Julio Massenet |

Jules Massenet

Massenet. Elegía (F. Chaliapin / 1931)

Nunca M. Massenet mostró tan bien como en “Werther” las cualidades encantadoras del talento que lo convirtió en un historiador musical del alma femenina. C.Debussy

Oh, ¿cómo náuseas Massenet!!! Y lo más molesto de todo es que en este náusea Siento algo relacionado conmigo. P. Chaikovski

Debussy me sorprendió defendiendo esta confección (la Manon de Massenet). I. Stravinski

Cada músico francés tiene un poco de Massenet en su corazón, al igual que cada italiano tiene un poco de Verdi y Puccini. F. Poulenc

¡Diferentes opiniones de los contemporáneos! Contienen no sólo una lucha de gustos y aspiraciones, sino también la ambigüedad de la obra de J. Massenet. La principal ventaja de su música está en las melodías, que, según el compositor A. Bruno, “reconocerás entre miles”. La mayoría de las veces están estrechamente relacionados con la palabra, de ahí su extraordinaria flexibilidad y expresividad. La línea entre la melodía y el recitativo es casi imperceptible y, por lo tanto, las escenas de ópera de Massenet no se dividen en números cerrados y episodios de "servicio" que los conectan, como ocurría con sus predecesores, el cap. Gounod, A. Thomas, F. Halevi. Los requisitos de la acción transversal, el realismo musical eran los requisitos reales de la época. Massenet los encarnó de una manera muy francesa, resucitando en muchos sentidos tradiciones que se remontan a JB Lully. Sin embargo, la recitación de Massenet no se basa en la recitación solemne y ligeramente pomposa de los actores trágicos, sino en el discurso cotidiano sin arte de una persona sencilla. Esta es la principal fuerza y ​​originalidad de las letras de Massenet, esta es también la razón de sus fracasos cuando recurrió a la tragedia de tipo clásico ("The Sid" según P. Corneille). Letrista nato, cantante de movimientos íntimos del alma, capaz de dar una poesía especial a las imágenes femeninas, asume a menudo las tramas trágicas y pomposas de la “gran” ópera. No le basta el teatro de la Opera Comique, también debe reinar en la Grand Opera, para la que realiza esfuerzos casi meyerbeerianos. Entonces, en un concierto de la música de varios compositores, Massenet, en secreto de sus colegas, agrega una gran banda de música a su partitura y, ensordeciendo a la audiencia, resulta ser el héroe del día. Massenet anticipa algunos de los logros de C. Debussy y M. Ravel (estilo recitativo en la ópera, realces de acordes, estilización de la música francesa antigua), pero, trabajando en paralelo con ellos, aún se mantiene dentro de la estética del siglo XIX.

La carrera musical de Massenet comenzó con su ingreso al conservatorio a la edad de diez años. Pronto la familia se muda a Chambéry, pero Jules no puede prescindir de París y se escapa de casa dos veces. Sólo el segundo intento tuvo éxito, pero el chico de catorce años conocía toda la vida inquieta de la bohemia artística descrita en Escenas… de A. Murger (a quien conocía personalmente, así como a los prototipos de Schoenard y Musetta). Habiendo superado años de pobreza, como resultado de un arduo trabajo, Massenet logra el Gran Premio de Roma, que le dio derecho a un viaje de cuatro años a Italia. Del extranjero regresa en 1866 con dos francos en el bolsillo y con una alumna de piano, que luego se convierte en su esposa. Otra biografía de Massenet es una cadena continua de éxitos cada vez mayores. En 1867, se representó su primera ópera, La tía abuela, un año después consiguió un editor permanente y sus suites orquestales fueron un éxito. Y luego Massenet creó obras cada vez más maduras y significativas: las óperas Don César de Bazán (1872), El rey de Lahore (1877), el oratorio-ópera María Magdalena (1873), música para las Erinias de C. Leconte de Lily (1873) con la famosa “Elegía”, cuya melodía apareció ya en 1866 como una de las Diez piezas para piano, la primera obra publicada de Massenet. En 1878, Massenet se convirtió en profesor en el Conservatorio de París y fue elegido miembro del Instituto de Francia. Está en el centro de la atención pública, disfruta del amor del público, es conocido por su eterna cortesía e ingenio. El pináculo del trabajo de Massenet son las óperas Manon (1883) y Werther (1886), y hasta el día de hoy suenan en los escenarios de muchos teatros de todo el mundo. Hasta el final de su vida, el compositor no detuvo su actividad creativa: sin dar descanso a sí mismo ni a sus oyentes, escribió ópera tras ópera. La habilidad crece, pero los tiempos cambian y su estilo permanece sin cambios. El don creativo decrece notablemente, sobre todo en la última década, aunque Massenet aún goza de respeto, honor y todas las bendiciones mundanas. Durante estos años se escribieron las óperas Thais (1894) con la célebre Meditación, El malabarista de Nuestra Señora (1902) y Don Quijote (1910, según J. Lorrain), creadas especialmente para F. Chaliapin.

