Evgeny Gedeonovich Mogilevsky |

Evgeny Mogilevsky

Evgeny Gedeonovich Mogilevsky es de una familia musical. Sus padres eran profesores en el Conservatorio de Odessa. La madre, Serafima Leonidovna, que una vez estudió con GG Neuhaus, desde el principio se encargó por completo de la educación musical de su hijo. Bajo su supervisión, él se sentó al piano por primera vez (esto fue en 1952, las lecciones se impartían dentro de los muros de la famosa escuela Stolyarsky) y ella, a la edad de 18 años, se graduó de esta escuela. “Se cree que no es fácil para los padres que son músicos enseñar a sus hijos y que los niños estudien bajo la supervisión de sus familiares”, dice Mogilevsky. “Quizás esto es así. Solo que no lo sentí. Cuando llegaba a la clase de mi madre o cuando trabajábamos en casa, había un profesor y un alumno uno al lado del otro, y nada más. Mamá buscaba constantemente algo nuevo: técnicas, métodos de enseñanza. Siempre estuve interesado en ella…”

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Desde 1963 Mogilevsky en Moscú. Durante algún tiempo, lamentablemente breve, estudió con GG Neuhaus; tras su muerte, con SG Neuhaus y, finalmente, con YI Zak. “De Yakov Izrailevich aprendí mucho de lo que me faltaba en ese momento. Hablando en la forma más general, disciplinó mi naturaleza interpretativa. En consecuencia, mi juego. La comunicación con él, aunque en algunos momentos no me resultó fácil, fue de gran beneficio. No dejé de estudiar con Yakov Izrailevich incluso después de graduarme, permaneciendo en su clase como asistente.

Desde la infancia, Mogilevsky se acostumbró al escenario: a la edad de nueve años tocó frente a una audiencia por primera vez, a los once actuó con una orquesta. El comienzo de su carrera artística recordaba biografías similares de niños prodigio, afortunadamente, solo el comienzo. Los geeks suelen ser “suficientes” por poco tiempo, por varios años; Mogilevsky, por el contrario, hizo más y más progresos cada año. Y cuando tenía diecinueve años, su fama en los círculos musicales se hizo universal. Esto sucedió en 1964, en Bruselas, en el Concurso Reina Isabel.

Recibió el primer premio en Bruselas. La victoria se obtuvo en una competencia que durante mucho tiempo ha sido considerada una de las más difíciles: en la capital de Bélgica, por una razón aleatoria, puedes no tomar lugar del premio; no puedes tomarlo por accidente. Entre los competidores de Mogilevsky había bastantes pianistas excelentemente entrenados, incluidos varios maestros de clase excepcionalmente alta. Es poco probable que se hubiera convertido en el primero si las competiciones se llevaran a cabo de acuerdo con la fórmula "cuya técnica es mejor". Todo esta vez decidió lo contrario – el encanto de su talento.

Ya. I. Zak dijo una vez sobre Mogilevsky que hay "mucho encanto personal" en su juego. (Zak Ya. En Bruselas // Sov. Music. 1964. No. 9. P. 72.). GG Neuhaus, incluso conociendo al joven por un corto tiempo, logró notar que era “extremadamente guapo, tiene un gran encanto humano, en armonía con su arte natural”. (Neigauz GG Reflexiones de un miembro del jurado // Neugauz GG Reflexiones, memorias, diarios. Artículos seleccionados. Cartas a los padres. Pág. 115.). Tanto Zach como Neuhaus hablaron esencialmente sobre lo mismo, aunque con palabras diferentes. Ambos significaban que si el encanto es una cualidad preciosa incluso en la comunicación simple y "cotidiana" entre las personas, entonces qué importante es para un artista: alguien que sube al escenario y se comunica con cientos, miles de personas. Ambos vieron que Mogilevsky estaba dotado de este feliz (¡y raro!) regalo desde su nacimiento. Este "encanto personal", como lo expresó Zach, trajo el éxito de Mogilevsky en sus actuaciones de la primera infancia; más tarde decidió su destino artístico en Bruselas. Todavía atrae a la gente a sus conciertos hasta el día de hoy.

(Anteriormente, más de una vez se dijo sobre lo general que une el concierto y las escenas teatrales. "¿Conoces a esos actores que solo tienen que aparecer en el escenario, y el público ya los ama?", escribió KS Stanislavsky. " ¿Para qué?. Por esa esquiva propiedad que llamamos encanto. Este es el inexplicable atractivo de todo el ser de un actor, en el que hasta los defectos se convierten en virtudes…” (Stanislavsky KS Trabajar sobre uno mismo en el proceso creativo de la encarnación // Obras completas – M., 1955. T. 3. S. 234.))

