegó al límite extremo. Pero la participación en este tipo de monumentos cinematográficos u otras obras, a veces incluso talentosas, que distorsionaron la verdad histórica y crearon un mito agradable para el liderazgo político, no protegieron al artista de la brutal represalia cometida en 1948. El principal ideólogo del régimen estalinista. , A. Zhdanov, repitió los duros ataques contenidos en un viejo artículo del periódico Pravda y acusó al compositor, junto con otros maestros de la música soviética de la época, de adherirse al formalismo antipopular.

Posteriormente, durante el "deshielo" de Jruschov, se retiraron tales cargos y las obras sobresalientes del compositor, cuya interpretación pública estaba prohibida, llegaron al oyente. Pero el drama del destino personal del compositor, que sobrevivió a un período de injustas persecuciones, dejó una huella indeleble en su personalidad y determinó el rumbo de su búsqueda creativa, dirigida a los problemas morales de la existencia humana en la tierra. Esto fue y sigue siendo lo principal que distingue a Shostakovich entre los creadores de música del siglo XIX.

Su camino de vida no fue rico en eventos. Después de graduarse del Conservatorio de Leningrado con un brillante debut, la magnífica Primera Sinfonía, comenzó la vida de un compositor profesional, primero en la ciudad del Neva, luego durante la Gran Guerra Patria en Moscú. Su actividad como docente en el conservatorio fue relativamente breve, lo abandonó en contra de su voluntad. Pero hasta el día de hoy, sus alumnos han conservado la memoria del gran maestro, quien desempeñó un papel decisivo en la formación de su individualidad creativa. Ya en la Primera Sinfonía (1925), se perciben claramente dos propiedades de la música de Shostakovich. Uno de ellos se reflejó en la formación de un nuevo estilo instrumental con su facilidad inherente, la facilidad de competencia de los instrumentos de concierto. Otro se manifestó en un deseo persistente de dar a la música el significado más alto, para revelar un concepto profundo de significado filosófico por medio del género sinfónico.

Muchas de las obras del compositor que siguieron a tan brillante comienzo reflejaron el ambiente inquieto de la época, donde el nuevo estilo de la época se fraguaba en la lucha de actitudes contrapuestas. Entonces, en la Segunda y Tercera Sinfonía ("Octubre" - 1927, "May Day" - 1929), Shostakovich rindió homenaje al cartel musical, mostraron claramente la influencia del arte marcial y propagandístico de los años 20. (No es casualidad que el compositor incluyera en ellos fragmentos corales de poemas de los jóvenes poetas A. Bezymensky y S. Kirsanov). Al mismo tiempo, también mostraron una vívida teatralidad, que tanto cautivó en las producciones de E. Vakhtangov y Vs. Meyerhold. Fueron sus actuaciones las que influyeron en el estilo de la primera ópera de Shostakovich, La nariz (1928), basada en la famosa historia de Gogol. De aquí viene no solo la sátira aguda, la parodia, llegando a lo grotesco en la representación de personajes individuales y los crédulos, que rápidamente entran en pánico y juzgan rápidamente a la multitud, sino también esa entonación conmovedora de "risa a través de las lágrimas", que nos ayuda a reconocer a una persona. incluso en una nulidad tan vulgar y deliberada, como el mayor Kovalev de Gogol.

El estilo de Shostakovich no solo absorbió las influencias emanadas de la experiencia de la cultura musical mundial (aquí los más importantes para el compositor fueron M. Mussorgsky, P. Tchaikovsky y G. Mahler), sino que también absorbió los sonidos de la vida musical de entonces, que generalmente cultura accesible del género “light” que dominaba la mente de las masas. La actitud del compositor hacia él es ambivalente: a veces exagera, parodia los giros característicos de las canciones y bailes de moda, pero al mismo tiempo los ennoblece, los eleva a las alturas del verdadero arte. Esta actitud fue especialmente pronunciada en los primeros ballets The Golden Age (1930) y The Bolt (1931), en el Primer Concierto para piano (1933), donde la trompeta solista se convierte en un digno rival del piano junto con la orquesta, y más tarde en el scherzo y el final de las Sextas sinfonías (1939). Brillante virtuosismo, excéntricas descaradas se combinan en esta composición con letras sentidas, asombrosa naturalidad del despliegue de la melodía “sin fin” en la primera parte de la sinfonía.

