Avet Rubenovich Terterian (Avet Terterian) |

Terteriano Avet

… Avet Terteryan es un compositor para quien el sinfonismo es un medio natural de expresión. k meyer

En verdad, hay días y momentos que psicológica y emocionalmente superan muchos y muchos años, se convierten en una especie de punto de inflexión en la vida de una persona, determinan su destino, su ocupación. Para un niño de doce años, más tarde el célebre compositor soviético Avet Terteryan, los días de estancia de Sergei Prokofiev y sus amigos en la casa de los padres de Avet, en Bakú, a finales de 1941, se hicieron tan cortos, pero intensos. . La forma de comportarse de Prokofiev, hablar, expresar su opinión abiertamente, definitivamente clara y comenzar todos los días con el trabajo. Y luego estaba componiendo la ópera "La guerra y la paz", y por la mañana los impresionantes y brillantes sonidos de la música se precipitaron desde la sala de estar, donde estaba el piano.

Los invitados se fueron, pero unos años después, cuando surgió la cuestión de elegir una profesión, si seguir los pasos de su padre en la escuela de medicina o elegir otra cosa, el joven decidió firmemente: una escuela de música. Avet recibió su educación musical primaria de una familia extremadamente musical: su padre, un conocido laringólogo en Bakú, de vez en cuando fue invitado a cantar los papeles principales en las óperas de P. Tchaikovsky y G. Verdi, su madre. tenía una excelente soprano dramática, su hermano menor Herman se convirtió posteriormente en director de orquesta.

El compositor armenio A. Satyan, autor de canciones muy populares en Armenia, así como el conocido maestro G. Litinsky, mientras estaban en Bakú, recomendaron encarecidamente a Terteryan que fuera a Ereván y estudiara seriamente composición. Y pronto Avet ingresó al Conservatorio de Ereván, en la clase de composición de E. Mirzoyan. Durante sus estudios, escribió la Sonata para violonchelo y piano, que recibió un premio en el concurso republicano y en la Revista de jóvenes compositores de toda la Unión, romances sobre las palabras de poetas rusos y armenios, el Cuarteto en do mayor, el ciclo vocal-sinfónico "Patria" - un trabajo que le trae un verdadero éxito, galardonado con el Premio de toda la Unión en el Concurso de Compositores Jóvenes en 1962, y un año después, bajo la dirección de A. Zhuraitis, suena en el Salón de columnas.

Tras el primer éxito vinieron los primeros ensayos asociados al ciclo vocal-sinfónico denominado “Revolución”. La primera representación de la obra fue también la última. Sin embargo, el trabajo no fue en vano. Los notables versos del poeta armenio, el cantante de la revolución, Yeghishe Charents, capturaron la imaginación del compositor con su poderosa fuerza, sonido histórico e intensidad publicitaria. Fue entonces, durante el período de fracaso creativo, cuando se produjo una intensa acumulación de fuerzas y se formó el tema principal de la creatividad. Luego, a la edad de 35 años, el compositor lo supo con seguridad: si no lo tienes, ni siquiera deberías dedicarte a la composición, y en el futuro demostrará la ventaja de este punto de vista: su propio tema principal... Surgió en la fusión de los conceptos Patria y Revolución, conciencia dialéctica de estas cantidades, dramatismo de la naturaleza de su interacción. La idea de escribir una ópera imbuida de los elevados motivos morales de la poesía de Charents envió al compositor a la búsqueda de una aguda trama revolucionaria. El periodista V. Shakhnazaryan, atraído por trabajar como libretista, pronto sugirió: la historia de B. Lavrenev "Cuarenta y uno". La acción de la ópera se trasladó a Armenia, donde en los mismos años se desarrollaban batallas revolucionarias en las montañas de Zangezur. Los héroes eran una campesina y un teniente de las antiguas tropas prerrevolucionarias. Los versos apasionados de Charents fueron escuchados en la ópera por el lector, en el coro y en partes solistas.

