Música de teatro |

música de teatro — música para representaciones en dramas. el teatro, en síntesis con otros tipos de arte-va participando en el escenario. encarnación del drama. La música puede ser proporcionada por el dramaturgo, y entonces, por regla general, está motivada por la trama y no va más allá de los géneros cotidianos (señales, fanfarrias, canciones, marchas, bailes). Musas. los episodios que se introducen en la interpretación a petición del director y del compositor suelen tener un carácter más generalizado y es posible que no tengan una motivación argumental directa. T m es un dramaturgo activo. un factor de gran significado semántico y formativo; ella es capaz de crear una atmósfera emocional, enfatiza DOS. la idea de la obra (por ejemplo, la Sinfonía victoriosa de Beethoven en la música del drama Egmont de Goethe, la música del Réquiem de Mozart en Mozart y Salieri de Pushkin), especificar el tiempo y el lugar de la acción, caracterizar al personaje, influir el tempo y el ritmo de la actuación, destacan los principales. culminación, para dar unidad a la ejecución con la ayuda de la entonación. desarrollo y conferencias magistrales. Según la función del dramaturgo, la música puede estar en armonía con lo que sucede en el escenario (fondo musical consonante) o contrastar con ello. Distingue la música, sacada del ámbito del escenario. acciones (obertura, intermedios, cabeceras) e intraescenario. La música puede estar escrita especialmente para la interpretación o compuesta de fragmentos de composiciones ya conocidas. La escala de los números es diferente, de fragmentos a varios. ciclos o otd. complejos sonoros (los llamados acentos) hasta grandes sinfonías. episodios T m entra en una relación compleja con la dramaturgia de la obra y la dirección: el compositor debe adecuar sus intenciones al género de la obra, al estilo del autor, a la época en que se desarrolla la acción ya la intención del director.

La historia de T. m. se remonta a los tipos de teatro más antiguos, heredados de las religiones. acciones rituales de sus sintéticos. carácter. En el antiguo y antiguo oriente. drama unido palabra, música, danza en pie de igualdad. En otro griego. tragedia que surgió del ditirambo, musas. la base era el coro. canto al unísono acompañado de instrumentos: entrará. canto del coro (parod), centro. canciones (estasima), concluye. coro (eksod), coros que acompañan bailes (emmeley), lírica. diálogo-queja del actor y el coro (kommos). Clásico en la India. el teatro fue precedido por el drama musical. tipos de camas teatro. representaciones: lila (drama de música y danza), katakali (pantomima), yakshagana (combinación de danza, diálogo, recitación, canto), etc. Más tarde ind. el teatro ha mantenido la música y la danza. naturaleza. En la historia del teatro de ballenas el papel protagónico también pertenece a las musas-teatrales mixtas. representaciones; una síntesis de música y teatro se lleva a cabo de manera peculiar en uno de los teatros de referencia. géneros de la Edad Media – zaju. En zaju, la acción se concentraba en torno a un personaje, que interpretaba varios personajes en cada acto. arias a melodías especiales canonizadas para una situación dada. Las arias de este tipo son momentos de generalización, concentración de emociones. voltaje En Japón, de los viejos tipos de teatro. destacan especialmente las representaciones bugaku (siglo VIII) – predv. actuaciones con música gagaku (ver música japonesa). También juega un papel importante la música en los teatros noh (del siglo XIV al XV), joruri (del siglo XVI) y kabuki (del siglo XVII). Ninguna obra se construye sobre una base declamatoria-melodiosa con una pronunciación prolongada del texto en una voz específica. sello. El coro comenta la acción, dialoga, narra, acompaña el baile. La introducción son canciones de andanzas (miyuki), en la culminación se realiza una danza para la contemplación (yugen). En joruri – japonés antiguo. teatro de marionetas – el cantor-narrador acompaña la pantomima con un canto, en el espíritu de nar. Cuento épico narrado con acompañamiento de shamisen. En el teatro kabuki, también se canta el texto y la actuación está acompañada por una orquesta nar. herramientas. La música directamente relacionada con la actuación se llama “degatari” en kabuki y se interpreta en el escenario; los efectos de sonido (genza ongaku) ​​representan simbólicamente los sonidos y los fenómenos de la naturaleza (los golpes de los tambores transmiten el sonido de la lluvia o el chapoteo del agua, un cierto golpe indica que ha nevado, un golpe en tableros especiales significa la aparición de la luna, etc.), y los músicos – ejecutantes se colocan detrás de una pantalla de palos de bambú. Al principio y al final de la obra, suena un gran tambor (música ceremonial), cuando se sube y se baja el telón, se toca el tablero "ki", se toca música especial en el momento del "seriage": el escenario. se sube al escenario. La música juega un papel importante en el kabuki. acompañamiento de pantomima (dammari) y danza.