Y finalmente, no se puede dejar de mencionar el otro lado de la actividad creativa del joven compositor: trabajó duro y duro en el cine, primero como ilustrador para la demostración de películas mudas, luego como uno de los creadores de películas sonoras soviéticas. Su canción de la película "Oncoming" (1932) ganó popularidad en todo el país. Al mismo tiempo, la influencia de la “joven musa” también afectó el estilo, el lenguaje y los principios compositivos de sus composiciones concerto-filarmónicas.

El deseo de encarnar los conflictos más agudos del mundo moderno con sus grandiosos levantamientos y feroces enfrentamientos de fuerzas opuestas se reflejó especialmente en las obras capitales del maestro del período de los años 30. Un paso importante en este camino fue la ópera Katerina Izmailova (1932), basada en la trama de la historia de N. Leskov Lady Macbeth del distrito de Mtsensk. En la imagen del personaje principal, se revela una lucha interna compleja en el alma de una naturaleza íntegra y ricamente dotada a su manera, bajo el yugo de las "abominaciones de plomo de la vida", bajo el poder de ciegos e irracionales. pasión, comete crímenes graves, seguidos de un castigo cruel.

Sin embargo, el compositor logró el mayor éxito en la Quinta Sinfonía (1937), el logro más significativo y fundamental en el desarrollo de la sinfonía soviética en los años 30. (Se esbozó un giro hacia una nueva calidad de estilo en la Cuarta Sinfonía escrita anteriormente, pero luego no sonada: 1936). La fuerza de la Quinta Sinfonía radica en que las vivencias de su héroe lírico se revelan en el más estrecho vínculo con la vida de los pueblos y, más ampliamente, de toda la humanidad en vísperas del mayor susto jamás vivido por los pueblos del mundo: la Segunda Guerra Mundial. Esto determinó el dramatismo enfatizado de la música, su expresión realzada inherente: el héroe lírico no se convierte en un contemplador pasivo en esta sinfonía, él juzga lo que está sucediendo y lo que está por venir con la más alta corte moral. En la indiferencia por el destino del mundo, también se vio afectada la posición cívica del artista, la orientación humanista de su música. Se puede sentir en una serie de otras obras pertenecientes a los géneros de la creatividad instrumental de cámara, entre las que se destaca el Piano Quintet (1940).

Durante la Gran Guerra Patria, Shostakovich se convirtió en una de las primeras filas de artistas, luchadores contra el fascismo. Su Séptima Sinfonía (“Leningrado”) (1941) fue percibida en todo el mundo como la voz viva de un pueblo luchador, que entró en una lucha a vida o muerte en nombre del derecho a existir, en defensa del más alto derecho humano. valores. En esta obra, como en la posterior Octava Sinfonía (1943), el antagonismo de los dos campos opuestos encontró expresión directa e inmediata. Nunca antes en el arte de la música las fuerzas del mal se habían representado tan vívidamente, nunca antes se había expuesto con tanta furia y pasión la aburrida mecánica de una “máquina de destrucción” fascista que trabaja afanosamente. Pero las sinfonías "militares" del compositor (así como en varias de sus otras obras, por ejemplo, en el Piano Trio en memoria de I. Sollertinsky - 1944) están tan vívidamente representadas en las sinfonías "de guerra" del compositor, el espiritual belleza y riqueza del mundo interior de una persona que sufre los problemas de su tiempo.

En los años de la posguerra, la actividad creativa de Shostakovich se desarrolló con renovado vigor. Como antes, la línea conductora de sus búsquedas artísticas se presentó en monumentales lienzos sinfónicos. Después de la algo aligerada Novena (1945), una especie de intermezzo que, sin embargo, no dejaba de tener claros ecos de la guerra recién finalizada, el compositor creó la inspirada Décima Sinfonía (1953), que planteaba el tema del trágico destino de los artista, la alta medida de su responsabilidad en el mundo moderno. Sin embargo, lo nuevo fue en gran parte el fruto de los esfuerzos de las generaciones anteriores, por eso el compositor se sintió tan atraído por los acontecimientos de un punto de inflexión en la historia rusa. La revolución de 1905, marcada por el Domingo Sangriento el 9 de enero, cobra vida en la monumental Undécima Sinfonía programática (1957), y los logros del victorioso 1917 inspiraron a Shostakovich a crear la Duodécima Sinfonía (1961).