El encanto de Mogilevsky como concertista, si dejamos de lado lo “evasivo” e “inexplicable”, ya está en la forma misma de su entonación: suave, cariñosamente insinuante; las entonaciones-quejas, entonaciones-suspiros, “notas” de tiernos pedidos, oraciones del pianista son especialmente expresivas. Los ejemplos incluyen la interpretación de Mogilevsky del comienzo de la Cuarta balada de Chopin, un tema lírico del Tercer movimiento de la Fantasía en do mayor de Schumann, que también se encuentra entre sus éxitos; uno puede recordar mucho en la Segunda Sonata y el Tercer Concierto de Rachmaninov, en las obras de Tchaikovsky, Scriabin y otros autores. Su voz de piano también es encantadora: dulce, a veces encantadoramente lánguida, como la de un tenor lírico en una ópera, una voz que parece envolver con felicidad, calidez, colores de timbre fragantes. (A veces, algo emocionalmente sensual, fragante, de color especiado, parece estar en los bocetos sonoros de Mogilevsky, ¿no es este su encanto especial?)

Finalmente, también es atractivo el estilo interpretativo del artista, la forma en que se comporta frente a la gente: sus apariciones en el escenario, poses durante el juego, gestos. En él, en toda su apariencia detrás del instrumento, hay tanto una delicadeza interior como una buena crianza, lo que provoca una disposición involuntaria hacia él. Mogilevsky en sus clavirabends no solo es agradable de escuchar, es agradable mirarlo.

El artista es especialmente bueno en el repertorio romántico. Durante mucho tiempo ha ganado reconocimiento por sí mismo en obras como la Kreisleriana y la novela en fa sostenido menor de Schumann, la sonata en si menor de Liszt, estudios y sonetos de Petrarca, Fantasía y fuga sobre los temas de la ópera de Liszt El profeta: Busoni, improvisado y "Momentos musicales" de Schubert. ”, sonatas y el Segundo Concierto para piano de Chopin. Es en esta música donde más se nota su impacto en el público, su magnetismo escénico, su magnífica capacidad de infectar sus experiencias de los demás. Sucede que pasa algún tiempo después del siguiente encuentro con un pianista y te pones a pensar: ¿no había en sus declaraciones escénicas más brillo que profundidad? ¿Más encanto sensual que lo que se entiende en la música como filosofía, introspección espiritual, inmersión en uno mismo? .. Solo es curioso que se me ocurran todas estas consideraciones luegocuando Mogilevsky conchatar jugar.

Es más difícil para él con los clásicos. Mogilevsky, en cuanto le hablaron antes sobre este tema, solía responder que Bach, Scarlatti, Hynd, Mozart no eran “sus” autores. (En los últimos años, sin embargo, la situación ha cambiado un poco, pero hablaremos de eso más adelante.) Estas son, obviamente, las peculiaridades de la "psicología" creativa del pianista: es más fácil para él abrir en la música posterior a Beethoven. Sin embargo, también importa otra cosa: las propiedades individuales de su técnica de interpretación.

La conclusión es que en Mogilevsky siempre se manifestó desde el lado más ventajoso precisamente en el repertorio romántico. Para la decoratividad pictórica, el “color” domina en él sobre el dibujo, una mancha colorida – sobre un trazo gráficamente preciso, un trazo sonoro grueso – sobre un trazo seco, sin pedal. Lo grande tiene prioridad sobre lo pequeño, el “general” poético, sobre lo particular, el detalle, el detalle de joyería.

Ocurre que en la interpretación de Mogilevsky se puede sentir cierta falta de definición, por ejemplo, en su interpretación de los preludios, estudios, etc. de Chopin. Los contornos sonoros del pianista parecen a veces ligeramente borrosos (La noche de Gaspar de Ravel, las miniaturas de Scriabin, las Imágenes de Debussy). ”, “Cuadros de una exposición »Mussorgsky, etc.) – tal como se puede ver en los bocetos de los artistas impresionistas. Sin duda, en la música de cierto tipo -que, ante todo, que nació de un impulso romántico espontáneo- esta técnica es a la vez atractiva y eficaz a su manera. Pero no en los clásicos, no en las construcciones sonoras claras y transparentes del siglo XIX.

