Roberto Schumann |

Robert Schumann

Iluminar las profundidades del corazón humano: tal es la vocación del artista. R.Schumann

P. Tchaikovsky creía que las generaciones futuras llamarían el siglo XIX. El período de Schumann en la historia de la música. Y, de hecho, la música de Schumann capturó lo principal en el arte de su tiempo: su contenido eran los "procesos misteriosamente profundos de la vida espiritual" del hombre, su propósito: la penetración en las "profundidades del corazón humano".

R. Schumann nació en la ciudad de provincias sajona de Zwickau, en la familia del editor y librero August Schumann, quien murió temprano (1826), pero logró transmitir a su hijo una actitud reverencial hacia el arte y lo animó a estudiar música. con el organista local I. Kuntsch. Desde temprana edad, a Schumann le encantaba improvisar en el piano, a los 13 años escribió un Salmo para coro y orquesta, pero nada menos que la música lo atrajo hacia la literatura, en cuyo estudio dio grandes pasos durante sus años en el gimnasio. El joven con inclinaciones románticas no estaba interesado en absoluto en la jurisprudencia, que estudió en las universidades de Leipzig y Heidelberg (1828-30).

Las clases con el famoso profesor de piano F. Wieck, la asistencia a conciertos en Leipzig, el conocimiento de las obras de F. Schubert contribuyeron a la decisión de dedicarse a la música. Con dificultad venciendo la resistencia de sus familiares, Schumann comenzó clases intensivas de piano, pero una enfermedad en su mano derecha (debido al entrenamiento mecánico de los dedos) cerró su carrera como pianista para él. Con tanto más entusiasmo, Schumann se dedica a la composición musical, recibe lecciones de composición de G. Dorn, estudia la obra de JS Bach y L. Beethoven. Ya las primeras obras para piano publicadas (Variaciones sobre un tema de Abegg, “Mariposas”, 1830-31) mostraban la independencia del joven autor.

Desde 1834, Schumann se convirtió en el editor y luego en el editor del New Musical Journal, que tenía como objetivo luchar contra las obras superficiales de los compositores virtuosos que inundaban el escenario de los conciertos en ese momento, con la imitación artesanal de los clásicos, por un arte nuevo y profundo. , iluminada por la inspiración poética . En sus artículos, escritos en una forma artística original, a menudo en forma de escenas, diálogos, aforismos, etc., Schumann presenta al lector el ideal del verdadero arte, que él ve en las obras de F. Schubert y F. Mendelssohn. , F. Chopin y G Berlioz, en la música de los clásicos vieneses, en el juego de N. Paganini y la joven pianista Clara Wieck, hija de su maestro. Schumann logró reunir a su alrededor a personas de ideas afines que aparecían en las páginas de la revista como Davidsbündlers, miembros de la "Hermandad de David" ("Davidsbund"), una especie de unión espiritual de músicos genuinos. El propio Schumann a menudo firmaba sus reseñas con los nombres de Davidsbündlers ficticios Florestan y Eusebius. Florestan es propenso a los altibajos violentos de la fantasía, a las paradojas, los juicios del soñador Eusebio son más suaves. En la suite de obras características "Carnaval" (1834-35), Schumann crea retratos musicales de los Davidsbündler: Chopin, Paganini, Clara (bajo el nombre de Chiarina), Eusebius, Florestan.

La más alta tensión de fuerza espiritual y las más altas cumbres del genio creativo ("Piezas fantásticas", "Danzas de los Davidsbündlers", Fantasía en do mayor, "Kreisleriana", "Novelettes", "Humoresque", "Carnaval vienés") trajeron a Schumann la segunda mitad de los años 30. , que pasó bajo el signo de la lucha por el derecho a unirse con Clara Wieck (F. Wieck de todas las formas posibles impidió este matrimonio). En un esfuerzo por encontrar un escenario más amplio para sus actividades musicales y periodísticas, Schumann pasa la temporada 1838-39. en Viena, pero la administración y la censura de Metternich impidieron que la revista se publicara allí. En Viena, Schumann descubrió el manuscrito de la “gran” Sinfonía en do mayor de Schubert, uno de los pináculos del sinfonismo romántico.