Massenet es superficial, considerado su constante enemigo y rival K. Saint-Saens, “pero no importa”. “… El arte necesita artistas de todo tipo… Tenía encanto, la capacidad de encantar y un temperamento nervioso, aunque superficial… En teoría, no me gusta este tipo de música… Pero, ¿cómo puedes resistirte cuando escuchas a Manon a los pies? de de Grieux en la sacristía de Saint-Sulpice? ¿Cómo no dejarse atrapar hasta el fondo del alma por estos sollozos de amor? ¿Cómo pensar y analizar si te tocan?

E camisa

Hijo del dueño de una mina de hierro, Massenet recibe sus primeras lecciones musicales de su madre; en el Conservatorio de París estudió con Savard, Lauren, Bazin, Reber y Thomas. En 1863 fue galardonado con el Premio de Roma. Habiéndose dedicado a varios géneros, también trabaja diligentemente en el campo teatral. En 1878, tras el éxito de El rey de Lahore, fue nombrado profesor de composición del conservatorio, cargo que ocupó hasta 1896, cuando, habiendo alcanzado fama mundial, dejó todos los cargos, incluido el de director del Institut de France.

“Massenet se dio cuenta plenamente de sí mismo, y el que, queriendo pincharlo, habló en secreto de él como alumno del compositor de moda Paul Delmay, comenzó una broma de mal gusto. Massenet, por el contrario, fue muy imitado, es cierto… sus armonías son como abrazos, y sus melodías como cuellos encorvados… Parece que Massenet se convirtió en víctima de sus bellas oyentes, cuyas fans revoloteaban con entusiasmo durante mucho tiempo a su actuaciones… Lo confieso, no entiendo por qué es mejor gustar de las señoras mayores, amantes de Wagner y mujeres cosmopolitas, que señoritas perfumadas que no tocan muy bien el piano. Estas afirmaciones de Debussy, irónicamente aparte, son un buen indicio de la obra de Massenet y su importancia para la cultura francesa.

Cuando se creó Manon, otros compositores ya habían definido el carácter de la ópera francesa a lo largo del siglo. Considere Faust de Gounod (1859), Les Troyens inconclusa de Berlioz (1863), La mujer africana de Meyerbeer (1865), Mignon de Thomas (1866), Carmen de Bizet (1875), Samson and Delilah de Saint-Saens (1877), “The Tales de Hoffmann” de Offenbach (1881), “Lakme” de Delibes (1883). Además de la producción operística, son dignas de mención las obras más significativas de César Franck, escritas entre 1880 y 1886, que jugaron un papel tan importante en la creación de un ambiente sensual-místico en la música de fin de siglo. Al mismo tiempo, Lalo estudió cuidadosamente el folclore y Debussy, quien recibió el Premio Roma en 1884, estaba cerca de la formación final de su estilo.