En la Edad Media. Borrar. Europa, donde está el teatro. el legado de la antigüedad fue relegado al olvido, prof. se desarrolló el drama. arreglo en línea con la demanda de la iglesia. En los siglos IX-XIII. en las iglesias católicas, el clero tocaba frente al altar lat. dramas litúrgicos; en los siglos XIV-XV. el drama litúrgico se convirtió en un misterio con diálogos hablados, realizado fuera del templo en el nacional. idiomas En un ambiente secular, la música sonaba durante el advenimiento. fiestas patronales, desfiles de disfraces, nar. representaciones. del prof. Música para la Edad Media secular. Las actuaciones han conservado “El juego de Robin y Marion” de Adam de la Halle, en el que se alternan pequeños números de canciones (virele, baladas, rondó), wok. diálogos, bailes con instr. escolta.

En el Renacimiento, de Europa occidental. el arte volvió a las tradiciones de la antigüedad. teatro; La tragedia, la comedia, la pastoral florecieron en el nuevo suelo. Por lo general, se escenificaban con magníficas musas. interludios alegóricos. y mitológico. contenido, compuesto por wok. números en estilo madrigal y bailes (Obra de Chintio “Orbecchi” con música de A. della Viola, 1541; “Trojanki” de Dolce con música de C. Merulo, 1566; “Edipo” de Giustiniani con música de A. Gabrieli, 1585 ;“Aminta” de Tasso con música de C. Monteverdi, 1628). Durante este período, la música (recitativos, arias, danzas) sonaba a menudo durante el advenimiento. mascaradas, procesiones festivas (por ejemplo, en italiano Canti, Trionfi). En el siglo XVI a base de polígonos. Surgió un estilo madrigal sintético especial. género: comedia madrigal.