1840, el año de la tan esperada unión con Clara, se convirtió para Schumann en el año de las canciones. Una extraordinaria sensibilidad por la poesía, un profundo conocimiento de la obra de los contemporáneos contribuyeron a la realización en numerosos ciclos de canciones y canciones individuales de una verdadera unión con la poesía, la encarnación exacta en la música de la entonación poética individual de G. Heine ("Círculo de Canciones" op. 24, "El amor del poeta"), I. Eichendorff ("Círculo de canciones", op. 39), A. Chamisso ("Amor y vida de una mujer"), R. Burns, F. Rückert, J. Byron, GX Andersen y otros. Y posteriormente, el campo de la creatividad vocal continuó creciendo obras maravillosas ("Seis poemas de N. Lenau" y Réquiem - 1850, "Canciones de "Wilhelm Meister" de IV Goethe" - 1849, etc.).

La vida y obra de Schumann en los años 40-50. fluyó en una alternancia de altibajos, en gran parte asociada con episodios de enfermedad mental, cuyos primeros signos aparecieron ya en 1833. Los aumentos en la energía creativa marcaron el comienzo de los años 40, el final del período de Dresde (los Schumann vivían en la capital de Sajonia en 1845-50. ), coincidiendo con los acontecimientos revolucionarios en Europa, y el comienzo de la vida en Düsseldorf (1850). Schumann compone mucho, enseña en el Conservatorio de Leipzig, inaugurado en 1843, y desde ese mismo año empieza a actuar como director de orquesta. En Dresden y Düsseldorf también dirige el coro, dedicándose a esta labor con entusiasmo. De las pocas giras que realizó con Clara, la más larga e impactante fue un viaje a Rusia (1844). Desde los años 60-70. La música de Schumann se convirtió rápidamente en una parte integral de la cultura musical rusa. Fue amada por M. Balakirev y M. Mussorgsky, A. Borodin y especialmente Tchaikovsky, quien consideraba a Schumann el compositor moderno más destacado. A. Rubinstein fue un brillante intérprete de las obras para piano de Schumann.

Creatividad de los años 40-50. marcado por una expansión significativa de la gama de géneros. Schumann escribe sinfonías (Primera – “Primavera”, 1841, Segunda, 1845-46; Tercera – “Rin”, 1850; Cuarta, 1841-1ª edición, 1851 – 2ª edición), conjuntos de cámara (cuarteto de 3 cuerdas – 1842, 3 tríos , cuarteto y quinteto de piano, ensambles con la participación del clarinete –incluyendo “Fabulous Narratives” para clarinete, viola y piano, 2 sonatas para violín y piano, etc.); conciertos para piano (1841-45), violonchelo (1850), violín (1853); programa oberturas de concierto (“La novia de Messina” según Schiller, 1851; “Hermann y Dorotea” según Goethe y “Julio César” según Shakespeare – 1851), demostrando maestría en el manejo de las formas clásicas. El Concierto para piano y la Cuarta Sinfonía destacan por su audacia en su renovación, el Quinteto en mi bemol mayor por la excepcional armonía de realización y la inspiración de pensamientos musicales. Una de las culminaciones de toda la obra del compositor fue la música del poema dramático de Byron "Manfred" (1848), el hito más importante en el desarrollo del sinfonismo romántico en el camino de Beethoven a Liszt, Tchaikovsky, Brahms. Schumann tampoco traiciona a su amado piano (Escenas de bosque, 1848-49 y otras piezas) – es su sonido el que dota a sus conjuntos de cámara y letras vocales de especial expresividad. La búsqueda del compositor en el campo de la música vocal y dramática fue incansable (el oratorio “Paraíso y Peri” de T. Moore – 1843; Escenas del “Fausto” de Goethe, 1844-53; baladas para solistas, coro y orquesta; obras de géneros sagrados, etc.). La puesta en escena en Leipzig de la única ópera Genoveva (1847-48) de Schumann basada en F. Gobbel y L. Tieck, similar en trama a las óperas románticas alemanas "caballerescas" de KM Weber y R. Wagner, no le trajo éxito.