Mogilevsky no deja de trabajar hoy en "terminar" sus habilidades. Esto también lo sienten esa interpreta – a qué autores y obras se refiere – y por lo tanto, as él mira ahora en el escenario del concierto. Es sintomático que varias de las sonatas de Haydn y los conciertos para piano re-aprendidos de Mozart aparecieran en sus programas de mediados y finales de los ochenta; entró en estos programas y estableció firmemente en ellos obras como "Elegy" y "Tambourine" de Rameau-Godowsky, "Giga" de Lully-Godowsky. Y además. Las composiciones de Beethoven comenzaron a sonar cada vez más a menudo en sus veladas: conciertos para piano (los cinco), 33 variaciones del vals de Diabelli, Veintinueve, Treinta y dos y algunas otras sonatas, Fantasía para piano, coro y orquesta, etc. Por supuesto, da a conocer la atracción por los clásicos que viene con los años a todo músico serio. Pero no solo. El deseo constante de Evgeny Gedeonovich de mejorar, mejorar la "tecnología" de su juego también tiene un efecto. Y los clásicos en este caso son indispensables…

“Hoy me enfrento a problemas a los que no presté suficiente atención en mi juventud”, dice Mogilevsky. Conociendo en términos generales la biografía creativa del pianista, no es difícil adivinar qué se esconde detrás de estas palabras. El caso es que él, una persona generosamente dotada, tocaba el instrumento desde niño sin mucho esfuerzo; tenía sus lados positivo y negativo. Negativo, porque hay logros en el arte que adquieren valor solo como resultado de la obstinada superación del artista de la “resistencia del material”. Tchaikovsky dijo que la suerte creativa a menudo tiene que ser "resolvida". Lo mismo, por supuesto, en la profesión de músico intérprete.

Mogilevsky necesita mejorar su técnica de interpretación, logrando mayor sutileza en la decoración externa, refinamiento en el desarrollo de los detalles, no solo para acceder a algunas obras maestras de los clásicos: Scarlatti, Haydn o Mozart. Esto también lo exige la música que suele interpretar. Incluso si interpreta, es cierto, con mucho éxito, como, por ejemplo, la sonata en Mi menor de Medtner, o la sonata de Bartok (1926), el Primer Concierto de Liszt o el Segundo de Prokofiev. El pianista sabe, y hoy mejor que nunca, que quien quiera elevarse por encima del nivel de "bueno" o incluso "muy bueno" está obligado en estos días a tener habilidades de ejecución impecables y filigranas. Eso es justo lo que sólo puede ser “torturado”.

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En 1987, tuvo lugar un evento interesante en la vida de Mogilevsky. Fue invitado como miembro del jurado en el Concurso Queen Elizabeth en Bruselas, el mismo donde una vez, hace 27 años, ganó la medalla de oro. Recordó mucho, pensó mucho cuando estaba en la mesa de un miembro del jurado, y en el camino que había recorrido desde 1964, en lo que se había hecho, logrado durante este tiempo y en lo que aún no se había hecho. no se ha implementado en la medida que le gustaría. Tales pensamientos, a veces difíciles de formular y generalizar con precisión, son siempre importantes para las personas de trabajo creativo: traen inquietud y ansiedad al alma, son como ímpetus que las animan a seguir adelante.

En Bruselas, Mogilevsky escuchó a muchos jóvenes pianistas de todo el mundo. Así recibió, según dice, una idea de algunas de las tendencias características de la interpretación pianística moderna. En particular, le pareció que la línea antirromántica ahora domina cada vez más claramente.

A finales de la década de XNUMX, hubo otros eventos y reuniones artísticas interesantes para Mogilev; hubo muchas impresiones musicales brillantes que de alguna manera lo influenciaron, lo emocionaron, dejaron un rastro en su memoria. Por ejemplo, no se cansa de compartir pensamientos entusiastas inspirados en los conciertos de Evgeny Kissin. Y se puede entender: en el arte, a veces un adulto puede dibujar, aprender de un niño no menos que un niño de un adulto. Kissin generalmente impresiona a Mogilevsky. Quizá sienta en él algo afín a él mismo –en todo caso, si tenemos en cuenta la época en que él mismo inició su carrera escénica. A Yevgeny Gedeonovich también le gusta la forma de tocar del joven pianista porque va en contra de la “tendencia antirromántica” que notó en Bruselas.

…Mogilevsky es un concertista activo. Siempre ha sido querido por el público, desde sus primeros pasos sobre los escenarios. Lo amamos por su talento que, a pesar de todos los cambios de tendencias, estilos, gustos y modas, ha sido y seguirá siendo el valor “número uno” en el arte. Todo se puede lograr, lograr, “extorsionar” menos el derecho a llamarse Talento. (“Puedes enseñar a sumar metros, pero no puedes aprender a sumar metáforas”, dijo una vez Aristóteles). Mogilevsky, sin embargo, no duda de este derecho.

G. Tsipin