El inglés se convirtió en una de las etapas más importantes en la historia de T. m. teatro siglo XVI Gracias a W. Shakespeare y sus contemporáneos: dramaturgos F. Beaumont y J. Fletcher – en inglés. el teatro de la era isabelina desarrolló tradiciones estables de las llamadas. música incidental – pequeñas musas enchufables. números, incluidos orgánicamente en el drama. Las obras de Shakespeare están repletas de comentarios del autor que prescriben la interpretación de canciones, baladas, bailes, procesiones, fanfarrias de saludo, señales de batalla, etc. Muchas músicas y episodios de sus tragedias interpretan la dramaturgia más importante. función (canciones de Ofelia y Desdémona, marchas fúnebres en Hamlet, Coriolano, Enrique VI, bailes en el baile de los Capuleto en Romeo y Julieta). Las producciones de esta época se caracterizan por una serie de representaciones teatrales musicales. efectos, incluida una selección especial de instrumentos según el escenario. situaciones: en los prólogos y epílogos sonaban fanfarrias cuando salían personajes de alto rango, cuando aparecían ángeles, fantasmas y otros seres sobrenaturales. fuerzas – trompetas, en escenas de batallas – un tambor, en escenas de pastores – un oboe, en escenas de amor – flautas, en escenas de caza – un cuerno, en procesiones fúnebres – trombón, lírica. las canciones iban acompañadas de un laúd. En el t-re "Globe", además de la música proporcionada por el autor, hubo introducciones, intermedios, a menudo el texto se pronunció sobre el fondo de la música (melodrama). La música tocada en las representaciones de Shakespeare durante la vida del autor no se ha conservado; conocido sólo por los ensayos en inglés. autores de la época de la Restauración (segunda mitad del siglo II). En este momento, lo heroico dominaba el teatro. teatro y máscara. Espectáculos en el género heroico. los dramas se llenaron de música; el texto verbal en realidad solo mantuvo unidas a las musas. materiales. La máscara que se originó en Inglaterra en contra. En el siglo XVII, durante la Reforma, pasó a ser teatro público, conservando un espectacular carácter de divertimento. En el siglo XVI, en el espíritu de la máscara, muchos fueron rehechos. Las obras de Shakespeare (“La Tempestad” con música de J. Banister y M. Locke, “La reina de las hadas” basada en “Sueño de una noche de verano” y “La tempestad” con música de G. Purcel). Un fenómeno sobresaliente en inglés. T. m. de esta época es obra de G. Purcell. La mayor parte de sus obras pertenecen al campo de T. m., sin embargo, muchos de ellos, debido a la independencia de las musas. la dramaturgia y la música de la más alta calidad se acercan a una ópera (La profetisa, La reina de las hadas, La tempestad y otras obras se llaman semi-óperas). Más tarde en suelo inglés formó un nuevo sintético. género – ópera balada. Sus creadores J. gay y j. Pepusch construyó la dramaturgia de su “Ópera de los mendigos” (17) sobre la alternancia de escenas conversacionales con canciones en Nar. espíritu. A Ingles. el drama también es dibujado por G. F.

En España, la etapa inicial de desarrollo de nat. El drama clásico está asociado con los géneros de las rappresentationes (actuaciones sagradas), así como con las églogas (idilio del pastor) y la farsa, una mezcla de teatro y musas. pinchar. con la interpretación de cantos, recitación de poesías, danzas, cuya tradición se continuó en las zarzuelas. Las actividades del mayor artista español están conectadas con el trabajo en estos géneros. poeta y comp. X. del Encina (1468-1529). En el 2do piso. Siglos XVI-XVII en los dramas de Lope de Vega y P. Calderón, se representaban coros y ballets divertidos.

En Francia, recitativos, coros, instr. M. Charpentier, JB Moreau y otros escribieron episodios de las tragedias clasicistas de J. Racine y P. Corneille. El trabajo conjunto de JB Molière y JB Lully, que crearon un género mixto: comedia-ballet ("Matrimonio involuntario", "Princesa de Elis", "Mr. de Pursonyak", "Georges Dandin", etc.). Los diálogos conversacionales se alternan aquí con recitativos, arias, danzas. salidas (entrées) en la tradición de los franceses. adv. ballet (ballet de cour) 1er piso. siglo 17

En el siglo XVIII en Francia, apareció el primer producto. en el género del melodrama – lírico. el escenario “Pigmalión” de Rousseau, realizado en 18 con música de O. Coignet; le siguieron los melodramas Ariadne auf Naxos (1770) y Pygmalion (1774) de Venda, Sofonisba de Nefe (1779), Semiramide de Mozart (1782; no conservado), Orpheus de Fomin (1778), Deaf and a Beggar (1791 ) y El misterio (1802) de Holcroft.