El gran acontecimiento de los últimos años de la vida de Schumann fue su encuentro con el veinteañero Brahms. El artículo “Nuevos Caminos”, en el que Schumann auguró un gran futuro a su heredero espiritual (siempre trató a los jóvenes compositores con extraordinaria sensibilidad), completó su actividad publicitaria. En febrero de 1854, un grave ataque de enfermedad lo llevó a un intento de suicidio. Después de pasar 2 años en un hospital (Endenich, cerca de Bonn), Schumann murió. La mayor parte de los manuscritos y documentos se conservan en su Casa-Museo de Zwickau (Alemania), donde se celebran periódicamente concursos de pianistas, vocalistas y conjuntos de cámara que llevan el nombre del compositor.

El trabajo de Schumann marcó la etapa madura del romanticismo musical con su mayor atención a la encarnación de los complejos procesos psicológicos de la vida humana. Los ciclos pianísticos y vocales de Schumann, muchas de las obras sinfónicas, instrumentales de cámara, abrieron un nuevo mundo artístico, nuevas formas de expresión musical. La música de Schumann se puede imaginar como una serie de momentos musicales sorprendentemente amplios, que capturan los estados mentales cambiantes y muy finamente diferenciados de una persona. Estos también pueden ser retratos musicales, capturando con precisión tanto el carácter externo como la esencia interna del representado.

Schumann dio títulos programáticos a muchas de sus obras, que fueron diseñadas para excitar la imaginación del oyente y del intérprete. Su trabajo está muy relacionado con la literatura, con el trabajo de Jean Paul (JP Richter), TA Hoffmann, G. Heine y otros. Las miniaturas de Schumann se pueden comparar con poemas líricos, obras de teatro más detalladas: con poemas, historias románticas, donde las diferentes historias a veces se entrelazan de manera extraña, lo real se convierte en fantástico, surgen digresiones líricas, etc. criaturas. En este ciclo de piezas de fantasía para piano, así como en el ciclo vocal sobre los poemas de Heine “El amor de un poeta”, surge la imagen de un artista romántico, un verdadero poeta, capaz de sentirse infinitamente agudo, “fuerte, fogoso y tierno”. ”, a veces obligado a ocultar su verdadera esencia bajo una máscara de ironía y bufonería, para luego revelarla aún más sincera y cordialmente o sumergirse en una profunda reflexión… Schumann dota al Manfred de Byron de agudeza y fuerza de sentimiento, la locura de un impulso rebelde, en cuya imagen hay también rasgos filosóficos y trágicos. Imágenes animadas líricamente de la naturaleza, sueños fantásticos, leyendas y leyendas antiguas, imágenes de la infancia ("Escenas infantiles" - 1838; piano (1848) y vocales (1849) "Álbumes para la juventud") complementan el mundo artístico del gran músico, " un poeta por excelencia”, como lo llamó V. Stasov.

E. Tsareva

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Las palabras de Schuman “iluminar las profundidades del corazón humano – este es el propósito del artista” – un camino directo al conocimiento de su arte. Pocas personas pueden compararse con Schumann en la penetración con la que transmite los matices más finos de la vida del alma humana con sonidos. El mundo de los sentimientos es un manantial inagotable de sus imágenes musicales y poéticas.

No menos notable es otra declaración de Schumann: "Uno no debe sumergirse demasiado en uno mismo, mientras que es fácil perder una mirada aguda al mundo que lo rodea". Y Schumann siguió su propio consejo. A los veinte años emprendió la lucha contra la inercia y el filisteísmo. (filisteo es una palabra alemana colectiva que personifica a un comerciante, una persona con puntos de vista filisteos atrasados ​​sobre la vida, la política, el arte) En arte. Un espíritu de lucha, rebelde y apasionado, llenó sus obras musicales y sus audaces y atrevidos artículos críticos, que allanaron el camino a nuevos fenómenos progresistas del arte.