Las reflexiones sobre el significado de la historia, sobre el significado de las hazañas de sus héroes, también se reflejaron en el poema sinfónico vocal de una parte "La ejecución de Stepan Razin" (1964), que se basa en un fragmento de E. Yevtushenko. poema “La central hidroeléctrica de Bratsk”. Pero los acontecimientos de nuestro tiempo, provocados por cambios drásticos en la vida de las personas y en su cosmovisión, anunciados por el XX Congreso del PCUS, no dejaron indiferente al gran maestro de la música soviética – su aliento vivo es palpable en el XIII Symphony (1962), también escrito con las palabras de E. Yevtushenko. En la Decimocuarta Sinfonía, el compositor recurrió a los poemas de poetas de diversas épocas y pueblos (FG Lorca, G. Apollinaire, W. Kuchelbecker, RM Rilke) – le atrajo el tema de la fugacidad de la vida humana y la eternidad de creaciones del verdadero arte, ante las cuales hasta la muerte soberana. El mismo tema sirvió de base para la idea de un ciclo vocal-sinfónico basado en poemas del gran artista italiano Michelangelo Buonarroti (1974). Y finalmente, en la última, Decimoquinta Sinfonía (1971), las imágenes de la infancia vuelven a la vida, recreadas ante la mirada de un creador sabio en vida, que ha llegado a conocer una medida verdaderamente inconmensurable del sufrimiento humano.

A pesar de todo el significado de la sinfonía en el trabajo de posguerra de Shostakovich, está lejos de agotar todo lo más significativo que fue creado por el compositor en los últimos treinta años de su vida y camino creativo. Prestó especial atención a los géneros concertísticos e instrumentales de cámara. Creó 2 conciertos para violín (1948 y 1967), dos conciertos para violonchelo (1959 y 1966) y el Segundo Concierto para piano (1957). Las mejores obras de este género encarnan profundos conceptos de trascendencia filosófica, comparables a los expresados ​​con tan impresionante fuerza en sus sinfonías. La agudeza de la colisión de lo espiritual y lo no espiritual, los más altos impulsos del genio humano y el ataque agresivo de la vulgaridad, el primitivismo deliberado es palpable en el Segundo Concierto para violonchelo, donde un simple motivo “callejero” se transforma más allá del reconocimiento, exponiendo su esencia inhumana.

Sin embargo, tanto en los conciertos como en la música de cámara, el virtuosismo de Shostakovich se revela en la creación de composiciones que abren espacios para la libre competencia entre los músicos. Aquí el género principal que atrajo la atención del maestro fue el cuarteto de cuerdas tradicional (hay tantos escritos por el compositor como sinfonías – 15). Los cuartetos de Shostakovich sorprenden con una variedad de soluciones, desde ciclos de varias partes (Undécimo - 1966) hasta composiciones de un solo movimiento (Decimotercero - 1970). En varias de sus obras de cámara (en el Octavo Cuarteto – 1960, en la Sonata para viola y piano – 1975), el compositor vuelve a la música de sus composiciones anteriores, dándole un nuevo sonido.

Entre las obras de otros géneros, se puede mencionar el ciclo monumental de Preludios y Fugas para piano (1951), inspirado en las celebraciones de Bach en Leipzig, el oratorio Canción de los Bosques (1949), donde por primera vez en la música soviética la se planteó el tema de la responsabilidad humana por la preservación de la naturaleza que le rodea. También puede nombrar Diez poemas para coro a cappella (1951), el ciclo vocal "De la poesía popular judía" (1948), ciclos de poemas de los poetas Sasha Cherny ("Sátiras" - 1960), Marina Tsvetaeva (1973).

El trabajo en el cine continuó en los años de la posguerra: la música de Shostakovich para las películas "The Gadfly" (basada en la novela de E. Voynich - 1955), así como para las adaptaciones de las tragedias de Shakespeare "Hamlet" (1964) y El “Rey Lear” (1971) se hizo ampliamente conocido. ).

Shostakovich tuvo un impacto significativo en el desarrollo de la música soviética. Se expresó no tanto en la influencia directa del estilo del maestro y los medios artísticos característicos de él, sino en el deseo de un alto contenido de la música, su conexión con los problemas fundamentales de la vida humana en la tierra. Humanista en su esencia, verdaderamente artística en su forma, la obra de Shostakovich ganó reconocimiento mundial, se convirtió en una expresión clara de lo nuevo que la música de la Tierra de los Soviets le dio al mundo.

M. Tarakánov