Hasta el 2do piso. Música del siglo XVIII para el teatro. las representaciones a menudo tenían solo la conexión más general con el contenido del drama y podían transferirse libremente de una representación a otra. El compositor y teórico alemán I. Scheibe en “Critischer Musicus” (18-1737), y luego G. Lessing en “Hamburg Dramaturgy” (40-1767) propusieron nuevos requisitos para el escenario. música. “La sinfonía inicial debe estar asociada con la obra en su conjunto, los intermedios con el final de la acción anterior y el comienzo de la siguiente…, la sinfonía final con el final de la obra… Hay que tener presente el carácter de el protagonista y la idea principal de la obra y guiarse por ellos al componer música” (I. Sheibe). “Dado que la orquesta en Nuestras obras de alguna manera reemplaza al antiguo coro, los conocedores han expresado durante mucho tiempo el deseo de que la naturaleza de la música… sea más consistente con el contenido de las obras, cada obra requiere un acompañamiento musical especial para sí misma” (G .Lessing). T m pronto apareció en el espíritu de nuevos requisitos, incluido el perteneciente a los clásicos vieneses: WA ​​Mozart (para el drama "Tamos, rey de Egipto" de Gebler, 69) y J. Haydn (para la obra "Alfred, o el Rey-patriota” Bicknell, 1779); Sin embargo, la música de L. Beethoven para Egmont de Goethe (1796) tuvo la mayor influencia en el futuro del teatro, que es un tipo de teatro que generalmente transmite el contenido de los momentos clave del drama. La importancia de las sinfonías a gran escala y de forma completa ha aumentado. episodios (obertura, intermedios, final), que podrían separarse de la representación y representarse al final. escenario (la música para "Egmont" también incluye "Canciones de Clerchen" de Goethe, melodramas "La muerte de Clerchen", "El sueño de Egmont").

T m Siglo 19. desarrollado en la dirección esbozada por Beethoven, pero en las condiciones de la estética del romanticismo. Entre los productos 1er piso. Música del siglo XIX de F. Schubert a “Rosamund” de G. von Chezy (19), de C. Weber a “Turandot” de Gozzi traducido por F. Schiller (1823) y “Preziosa” de Wolff (1809), de F Mendelssohn a “Ruy Blas” de Hugo, “Sueño de una noche de verano” de Shakespeare (1821), “Edipo en Colón” y “Atalia” de Racine (1843), R. Schumann a “Manfred” Byron (1845-1848) . Se asigna un papel especial a la música en el Fausto de Goethe. El autor prescribe un gran número de trabajos. e instr. salas – coros, cantos, bailes, marchas, música para la escena en la catedral y la Noche de Walpurgis, militar. música para la escena de la batalla. La mayoría de los medios. las obras musicales, cuya idea está asociada con el Fausto de Goethe, pertenecen a G. Berlioz ("Ocho escenas de? Fausto", 51, luego convertidas en el oratorio "La condena de Fausto"). Ejemplos vívidos de género doméstico nat. T m Siglo 1829. – “Peer Gynt” de Grieg (al drama de G. Ibsen, 19-1874) y “Arlesian” de Bizet (al drama de A. Daudet, 75).