La irreconciliabilidad con el rutinismo, la vulgaridad que llevó Schumann toda su vida. Pero la enfermedad, que cada año se acentuaba, agudizaba el nerviosismo y la sensibilidad romántica de su naturaleza, obstaculizando muchas veces el entusiasmo y la energía con que se dedicaba a las actividades musicales y sociales. La complejidad de la situación sociopolítica ideológica en Alemania en ese momento también tuvo un efecto. Sin embargo, en las condiciones de una estructura estatal reaccionaria semifeudal, Schumann logró preservar la pureza de los ideales morales, mantenerlos constantemente en sí mismo y despertar el ardor creativo en los demás.

“Nada real se crea en el arte sin entusiasmo”, estas maravillosas palabras del compositor revelan la esencia de sus aspiraciones creativas. Artista sensible y de profundo pensamiento, no pudo evitar responder al llamado de los tiempos, para sucumbir a la influencia inspiradora de la era de las revoluciones y guerras de liberación nacional que sacudieron Europa en la primera mitad del siglo XIX.

La inusualidad romántica de las imágenes y composiciones musicales, la pasión que Schumann aportó a todas sus actividades, perturbaron la paz adormilada de los filisteos alemanes. No es casualidad que la obra de Schumann fuera silenciada por la prensa y no encontrara reconocimiento en su tierra natal durante mucho tiempo. El camino de la vida de Schumann fue difícil. Desde el principio, la lucha por el derecho a convertirse en músico determinó la atmósfera tensa ya veces nerviosa de su vida. El colapso de los sueños a veces fue reemplazado por una repentina realización de esperanzas, momentos de alegría aguda, depresión profunda. Todo esto quedó impreso en las páginas temblorosas de la música de Schumann.

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Para los contemporáneos de Schumann, su obra parecía misteriosa e inaccesible. Un lenguaje musical peculiar, nuevas imágenes, nuevas formas: todo esto requería una escucha y una tensión demasiado profundas, inusuales para el público de las salas de conciertos.

La experiencia de Liszt, que intentó promover la música de Schumann, terminó bastante triste. En una carta al biógrafo de Schumann, Liszt escribió: “Muchas veces tuve tal fracaso con las obras de Schumann tanto en casas particulares como en conciertos públicos que perdí el coraje de ponerlas en mis carteles”.

Pero incluso entre los músicos, el arte de Schumann se abrió camino a la comprensión con dificultad. Sin mencionar a Mendelssohn, para quien el espíritu rebelde de Schumann era profundamente ajeno, el mismo Liszt, uno de los artistas más perspicaces y sensibles, aceptó a Schumann solo parcialmente, permitiéndose libertades tales como interpretar "Carnaval" con cortes.

Recién a partir de los años 50, la música de Schumann comenzó a arraigarse en la vida musical y concertística, para adquirir círculos cada vez más amplios de adeptos y admiradores. Entre las primeras personas que notaron su verdadero valor se encontraban los principales músicos rusos. Anton Grigoryevich Rubinshtein interpretó mucho y de buena gana a Schumann, y fue precisamente con la interpretación de "Carnival" y "Symphonic Etudes" que causó una gran impresión en la audiencia.

El amor por Schumann fue testificado repetidamente por Tchaikovsky y los líderes del Mighty Handful. Tchaikovsky habló de manera especialmente penetrante sobre Schumann, destacando la emocionante modernidad del trabajo de Schumann, la novedad del contenido, la novedad del propio pensamiento musical del compositor. “La música de Schumann”, escribió Tchaikovsky, “que se une orgánicamente a la obra de Beethoven y al mismo tiempo se separa bruscamente de ella, nos abre todo un mundo de nuevas formas musicales, toca hilos que sus grandes predecesores aún no han tocado. En él encontramos un eco de esos misteriosos procesos espirituales de nuestra vida espiritual, esas dudas, desesperaciones e impulsos hacia el ideal que embargan el corazón del hombre moderno.

Schumann pertenece a la segunda generación de músicos románticos que sustituyó a Weber, Schubert. Schumann en muchos aspectos partía del último Schubert, de esa línea de su obra, en la que los elementos lírico-dramáticos y psicológicos jugaban un papel decisivo.

