¿Cómo superar las dificultades técnicas al tocar el piano? Útil para estudiantes de escuelas y colegios de música.

Sucede que una formación técnica insuficiente no permite al pianista tocar lo que quiere. Por ello, es necesario realizar ejercicios para desarrollar la técnica todos los días, al menos durante media hora. Sólo entonces se resuelve y logra todo lo complejo, y aparece la libertad técnica, que permite olvidarse de las dificultades y dedicarse por completo a la encarnación de la imagen musical.

En este artículo hablaremos sobre varios métodos efectivos para superar las dificultades técnicas. Primero, la idea clave. Es esto: todo lo complejo consiste en algo simple. ¡Y no es ningún secreto! La característica principal de todos los métodos que se le presentarán será trabajar para dividir lugares complejos en elementos simples, trabajar con estos elementos por separado y luego conectar cosas simples en un todo. ¡Espero que no estés confundido!

Entonces, ¿de qué métodos de trabajo técnico en el piano hablaremos? Acerca de. Ahora sobre todo de forma coherente y detallada. No vamos a discutirlo, aquí todo está claro: tocar las partes de la mano derecha e izquierda por separado es vital.

Método de parada

Un ejercicio de “parada” de opción múltiple consiste en dividir un pasaje en varias partes (incluso dos). Solo necesita dividirlo no al azar, sino para que cada parte por separado sea fácil de tocar. Por lo general, el punto de división es la nota en la que se coloca el dedo índice o el lugar donde es necesario mover seriamente la mano (esto se llama cambio de posición).

Se toca un número determinado de notas a un ritmo rápido, luego nos detenemos para controlar nuestros movimientos y preparar la siguiente “carrera”. La parada en sí libera la mano tanto como sea posible y le da tiempo para concentrarse en preparación para el siguiente paso.

A veces las paradas se eligen según el patrón rítmico de la pieza musical (por ejemplo, cada cuatro semicorcheas). En este caso, después de trabajar en fragmentos individuales, se pueden pegar, es decir, conectar para detenerse el doble de veces (ya no después de 4 notas, sino después de 8).

A veces las paradas se realizan por otros motivos. Por ejemplo, una parada controlada delante del dedo "problemático". Digamos que algún anular o segundo dedo no toca claramente sus notas en un pasaje, entonces lo resaltamos especialmente, nos detenemos frente a él y hacemos su preparación: un swing, un “auftakt”, o simplemente ensayamos (es decir , repetirlo) varias veces (“¡juega ya, qué perro!”).

Durante las clases se requiere extrema compostura: hay que imaginar mentalmente al grupo (anticiparse internamente) para no perderse ninguna parada. En este caso, la mano debe estar libre y la producción de sonido debe ser suave, clara y ligera. El ejercicio puede ser variado, contribuye a la rápida asimilación del texto y la digitación. Los movimientos se automatizan, aparece la libertad y el virtuosismo en la interpretación.

Al atravesar un pasaje, es importante no apretar la mano, golpear o deslizar superficialmente las teclas. Cada parada debe realizarse al menos 5 veces (esto llevará mucho tiempo, pero dará el resultado deseado).

Tocar escalas en todas las tonalidades y tipos.

Las escalas se aprenden en pares: menores y mayores paralelas y se tocan en cualquier tempo en octava, tercera, sexta y decimal. Junto a las escalas se estudian arpegios cortos y largos, notas dobles y acordes de séptima con inversiones.

Te contamos un secreto: ¡las escalas lo son todo para un pianista! Aquí tienes fluidez, aquí tienes fuerza, aquí tienes resistencia, claridad, uniformidad y muchas otras características útiles. Me encanta trabajar con escalas; es realmente divertido. Imagina que es un masaje para tus dedos. Pero los amas, ¿verdad? Juega una escala de todos los tipos todos los días y ¡todo irá genial! El énfasis está en las claves en las que están escritas las obras actualmente en el programa.