En cuanto a otras formas de arte, el impresionismo en la pintura ya ha dejado de ser útil, y los artistas recurrieron a la representación de formas tanto naturalista como neoclásica, nueva y dramática, como Cezanne. Degas y Renoir se inclinaron más decididamente por una representación naturalista del cuerpo humano, mientras que Seurat expuso en 1883 su cuadro “Bañándose”, en el que la inmovilidad de las figuras marcaba un giro hacia una nueva estructura plástica, quizás simbolista, pero no obstante concreta y clara. . El simbolismo apenas empezaba a asomar en las primeras obras de Gauguin. La dirección naturalista (con rasgos de simbolismo sobre un fondo social), por el contrario, es muy clara en este momento en la literatura, especialmente en las novelas de Zola (en 1880 apareció Nana, una novela sobre la vida de una cortesana). En torno al escritor se forma un grupo que recurre a la imagen de una realidad más antiestética o cuanto menos insólita para la literatura: entre 1880 y 1881, Maupassant elige un burdel como escenario de sus relatos de la colección “La casa de Tellier”.

Todas estas ideas, intenciones y tendencias se pueden encontrar fácilmente en Manon, gracias a las cuales el compositor hizo su contribución al arte de la ópera. Este comienzo turbulento fue seguido por un largo servicio a la ópera, durante el cual no siempre se encontró material adecuado para revelar los méritos del compositor y no siempre se conservó la unidad del concepto creativo. Como consecuencia, se observan varios tipos de contradicciones a nivel de estilo. Al mismo tiempo, pasando del verismo a la decadencia, de un cuento de hadas a una historia histórica o exótica con un uso variado de partes vocales y una orquesta, Massenet nunca defraudó a su audiencia, aunque solo sea gracias a un material sonoro excelentemente elaborado. En cualquiera de sus óperas, aunque no hayan tenido éxito en su conjunto, hay una página memorable que vive una vida independiente fuera del contexto general. Todas estas circunstancias aseguraron el gran éxito de Massenet en el mercado discográfico. En definitiva, sus mejores ejemplos son aquellos en los que el compositor es fiel a sí mismo: lírico y apasionado, tierno y sensual, trasladando su asombro a las partes de los protagonistas más afines a él, amantes, cuyas características no son ajenas a la sofisticación. de soluciones sinfónicas, logradas con soltura y sin limitaciones colegiales.

G. Marchesi (traducido por E. Greceanii)

Autor de veinticinco óperas, tres ballets, suites orquestales populares (napolitana, alsaciana, escenas pintorescas) y muchas otras obras en todos los géneros del arte musical, Massenet es uno de esos compositores cuya vida no conoció pruebas serias. Un gran talento, un alto nivel de habilidad profesional y un sutil estilo artístico lo ayudaron a lograr el reconocimiento público a principios de los años 70.

Pronto descubrió lo que se adaptaba a su personalidad; habiendo elegido su tema, no tuvo miedo de repetirse; Escribió con facilidad, sin vacilación, y en aras del éxito estaba dispuesto a hacer un compromiso creativo con los gustos predominantes del público burgués.

Jules Massenet nació el 12 de mayo de 1842, de niño ingresó en el Conservatorio de París, donde se graduó en 1863. Después de permanecer como su laureado durante tres años en Italia, regresó en 1866 a París. Comienza una búsqueda persistente de caminos hacia la gloria. Massenet escribe tanto óperas como suites para orquesta. Pero su individualidad se manifestó más claramente en los juegos vocales ("Poema pastoral", "Poema de invierno", "Poema de abril", "Poema de octubre", "Poema de amor", "Poema de recuerdos"). Estas obras fueron escritas bajo la influencia de Schumann; perfilan el almacén característico del estilo vocal ariose de Massenet.

En 1873, finalmente gana reconocimiento, primero con la música para la tragedia de Esquilo “Erinnia” (traducida libremente por Leconte de Lisle), y luego con el “drama sagrado” “María Magdalena”, interpretada en concierto. Con sentidas palabras, Bizet felicitó a Massenet por su éxito: “Nuestra nueva escuela nunca ha creado nada como esto. ¡Me pusiste febril, villano! Oh, tú, un músico fornido… ¡Maldita sea, me estás molestando con algo! ..». “Debemos prestar atención a este tipo”, escribió Bizet a uno de sus amigos. “Mira, nos conectará al cinturón”.

Bizet previó el futuro: pronto él mismo puso fin a una vida corta, y Massenet en las próximas décadas ocupó una posición de liderazgo entre los músicos franceses contemporáneos. Los años 70 y 80 fueron los años más brillantes y fructíferos de su obra.