El principal tema creativo de Schumann es el mundo de los estados internos de una persona, su vida psicológica. Hay características en la apariencia del héroe de Schumann que son similares a las de Schubert, también hay muchas cosas nuevas, inherentes a un artista de una generación diferente, con un sistema de pensamientos y sentimientos complicado y contradictorio. Imágenes artísticas y poéticas de Schumann, más frágiles y refinadas, nacieron en la mente, percibiendo con agudeza las contradicciones cada vez mayores de la época. Fue esta mayor agudeza de reacción a los fenómenos de la vida lo que creó una tensión y una fuerza extraordinarias del “impacto del ardor de los sentimientos de Schumann” (Asafiev). Ninguno de los contemporáneos europeos occidentales de Schumann, a excepción de Chopin, tiene tal pasión y una variedad de matices emocionales.

En la naturaleza nerviosamente receptiva de Schumann, la sensación de brecha entre una personalidad pensante y profundamente sensible y las condiciones reales de la realidad circundante, experimentada por los principales artistas de la época, se exacerba hasta el extremo. Busca llenar lo incompleto de la existencia con su propia fantasía, oponer una vida antiestética a un mundo ideal, el reino de los sueños y la ficción poética. En última instancia, esto condujo al hecho de que la multiplicidad de los fenómenos de la vida comenzó a reducirse a los límites de la esfera personal, la vida interior. La autoprofundización, el enfoque en los propios sentimientos, las propias experiencias fortalecieron el crecimiento del principio psicológico en el trabajo de Schumann.

La naturaleza, la vida cotidiana, todo el mundo objetivo, por así decirlo, dependen del estado dado del artista, están coloreados en los tonos de su estado de ánimo personal. La naturaleza en la obra de Schumann no existe fuera de sus experiencias; siempre refleja sus propias emociones, toma un color correspondiente a ellas. Lo mismo puede decirse de las imágenes fabuloso-fantásticas. En la obra de Schumann, en comparación con la obra de Weber o Mendelssohn, la conexión con la fabulosidad generada por las ideas populares se debilita notablemente. La fantasía de Schumann es más bien una fantasía de sus propias visiones, a veces extrañas y caprichosas, provocadas por el juego de la imaginación artística.

El fortalecimiento de la subjetividad y los motivos psicológicos, la naturaleza a menudo autobiográfica de la creatividad, no resta valor universal excepcional a la música de Schumann, ya que estos fenómenos son profundamente típicos de la era de Schumann. Belinsky habló notablemente sobre la importancia del principio subjetivo en el arte: “En un gran talento, un exceso de un elemento interno subjetivo es un signo de humanidad. No tengas miedo de esta dirección: no te engañará, no te engañará. El gran poeta, hablando de sí mismo, de su я, habla de lo general – de la humanidad, porque en su naturaleza reside todo aquello de lo que vive la humanidad. Y por eso, en su tristeza, en su alma, cada uno reconoce lo suyo y ve en él no sólo poetaPero personassu hermano en la humanidad. Al reconocerlo como un ser incomparablemente superior a él, todos al mismo tiempo reconocen su parentesco con él.

Junto con la profundización en el mundo interior en la obra de Schumann, tiene lugar otro proceso igualmente importante: se amplía el alcance del contenido vital de la música. La vida misma, alimentando la obra del compositor con los más diversos fenómenos, introduce en ella elementos de publicismo, de aguda caracterización y de concreción. Por primera vez en la música instrumental aparecen retratos, bocetos, escenas tan precisas en sus características. Así, vivir la realidad a veces con mucha audacia e inusitada invade las páginas líricas de la música de Schumann. El propio Schumann admite que “emociona todo lo que sucede en el mundo: la política, la literatura, la gente; Pienso en todo esto a mi manera, y luego todo pide salir, buscando expresión en la música.

La incesante interacción de lo externo y lo interno satura la música de Schumann con agudos contrastes. Pero su propio héroe es bastante contradictorio. Después de todo, Schumann dotó a su propia naturaleza de diferentes personajes de Florestan y Eusebius.

