Ígor Fiódorovich Stravinski |
Igor Stravinski
…Nací en el momento equivocado. Por temperamento e inclinación, como Bach, aunque en diferente escala, debo vivir en la oscuridad y crear regularmente para el servicio establecido y Dios. Sobreviví en el mundo en el que nací... Sobreviví... a pesar de la venta ambulante de los editores, los festivales de música, la publicidad... I. Stravinski
… Stravinsky es un compositor verdaderamente ruso … El espíritu ruso es indestructible en el corazón de este talento multifacético verdaderamente grande, nacido en la tierra rusa y conectado vitalmente con ella … D. Shostakóvich
La vida creativa de I. Stravinsky es una historia viva de la música del siglo XIX. Como en un espejo, refleja los procesos de desarrollo del arte contemporáneo, buscando inquisitivamente nuevos caminos. Stravinsky se ganó la reputación de ser un osado subvertidor de la tradición. En su música surge una pluralidad de estilos, constantemente entrecruzados y en ocasiones difíciles de clasificar, por lo que el compositor se ganó el apodo de “hombre de las mil caras” por parte de sus contemporáneos. Es como el Mago de su ballet “Petrushka”: mueve libremente géneros, formas, estilos en su escenario creativo, como si los subordinara a las reglas de su propio juego. Argumentando que "la música solo puede expresarse a sí misma", Stravinsky se esforzó, sin embargo, por vivir "con Tempo" (es decir, junto con el tiempo). En “Diálogos”, publicado en 1959-63, recuerda los ruidos de las calles de San Petersburgo, las fiestas de Maslenitsa en el Campo de Marte, que, según él, le ayudaron a ver su Petrushka. Y el compositor habló de la Sinfonía en tres movimientos (1945) como una obra conectada con impresiones concretas de la guerra, con recuerdos de las atrocidades de los camisas pardas en Múnich, de las que él mismo casi se convierte en víctima.
El universalismo de Stravinsky es sorprendente. Se manifiesta en la amplitud de cobertura de los fenómenos de la cultura musical mundial, en la variedad de búsquedas creativas, en la intensidad de la actividad interpretativa -pianística y de dirección-, que duró más de 40 años. La escala de sus contactos personales con personas destacadas no tiene precedentes. N. Rimsky-Korsakov, A. Lyadov, A. Glazunov, V. Stasov, S. Diaghilev, artistas del "Mundo del Arte", A. Matisse, P. Picasso, R. Rolland. T. Mann, A. Gide, C. Chaplin, K. Debussy, M. Ravel, A. Schoenberg, P. Hindemith, M. de Falla, G. Faure, E. Satie, los compositores franceses del grupo Six: estos son los nombres de algunos de ellos. A lo largo de su vida, Stravinsky estuvo en el centro de la atención pública, en la encrucijada de los caminos artísticos más importantes. La geografía de su vida abarca muchos países.
Stravinsky pasó su infancia en San Petersburgo, donde, según él, "fue muy interesante vivir". Los padres no buscaron darle la profesión de músico, pero toda la situación favoreció el desarrollo musical. La casa sonaba música constantemente (el padre del compositor F. Stravinsky era un famoso cantante del Teatro Mariinsky), había una gran biblioteca de arte y música. Desde la infancia, Stravinsky estuvo fascinado por la música rusa. A los diez años tuvo la suerte de ver a P. Tchaikovsky, a quien idolatraba, dedicándole muchos años después la ópera Mavra (1922) y el ballet El beso de las hadas (1928). Stravinsky llamó a M. Glinka "el héroe de mi infancia". Apreció mucho a M. Mussorgsky, lo consideró "el más veraz" y afirmó que en sus propios escritos hay influencias de "Boris Godunov". Surgieron relaciones amistosas con miembros del círculo Belyaevsky, especialmente con Rimsky-Korsakov y Glazunov.
Los intereses literarios de Stravinsky se formaron temprano. El primer evento real para él fue el libro de L. Tolstoy "Infancia, adolescencia, juventud", A. Pushkin y F. Dostoevsky siguieron siendo ídolos durante toda su vida.
Las lecciones de música comenzaron a la edad de 9 años. Eran lecciones de piano. Sin embargo, Stravinsky comenzó estudios profesionales serios solo después de 1902, cuando, como estudiante en la facultad de derecho de la Universidad de San Petersburgo, comenzó a estudiar con Rimsky-Korsakov. Al mismo tiempo, se hizo cercano a S. Diaghilev, los artistas del “Mundo del Arte”, asistía a las “Noches de Música Moderna”, conciertos de música nueva, organizados por A. Siloti. Todo esto sirvió de ímpetu para una rápida maduración artística. Los primeros experimentos de composición de Stravinsky: la Sonata para piano (1904), la suite vocal y sinfónica El fauno y la pastora (1906), la Sinfonía en mi bemol mayor (1907), el Fantástico Scherzo y Fuegos artificiales para orquesta (1908) están marcados por la influencia de la escuela Rimsky-Korsakov y los impresionistas franceses. Sin embargo, desde el momento en que se representaron en París los ballets El pájaro de fuego (1910), Petrushka (1911), La consagración de la primavera (1913), encargados por Diaghilev para las Estaciones rusas, se ha producido un despegue creativo colosal en la género al que Stravinsky en He se encariñó especialmente más adelante porque, en sus palabras, el ballet es “la única forma de arte teatral que pone como piedra angular las tareas de la belleza y nada más”.