A la vuelta de los siglos XIX-XX. en la aproximación a T. m. se esbozaron nuevas tendencias. Destacados directores de esta época (KS Stanislavsky, VE Meyerhold, G. Craig, O. Falkenberg, etc.) abandonaron la música de conc. tipo, exigió colores sonoros especiales, instrumentación no convencional, inclusión orgánica de musas. episodios de teatro El teatro de directores de esta época dio vida a un nuevo tipo de teatro. compositor, teniendo en cuenta no solo los detalles del drama, sino también las características de esta producción. En el siglo XX interactúan 19 tendencias acercando la música al drama; el primero de ellos se caracteriza por el fortalecimiento del papel de la música en el teatro. performance (experimentos de K. Orff, B. Brecht, numerosos autores de musicales), el segundo está relacionado con la teatralización de las musas. géneros (cantatas escénicas de Orff, La boda de Stravinsky, oratorios teatrales de A. Honegger, etc.). La búsqueda de nuevas formas de combinar música y drama a menudo conduce a la creación de síntesis especiales. géneros teatrales y musicales (“Historia de un soldado” de Stravinsky es “un cuento de hadas para ser leído, interpretado y bailado”, su “Edipo Rey” es una ópera-oratorio con un lector, “Chica inteligente” de Orff es un ópera con grandes escenas conversacionales), así como al renacimiento de viejas formas de síntesis. teatro: antiguo. tragedia ("Antígona" y "Edipo" de Orff con un intento de restaurar científicamente la manera de pronunciar el texto en el teatro griego antiguo), comedia madrigal ("Cuento" de Stravinsky, en parte "Catulli Carmina" de Orff), siglo. misterios (“La resurrección de Cristo” de Orff, “Juana de Arco en la hoguera” de Honegger), litúrgicos. dramas (las parábolas "La acción de la cueva", "El hijo pródigo", en parte "El río Carlew" de Britten). El género del melodrama continúa desarrollándose, combinando ballet, pantomima, canto coral y solista, melodeclamación (Salamena de Emmanuel, El nacimiento del mundo de Roussel, Amphion y Semiramide de Onegger, Perséfone de Stravinsky).

Muchos músicos destacados del siglo XX trabajan intensamente en el género de T. m .: en Francia, se trata de obras conjuntas. miembros de los “Seis” (el boceto “Los recién casados ​​de la Torre Eiffel”, 20, según el autor del texto J. Cocteau – “una combinación de tragedia antigua y números modernos de revistas de conciertos, coros y music hall”), otras representaciones colectivas (por ejemplo, “La reina Margot” Bourdet con música de J. Ibert, D. Millau, D. Lazarus, J. Auric, A. Roussel) y teatro. pinchar. Honegger (música para “Danza de la muerte” de C. Laronde, dramas bíblicos “Judith” y “King David”, “Antigone” de Sófocles, etc.); teatro en Alemania. La música de Orff (además de las obras mencionadas, la comedia satírica The Sly Ones, el texto es rítmico, acompañado de un conjunto de instrumentos de percusión; una obra sintética El sueño de una noche de verano de Shakespeare), así como la música en el teatro. por B. Brecht. Musas. el diseño de las actuaciones de Brecht es uno de los principales medios para crear el efecto de "alienación", diseñado para destruir la ilusión de la realidad de lo que está sucediendo en el escenario. Según el plan de Brecht, la música debería consistir en números de canciones de género ligero enfáticamente banales: zongs, baladas, coros, que tienen un carácter insertado, cuyo texto verbal expresa el pensamiento del autor de manera concentrada. Destacados colaboradores alemanes colaboraron con Brecht. músicos: P. Hindemith (An Instructive Play), C. Weil (The Threepenny Opera, Mahagonny Opera sketch), X. Eisler (Mother, Roundheads and Sharpheads, Galileo Galilei, Dreams Simone Machar” y otros), P. Dessau (“ Madre Coraje y sus hijos”, “El Buen Hombre de Sezuan”, etc.).

Entre otros autores de T. m. 19 – 1er piso. Siglo XX – J. Sibelius (“Rey de los cristianos” de Pablo, “Pelléas y Mélisande” de Maeterlinck, “La tempestad” de Shakespeare), K. Debussy (misterio G. D'Annunzio “El martirio de San Sebastián”) y R. Strauss (música para la obra de Molière “El comerciante en la nobleza” en libre adaptación teatral de G. von Hofmannsthal). En los años 20 – 50. Siglo XX O. Messiaen se volvió hacia el teatro (música para el drama "Edipo" para las olas de Martenot, 70), E. Carter (música para la tragedia de Sófocles "Philoctetes", "El mercader de Venecia" de Shakespeare), V. Lutoslavsky (“Macbeth” y “Las alegres comadres de Windsor” Shakespeare, “Sid” Corneille – S. Wyspiansky, “Bodas sangrientas” y “El zapatero maravilloso” F. García Lorca, etc.), autores de electrónica y concreto música, incluidos A. Coge ("Invierno y una voz sin persona » J. Tardieu), A. Thirier ("Scheherazade"), F. Arthuis ("Ruido alrededor de la personalidad que lucha contra J. Vautier"), etc.