Las manos no deben estar juntas al tocar escalas (nunca deben estar juntas), el sonido es fuerte (pero musical) y la sincronización es perfecta. Los hombros no están levantados, los codos no están presionados contra el cuerpo (estas son señales de tensión y errores técnicos).

Al tocar arpegios, no debes permitir movimientos corporales "extra". El hecho es que estos mismos movimientos del cuerpo reemplazan los verdaderos y necesarios movimientos de las manos. ¿Por qué mueven su cuerpo? Porque intentan moverse por el teclado, desde la octava pequeña hasta la cuarta, con los codos pegados al cuerpo. ¡Eso no es bueno! No es el cuerpo el que necesita moverse, son los brazos los que necesitan moverse. Al tocar un arpegio, el movimiento de su mano debe parecerse al movimiento de un violinista en el momento en que mueve suavemente el arco (solo la trayectoria de la mano del violinista es diagonal, y su trayectoria será horizontal, por lo que probablemente sea mejor mirar estos movimientos incluso entre los no violinistas y entre los violonchelistas).

Ritmo creciente y decreciente

¡Quien sabe pensar rápido puede jugar rápido! Esta es la simple verdad y la clave de esta habilidad. Si desea tocar una pieza virtuosa compleja a un ritmo rápido sin ningún "accidente", entonces necesita aprender a tocarla incluso más rápido de lo necesario, manteniendo el fraseo, el pedaleo, la dinámica y todo lo demás. El objetivo principal de utilizar este método es aprender a controlar el proceso de juego a un ritmo rápido.

Puede tocar toda la pieza a un tempo más alto, o puede trabajar solo en pasajes complejos individuales de la misma manera. Sin embargo, hay una condición y una regla. La armonía y el orden deben reinar en la “cocina” de tus estudios. Es inaceptable jugar sólo rápido o sólo lentamente. La regla es esta: no importa cuántas veces toquemos una pieza rápidamente, ¡la tocamos lentamente la misma cantidad de veces!

Todos conocemos el juego lento, pero por alguna razón a veces lo descuidamos cuando nos parece que todo va tal como está. Recuerde: jugar lento es jugar inteligentemente. Y si no eres capaz de tocar a cámara lenta una pieza que has aprendido de memoria, ¡entonces no la has aprendido correctamente! Muchas tareas se resuelven a un ritmo lento: sincronización, pedaleo, entonación, digitación, control y audición. Elige una dirección y síguela en cámara lenta.

Intercambio entre manos

Si en la mano izquierda (por ejemplo) hay un patrón técnicamente inconveniente, es recomendable tocarlo una octava más alta que la derecha, para poder concentrar la atención en esta frase. Otra opción es cambiar completamente de manos (pero esto no es adecuado para todas las piezas). Es decir, la parte de la mano derecha se aprende con la izquierda y viceversa – la digitación, por supuesto, cambia. El ejercicio es muy difícil y requiere mucha paciencia. Como resultado, no sólo se destruye la “insuficiencia” técnica, sino que también surge la diferenciación auditiva: el oído separa casi automáticamente la melodía del acompañamiento, evitando que se opriman entre sí.

Método de acumulación

Ya hemos dicho algunas palabras sobre el método de acumulación cuando hablamos del juego con paradas. Consiste en que el pasaje no se toca todo de una vez, sino gradualmente: primero 2 o 3 notas, luego se van añadiendo el resto una por una hasta que todo el pasaje se toca con las manos separadas y juntas. La digitación, dinámica y trazos son estrictamente iguales (del autor o del editor).

Por cierto, puedes acumular no solo desde el principio del pasaje, sino también desde el final. En general, es útil estudiar los finales de los pasajes por separado. Bueno, si has trabajado en un lugar difícil usando el método de acumulación de izquierda a derecha y de derecha a izquierda, entonces no flaquearás, incluso si quieres flaquear.