La rebelión, la tensión de las búsquedas, la insatisfacción con la vida provocan rápidas transiciones de los estados emocionales, desde la tormentosa desesperación hasta la inspiración y el entusiasmo activo, o son reemplazadas por una tranquila reflexión, un dulce ensueño.

Naturalmente, este mundo tejido de contradicciones y contrastes requería de medios y formas especiales para su realización. Schumann lo reveló de la forma más orgánica y directa en sus obras para piano y voz. Allí encontró formas que le permitieron entregarse libremente al caprichoso juego de la fantasía, sin estar limitado por los esquemas dados de formas ya establecidas. Pero en obras ampliamente concebidas, en sinfonías, por ejemplo, la improvisación lírica a veces contradecía el concepto mismo del género sinfónico con su requisito inherente para un desarrollo lógico y consistente de una idea. Por otro lado, en la obertura en un movimiento de Manfred, la cercanía de algunos rasgos del héroe de Byron con el mundo interior del compositor lo inspiró a crear una obra dramática profundamente individual y apasionada. El académico Asafiev caracteriza el “Manfred” de Schumann como “un monólogo trágico de una “personalidad orgullosa” desilusionada y socialmente perdida.

Muchas páginas de música de indescriptible belleza contienen composiciones de cámara de Schumann. Esto es especialmente cierto en el quinteto de piano con la intensidad apasionada de su primer movimiento, las imágenes lírico-trágicas del segundo y los movimientos finales brillantemente festivos.

La novedad del pensamiento de Schumann se expresó en el lenguaje musical: original y original. La melodía, la armonía, el ritmo parecen obedecer al menor movimiento de imágenes extrañas, a la variabilidad de los estados de ánimo. El ritmo se vuelve inusualmente flexible y elástico, dotando al tejido musical de las obras de una singular característica aguda. La “escucha” profunda de los “procesos misteriosos de la vida espiritual” da lugar a una especial atención a la armonía. No en vano uno de los aforismos de los Davidsbündler dice: “En la música, como en el ajedrez, la reina (melodía) es de la mayor importancia, pero el rey (armonía) decide el asunto”.

Todo lo característico, puramente “schumanniano”, se plasmó con la mayor luminosidad en su música para piano. La novedad del lenguaje musical de Schumann encuentra su continuación y desarrollo en sus letras vocales.

V. Galatskaya

La obra de Schumann es uno de los pináculos del arte musical mundial del siglo XIX.

Las tendencias estéticas avanzadas de la cultura alemana de los años 20 y 40 encontraron una vívida expresión en su música. Las contradicciones inherentes a la obra de Schumann reflejaban las complejas contradicciones de la vida social de su época.

El arte de Schumann está imbuido de ese espíritu inquieto y rebelde que lo emparenta con Byron, Heine, Hugo, Berlioz, Wagner y otros destacados artistas románticos.

Oh, déjame sangrar Pero dame espacio pronto. Tengo miedo de asfixiarme aquí En el maldito mundo de los mercaderes... No, mejor vicio vil Robo, violencia, robo, Que la moral contable Y la virtud de los rostros bien alimentados. Oye, nube, llévame lejos Llévatelo contigo en un largo viaje A Laponia, o a África, O al menos a Stettin, ¡algún lugar! — (Traducido por V. Levik)

Heine escribió sobre la tragedia de un pensador contemporáneo. Bajo estos versos pudo suscribirse Schumann. En su música apasionada y agitada se escucha invariablemente la protesta de una personalidad insatisfecha e inquieta. El trabajo de Schumann fue un desafío al odiado "mundo de los comerciantes", su estúpido conservadurismo y su estrechez de miras autosuficiente. Avivada por el espíritu de protesta, la música de Schumann expresó objetivamente las aspiraciones y anhelos de las mejores personas.

Un pensador con puntos de vista políticos avanzados, simpatizante de los movimientos revolucionarios, una importante figura pública, un apasionado propagandista del propósito ético del arte, Schumann fustigó airadamente el vacío espiritual, el moho pequeñoburgués de la vida artística moderna. Sus simpatías musicales estaban del lado de Beethoven, Schubert, Bach, cuyo arte le servía como máxima medida artística. En su trabajo, buscó apoyarse en las tradiciones populares nacionales, en los géneros democráticos comunes en la vida alemana.