“María Magdalena”, que abre este período, tiene un carácter más cercano a una ópera que a un oratorio, y la heroína, una pecadora penitente que creía en Cristo, que aparecía en la música del compositor como una parisina moderna, estaba pintada con los mismos colores. como la cortesana Manon. En esta obra se determinó el círculo de imágenes y medios de expresión predilecto de Massenet.

Comenzando con el hijo de Dumas y luego con los Goncourt, una galería de tipos femeninos, elegantes y nerviosos, impresionables y frágiles, sensibles e impulsivos, se establecieron en la literatura francesa. A menudo se trata de seductoras pecadoras arrepentidas, “damas del medio mundo”, que sueñan con el confort de un hogar familiar, con una felicidad idílica, pero rotas en la lucha contra la hipócrita realidad burguesa, obligadas a renunciar a los sueños, de un ser amado, de vida … (Este es el contenido de las novelas y obras de teatro de Dumas hijo: La dama de las camelias (novela – 1848, puesta en escena – 1852), Diana de Liz (1853), La dama del medio mundo (1855); véase también el novelas de los hermanos Goncourt ”Rene Mauprin” (1864), Daudet “Sappho” (1884) y otros.) Sin embargo, independientemente de las tramas, épocas y países (reales o ficticios), Massenet representó a una mujer de su círculo burgués, caracterizó con sensibilidad su mundo interior.

Los contemporáneos llamaron a Massenet “la poeta del alma femenina”.

Siguiendo a Gounod, quien ejerció una fuerte influencia sobre él, Massenet puede, con mayor razón aún, ubicarse entre la “escuela de la sensibilidad nerviosa”. Pero a diferencia del mismo Gounod, que utilizó en sus mejores obras colores más ricos y variados que creaban un fondo objetivo para la vida (especialmente en Fausto), Massenet es más refinado, elegíaco, más subjetivo. Está más cerca de la imagen de la suavidad femenina, la gracia, la gracia sensual. De acuerdo con esto, Massenet desarrolló un estilo ariose individual, declamatorio en su núcleo, que transmite sutilmente el contenido del texto, pero las "explosiones" emocionales de sentimientos muy melodiosos e inesperadamente emergentes se distinguen por frases de amplia respiración melódica:

La parte orquestal también se distingue por la sutileza del acabado. A menudo es en él donde se desarrolla el principio melódico, que contribuye a la unificación de la parte vocal intermitente, delicada y frágil:

Una manera similar pronto será típica de las óperas de los veristas italianos (Leoncavallo, Puccini); sólo sus explosiones de sentimientos son más temperamentales y apasionadas. En Francia, esta interpretación de la parte vocal fue adoptada por muchos compositores de finales del siglo XIX y principios del XX.

Pero volvamos a los años 70.

El reconocimiento ganado inesperadamente inspiró a Massenet. Sus obras a menudo se interpretan en conciertos (Escenas pintorescas, la Obertura de Fedra, la Tercera suite orquestal, la Víspera del drama sagrado y otras), y la Gran Ópera presenta la ópera King Lagorsky (1877, de la vida india; la lucha religiosa sirve como telón de fondo). ). Nuevamente un gran éxito: Massenet fue coronado con los laureles de un académico: a la edad de treinta y seis años se convirtió en miembro del Instituto de Francia y pronto fue invitado como profesor en el conservatorio.

Sin embargo, en “King of Lagorsk”, así como en “Esclarmonde” (1889), escrito más tarde, todavía hay mucho de la rutina de la “gran ópera”, este género tradicional del teatro musical francés que ha agotado sus posibilidades artísticas durante mucho tiempo. Massenet se encontró plenamente en sus mejores obras: "Manon" (1881-1884) y "Werther" (1886, estrenada en Viena en 1892).