La ópera recibió una amplia respuesta, fue reconocida como una obra brillante, talentosa e innovadora. Unos años después del estreno en Ereván (1967), se representó en el escenario del teatro de Halle (RDA), y en 1978 inauguró el Festival Internacional de GF Handel, que se celebra anualmente en la tierra natal del compositor.

Después de crear la ópera, el compositor escribe 6 sinfonías. Le atrae especialmente la posibilidad de comprensión filosófica en los espacios sinfónicos de las mismas imágenes, de los mismos temas. Luego aparecen el ballet “Richard III” basado en W. Shakespeare, la ópera “Terremoto” basada en el cuento del escritor alemán G. Kleist “Terremoto en Chile” y nuevamente las sinfonías – Séptima, Octava. Cualquiera que haya escuchado atentamente al menos una vez cualquier sinfonía de Terteryaia reconocerá fácilmente su música más adelante. Es específico, espacial, requiere atención enfocada. Aquí, cada sonido emergente es una imagen en sí mismo, una idea, y seguimos con atención incansable su movimiento posterior, como el destino de un héroe. El imaginario sonoro de las sinfonías alcanza una expresividad casi escénica: la máscara sonora, el actor sonoro, que es también una metáfora poética, y desentrañamos su significado. Las obras de Terteryan animan al oyente a volver la mirada interior a los verdaderos valores de la vida, a sus fuentes eternas, a pensar en la fragilidad del mundo y su belleza. Por tanto, las cumbres poéticas de las sinfonías y óperas de Terterian resultan siempre las frases melódicas más sencillas de origen popular, interpretadas bien por la voz, el más natural de los instrumentos, bien por instrumentos populares. Así suena la 2ª parte de la Segunda Sinfonía, una improvisación monofónica de barítono; un episodio de la Tercera Sinfonía: un conjunto de dos duduks y dos zurns; la melodía de la kamancha que impregna todo el ciclo en la Quinta Sinfonía; partido dapa en la Séptima; en el sexto pico habrá un coro, donde en lugar de palabras están los sonidos del alfabeto armenio “ayb, ben, gim, dan”, etc. como una especie de símbolo de iluminación y espiritualidad. Los símbolos más simples, al parecer, pero tienen un significado profundo. En esto, el trabajo de Terteryan se hace eco del arte de artistas como A. Tarkovsky y S. Parajanov. ¿De qué tratan tus sinfonías? los oyentes preguntan a Terteryan. “Sobre todo”, responde el compositor, dejando que todos entiendan su contenido.

Las sinfonías de Terterian se interpretan en los festivales de música internacionales más prestigiosos: en Zagreb, donde se lleva a cabo una revisión de la música contemporánea cada primavera, en el “Otoño de Varsovia”, en Berlín Occidental. También suenan en nuestro país: en Ereván, Moscú, Leningrado, Tbilisi, Minsk, Tallin, Novosibirsk, Saratov, Tashkent… Para un director, la música de Terteryan abre la oportunidad de utilizar ampliamente su potencial creativo como músico. El ejecutante aquí parece estar incluido en la coautoría. Un detalle interesante: las sinfonías, dependiendo de la interpretación, de la capacidad, como dice el compositor, de “escuchar el sonido”, pueden durar diferentes tiempos. Su Cuarta Sinfonía sonó tanto en 22 como en 30 minutos, la Séptima, ¡y en 27 y 38! Una colaboración tan activa y creativa con el compositor incluyó a D. Khanjyan, un maravilloso intérprete de sus primeras 4 sinfonías. G. Rozhdestvensky, en cuya brillante interpretación sonaron la Cuarta y la Quinta, A. Lazarev, en cuya interpretación suena impresionante la Sexta Sinfonía, escrita para orquesta de cámara, coro de cámara y 9 fonogramas con una grabación de una gran orquesta sinfónica, clavecines y campana campanadas

La música de Terteryan también invita al oyente a la complicidad. Su objetivo principal es unir los esfuerzos espirituales tanto del compositor, el intérprete y el oyente en una incansable y difícil cognición de la vida.

M. Rukhkyan