La tríada de ballets abre el primer - "ruso" - período de creatividad, llamado así no por el lugar de residencia (desde 1910, Stravinsky vivió en el extranjero durante mucho tiempo, y en 1914 se instaló en Suiza), pero gracias a las peculiaridades de pensamiento musical que aparecía en ese momento, profundamente esencialmente nacional. Stravinsky recurrió al folclore ruso, cuyas diversas capas se refractaron de manera muy peculiar en la música de cada uno de los ballets. El pájaro de fuego impresiona con su exuberante generosidad de colores orquestales, contrastes brillantes de letras poéticas de baile redondo y bailes ardientes. En "Petrushka", llamada por A. Benois "mula de ballet", melodías de la ciudad, populares a principios de siglo, el sonido cobra vida, la imagen abigarrada y ruidosa de las festividades de Shrovetide, a la que se opone la figura solitaria del sufrimiento. Petrushka. El antiguo rito pagano del sacrificio determinaba el contenido de la “Primavera Sagrada”, que encarnaba el impulso elemental para la renovación de la primavera, las poderosas fuerzas de destrucción y creación. El compositor, sumergiéndose en las profundidades del arcaísmo del folclore, renueva tan radicalmente el lenguaje musical y las imágenes que el ballet causó la impresión de una bomba explosiva en sus contemporáneos. “Faro gigante del siglo XX” lo llamó el compositor italiano A. Casella.
Durante estos años, Stravinsky compuso intensamente, a menudo trabajando en varias obras que eran completamente diferentes en carácter y estilo a la vez. Estas fueron, por ejemplo, las escenas coreográficas rusas La boda (1914-23), que de alguna manera se hicieron eco de La consagración de la primavera, y la ópera exquisitamente lírica El ruiseñor (1914). El cuento de la zorra, el gallo, el gato y la oveja, que revive las tradiciones del teatro de bufones (1917), es contiguo a Historia de un soldado (1918), donde ya empieza a neutralizarse el melos ruso, cayendo en la esfera del constructivismo y los elementos del jazz.
En 1920 Stravinsky se mudó a Francia y en 1934 tomó la ciudadanía francesa. Fue un período de actividad creativa y escénica extremadamente rica. Para la generación más joven de compositores franceses, Stravinsky se convirtió en la máxima autoridad, el “maestro musical”. Sin embargo, el fracaso de su candidatura a la Academia Francesa de Bellas Artes (1936), los lazos comerciales cada vez más estrechos con los Estados Unidos, donde dio dos conciertos con éxito, y en 1939 dictó un curso de conferencias sobre estética en la Universidad de Harvard – todo esto lo impulsó a mudarse al comienzo de la segunda guerra mundial en América. Se instaló en Hollywood (California) y en 1945 aceptó la ciudadanía estadounidense.
El comienzo del período "parisino" para Stravinsky coincidió con un giro brusco hacia el neoclasicismo, aunque en general el panorama general de su obra fue bastante variado. A partir del ballet Pulcinella (1920) con música de G. Pergolesi, crea toda una serie de obras de estilo neoclásico: los ballets Apolo Musagete (1928), Naipes (1936), Orfeo (1947); la ópera-oratorio Edipo Rey (1927); el melodrama Perséfone (1938); la ópera The Rake's Progress (1951); Octeto para vientos (1923), Sinfonía de salmos (1930), Concierto para violín y orquesta (1931) y otros. El neoclasicismo de Stravinsky tiene un carácter universal. El compositor modela varios estilos musicales de la época de JB Lully, JS Bach, KV Gluck, con el objetivo de establecer “el dominio del orden sobre el caos”. Esto es característico de Stravinsky, quien siempre se distinguió por su lucha por una estricta disciplina racional de la creatividad, que no permitía desbordamientos emocionales. Sí, y el proceso mismo de componer música que Stravinsky llevó a cabo no por capricho, sino "diariamente, regularmente, como una persona con tiempo oficial".
Fueron estas cualidades las que determinaron la peculiaridad de la siguiente etapa de la evolución creativa. En los años 50-60. el compositor se sumerge en la música de la era anterior a Bach, recurre a tramas bíblicas y de culto, ya partir de 1953 comienza a aplicar una técnica compositiva dodecafónica rígidamente constructiva. Himno Sagrado en Honor al Apóstol Marcos (1955), ballet Agon (1957), Monumento para orquesta del 400 Aniversario de Gesualdo di Venosa (1960), cantata-alegoría El Diluvio en el espíritu de los misterios ingleses del siglo 1962. (1966), Requiem ("Cantos para los muertos", XNUMX): estas son las obras más significativas de esta época.
El estilo de Stravinsky en ellos se vuelve cada vez más ascético, constructivamente neutral, aunque el propio compositor habla de la preservación de los orígenes nacionales en su obra: “He estado hablando ruso toda mi vida, tengo un estilo ruso. Quizás en mi música esto no sea inmediatamente visible, pero es inherente a ella, está en su naturaleza oculta. Una de las últimas composiciones de Stravinsky fue un canon sobre el tema de la canción rusa "Not the Pine at the Gates Swayed", que se usó anteriormente en el final del ballet "Firebird".
Así, completando su trayectoria vital y creativa, el compositor volvió a los orígenes, a la música que personificaba el lejano pasado ruso, cuyo anhelo siempre estuvo presente en algún lugar del fondo del corazón, a veces irrumpiendo en declaraciones, y especialmente intensificado después La visita de Stravinsky a la Unión Soviética en el otoño de 1962. Fue entonces cuando pronunció las palabras significativas: "Una persona tiene un lugar de nacimiento, una patria, y el lugar de nacimiento es el factor principal en su vida".
O. Averianova
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