Entonces, a la edad de cuarenta y cinco años, Massenet logró la fama deseada. Pero, continuando trabajando con la misma intensidad, durante los siguientes veinticinco años de su vida, no sólo amplió sus horizontes ideológicos y artísticos, sino que aplicó los efectos teatrales y los medios de expresión que había desarrollado previamente a diversas tramas operísticas. Y a pesar de que los estrenos de estas obras estuvieron decorados con pompa constante, la mayoría de ellas son merecidamente olvidadas. Las siguientes cuatro óperas son, sin embargo, de indudable interés: “Thais” (1894, se utiliza el argumento de la novela de A. France), que, en cuanto a la sutileza del patrón melódico, se acerca a “Manon”; “Navarreca” (1894) y “Safo” (1897), que reflejan influencias verísticas (la última ópera fue escrita a partir de la novela de A. Daudet, la trama cercana a “La dama de las camelias” de Dumas hijo, y por lo tanto la de Verdi “ La Traviata”; en “Safo” muchas páginas de música emocionante y veraz); “Don Quijote” (1910), donde Chaliapin sorprendió al público en el papel principal.

Massenet murió el 13 de agosto de 1912.

Durante dieciocho años (1878-1896) enseñó una clase de composición en el Conservatorio de París, educando a muchos estudiantes. Entre ellos se encontraban los compositores Alfred Bruno, Gustave Charpentier, Florent Schmitt, Charles Kouklin, el clásico de la música rumana, George Enescu, y otros que luego ganaron fama en Francia. Pero incluso aquellos que no estudiaron con Massenet (por ejemplo, Debussy) fueron influenciados por su estilo vocal nerviosamente sensible, flexible en expresividad, ariose-declamatorio.

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La integridad de la expresión lírico-dramática, la sinceridad, la veracidad en la transmisión de sentimientos estremecedores: estos son los méritos de las óperas de Massenet, más claramente revelados en Werther y Manon. Sin embargo, el compositor a menudo carecía de la fuerza masculina para transmitir las pasiones de la vida, las situaciones dramáticas, el contenido de los conflictos, y luego algo de sofisticación, a veces dulzura de salón, irrumpió en su música.

Estos son signos sintomáticos de la crisis del género efímero de la “ópera lírica” francesa, que tomó forma en los años 60 y en los 70 absorbió intensamente nuevas tendencias progresistas provenientes de la literatura, la pintura y el teatro modernos. Sin embargo, ya entonces se revelaron en él los rasgos de limitación, que se mencionaron más arriba (en el ensayo dedicado a Gounod).

El genio de Bizet superó los estrechos límites de la “ópera lírica”. Dramatizando y ampliando el contenido de sus primeras composiciones musicales y teatrales, reflejando con mayor veracidad y profundidad las contradicciones de la realidad, alcanzó las cumbres del realismo en Carmen.

Pero la cultura operística francesa no se quedó en este nivel, porque sus maestros más destacados de las últimas décadas del siglo 60 no tenían la adhesión intransigente a los principios de Bizet al afirmar sus ideales artísticos. Desde fines de la década de 1877, debido al fortalecimiento de los rasgos reaccionarios en la cosmovisión, Gounod, luego de la creación de Fausto, Mireil y Romeo y Julieta, se apartó de las tradiciones nacionales progresistas. Saint-Saens, por su parte, no mostró la debida constancia en sus búsquedas creativas, fue ecléctico, y sólo en Sansón y Dalila (1883) logró un éxito significativo, aunque no total. En cierta medida, algunos logros en el campo de la ópera también fueron unilaterales: Delibes (Lakme, 1880), Lalo (Rey de la ciudad de Is, 1886), Chabrier (Gwendoline, XNUMX). Todas estas obras encarnaron diferentes tramas, pero en su interpretación musical, las influencias tanto de las óperas "grandes" como de las "líricas" se cruzaron en un grado u otro.

Massenet también probó suerte en ambos géneros, y trató en vano de actualizar el estilo obsoleto de la “gran ópera” con letras directas, inteligibilidad de los medios de expresión. Le atrajo sobre todo lo que Gounod fijó en Fausto, que sirvió a Massenet como modelo artístico inaccesible.