Con su pasión inherente, Schumann abogó por una renovación del contenido ético de la música, su estructura figurativo-emocional.

Pero el tema de la rebelión recibió de él una especie de interpretación lírica y psicológica. A diferencia de Heine, Hugo, Berlioz y algunos otros artistas románticos, el patetismo cívico no era muy característico en él. Schumann es genial en otro sentido. Lo mejor de su variado legado es la “confesión del hijo del siglo”. Este tema preocupó a muchos de los destacados contemporáneos de Schumann y se incorporó en Manfred de Byron, The Winter Journey de Müller-Schubert y Fantastic Symphony de Berlioz. El rico mundo interior del artista como reflejo de los complejos fenómenos de la vida real es el contenido principal del arte de Schumann. Aquí el compositor logra una gran profundidad ideológica y poder de expresión. Schumann fue el primero en reflejar en la música una gama tan amplia de experiencias de sus compañeros, la variedad de sus matices, las transiciones más sutiles de los estados mentales. El dramatismo de la época, su complejidad e inconsistencia recibieron una peculiar refracción en las imágenes psicológicas de la música de Schumann.

Al mismo tiempo, la obra del compositor está imbuida no sólo de un impulso rebelde, sino también de una ensoñación poética. Al crear imágenes autobiográficas de Florestan y Eusebius en sus obras literarias y musicales, Schumann encarnó esencialmente en ellas dos formas extremas de expresar la discordia romántica con la realidad. En el poema anterior de Heine, uno puede reconocer a los héroes de Schumann: el protestante irónico Florestan (prefiere el robo de "moralidad contable de rostros bien alimentados") y el soñador Eusebio (junto con una nube llevada a países desconocidos). El tema del sueño romántico recorre como un hilo rojo toda su obra. Hay algo profundamente significativo en el hecho de que Schumann asoció una de sus obras más queridas y artísticamente significativas con la imagen del Kapellmeister Kreisler de Hoffmann. Tormentosos impulsos a la belleza inalcanzable hacen que Schumann se relacione con este músico impulsivo y desequilibrado.

Pero, a diferencia de su prototipo literario, Schumann no tanto se “eleva” por encima de la realidad sino que la poetiza. Supo ver su esencia poética bajo el caparazón cotidiano de la vida, supo seleccionar lo bello de las impresiones de la vida real. Schumann aporta nuevos tonos festivos y chispeantes a la música, dándoles muchos matices coloridos.

En cuanto a la novedad de los temas e imágenes artísticas, en cuanto a su sutileza psicológica y veracidad, la música de Schumann es un fenómeno que amplió significativamente los límites del arte musical del siglo XIX.

La obra de Schumann, especialmente las obras para piano y las letras vocales, tuvo un enorme impacto en la música de la segunda mitad del siglo XIX. Las piezas para piano y las sinfonías de Brahms, muchas obras vocales e instrumentales de Grieg, las obras de Wolf, Frank y muchos otros compositores se remontan a la música de Schumann. Los compositores rusos apreciaron mucho el talento de Schumann. Su influencia se reflejó en la obra de Balakirev, Borodin, Cui y especialmente Tchaikovsky, quien no solo en la cámara, sino también en el ámbito sinfónico, desarrolló y generalizó muchos de los rasgos característicos de la estética de Schumann.

“Se puede decir con certeza”, escribió PI Tchaikovsky, “que la música de la segunda mitad del siglo actual constituirá un período en la futura historia del arte, que las futuras generaciones llamarán de Schumann. La música de Schumann, orgánicamente adyacente a la obra de Beethoven y al mismo tiempo tajantemente separada de ella, abre todo un mundo de nuevas formas musicales, toca hilos que sus grandes predecesores aún no habían tocado. En él encontramos un eco de esos…procesos profundos de nuestra vida espiritual, esas dudas, desesperaciones e impulsos hacia el ideal que embargan el corazón del hombre moderno.

V.Konen

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