Sin embargo, la vida social de Francia después de la Comuna de París planteó nuevas tareas para los compositores: era necesario revelar más claramente los conflictos reales de la realidad. Bizet logró capturarlos en Carmen, pero Massenet lo evadió. Se encerró en el género de la ópera lírica y acotó aún más su temática. Como artista principal, el autor de Manon y Werther, por supuesto, reflejó parcialmente en sus obras las experiencias y pensamientos de sus contemporáneos. Esto afectó especialmente al desarrollo de medios de expresividad para el habla musical nerviosamente sensible, más acorde con el espíritu de la modernidad; sus logros son significativos tanto en la construcción de las escenas líricas "a través" de la ópera, como en la sutil interpretación psicológica de la orquesta.

Para los años 90, este género favorito de Massenet se había agotado. La influencia del verismo operístico italiano comienza a sentirse (incluso en la obra del propio Massenet). Hoy en día, los temas modernos se afirman más activamente en el teatro musical francés. Indicativas en este sentido son las óperas de Alfred Bruno (El sueño basada en la novela de Zola, 1891; El asedio del molino basada en Maupassant, 1893, y otras), que no carecen de rasgos de naturalismo, y en especial la ópera Louise de Charpentier. (1900), en el que, en muchos aspectos, una representación exitosa, aunque algo vaga, insuficientemente dramática, de las imágenes de la vida parisina moderna.

La puesta en escena de Pelléas et Mélisande de Claude Debussy en 1902 abre un nuevo período en la cultura musical y teatral de Francia: el impresionismo se convierte en la tendencia estilística dominante.

Druskin

Composiciones

Óperas (total 25) A excepción de las óperas “Manon” y “Werther”, solo se dan entre paréntesis las fechas de los estrenos. “Abuela”, libreto de Adeny y Granvallet (1867) “Ful King's Cup”, libreto de Galle y Blo (1867) “Don Cesar de Bazan”, libreto de d'Ennery, Dumanois y Chantepie (1872) “Rey de Lahore” , libreto de Galle (1877) Herodias, libreto de Millet, Gremont y Zamadini (1881) Manon, libreto de Méliac y Gilles (1881-1884) “Werther”, libreto de Blo, Mille y Gartmann (1886, estreno — 1892) “ The Sid”, libreto de d'Ennery, Blo y Galle (1885) «Ésclarmonde”, libreto de Blo y Gremont (1889) The Magician, libreto de Richpin (1891) “Thais”, libreto de Galle (1894) “Portrait of Manon”, libreto de Boyer (1894) “Navarreca”, libreto de Clarty y Ken (1894) Safo, libreto de Kena y Berneda (1897) Cenicienta, libreto de Ken (1899) Griselda, libreto de Sylvester y Moran (1901) “ The Juggler of Our Lady”, libreto de Len (1902) Cherub, libreto de Croisset y Ken (1905) Ariana, libreto de Mendes (1906) Teresa, libreto de Clarty (1907) “Vakh” (1910) Don Quijote, libreto b y Ken (1910) Rome, libreto de Ken (1912) “Amadis” (póstumamente) “Cleopatra”, libreto de Payen (póstumamente)

Otras obras musical-teatrales y cantatas-oratorias Música para la tragedia de Esquilo “Erinnia” (1873) “María Magdalena”, drama sagrado Halle (1873) Eva, un drama sagrado Halle (1875) Narciso, antiguo idilio de Collin (1878) “La Virgen Inmaculada”, la leyenda sagrada de Grandmougins (1880) “Carillón”, mímica y leyenda de la danza (1892) “Tierra Prometida”, oratorio (1900) Libélula, ballet (1904) “España”, ballet (1908)

obras sinfónicas Pompeya, suite para orquesta (1866) Primera suite para orquesta (1867) “Escenas húngaras” (Segunda suite para orquesta) (1871) “Escenas pintorescas” (1871) Tercera suite para orquesta (1873) Obertura “Fedra” (1874) “ Escenas dramáticas según Shakespeare” (1875) “Escenas napolitanas” (1882) “Escenas alsacianas” (1882) “Escenas encantadoras” (1883) y otras

Además, hay muchas composiciones diferentes para piano, unos 200 romances (“Canciones íntimas”, “Poema pastoral”, “Poema de invierno”, “Poema de amor”, “Poema de los recuerdos” y otros), obras para instrumentos de cámara. conjuntos

escritos literarios Mis recuerdos (1912)