Ruso T. m. tiene una larga historia. En la antigüedad, las escenas de diálogo interpretadas por bufones iban acompañadas de "canciones demoníacas", tocando el arpa, la domra y los cuernos. En Nar. el drama que surgió de las actuaciones de bufones ("Ataman", "Mavrukh", "Comedia sobre el zar Maximiliano", etc.), sonaba ruso. canción e instr. música. El género de la música ortodoxa se desarrolló en la iglesia. acciones litúrgicas – “Lavatorio de los pies”, “Acción del fogón”, etc. (siglo XV). En los siglos 15-17. riqueza del diseño de la música era diferente de los llamados. drama escolar (dramaturgos: S. Polotsky, F. Prokopovich, D. Rostovsky) con arias, coros en la iglesia. estilo, flauta secular, lamentos, instr. números. La Comedia Choromina (fundada en 18) tenía una gran orquesta con violines, violas, flautas, clarinetes, trompetas y un órgano. Desde la época de Pedro el Grande, las celebraciones se han extendido. representaciones teatrales (prólogos, cantatas) basadas en la alternancia de dramas. escenas, diálogos, monólogos con arias, coros, ballets. Los principales compositores rusos (OA Kozlovsky, VA Pashkevich) e italianos participaron en su diseño. Hasta el siglo XIX en Rusia no había división en ópera y drama. comparsas; en parte por esta razón durante continuará. tiempo aquí predominaron los géneros mixtos (ópera-ballet, vodevil, comedia coral, drama musical, drama “sobre música”, melodrama, etc.). Medio. papel en la historia rusa. T m jugó tragedias y dramas "en la música", lo que preparó en gran medida al ruso. la ópera clásica en el siglo 1672 En la música de OA Kozlovsky, EI Fomin, SI Davydov a las tragedias en la antigüedad. y mitológico. cuentos y ruso. dramas patrióticos de VA Ozerov, Ya. óperas del alto drama heroico del siglo XIX. problemas, se produjo la formación de grandes coros. e instr. formas (coros, oberturas, intermedios, ballets); en algunas representaciones se utilizaron formas operísticas como recitativo, aria, canción. Características rusas. nacional los estilos son especialmente vívidos en los coros (por ejemplo, en Natalya the Boyar's Daughter de SN Glinka con música de AN Titov); sim. episodios se unen estilísticamente a las tradiciones del clásico vienés. escuela y primer romanticismo.

En el 1er piso. Siglo XIX AN Verstovsky, que diseñó aprox. 19 AMD prod. (por ejemplo, música para los gitanos de Pushkin puesta en escena por VA Karatygin, 15, para Las bodas de Fígaro de Beaumarchais, 1832) y creó una serie de cantatas escenificadas en las tradiciones del siglo XVIII. (por ejemplo, “Un cantante en el campo de los guerreros rusos” con letra de VA Zhukovsky, 1829), AA Alyabyev (música para la interpretación mágicamente romántica de AA Shakhovsky basada en La tempestad de Shakespeare, 18; “Rusalka” de Pushkin, 1827 ; el melodrama "Prisionero del Cáucaso" basado en el texto del poema de Pushkin del mismo nombre, 1827), AE Varlamov (por ejemplo, música para Hamlet de Shakespeare, 1838). Pero sobre todo en el primer piso. La música del siglo XIX se seleccionó de productos ya conocidos. diferentes autores y se utilizó en actuaciones de forma limitada. Nuevo período en ruso. teatro en el siglo XIX abrió MI Glinka con música para el drama de NV Kukolnik "Prince Kholmsky", escrito poco después de "Ivan Susanin" (1828). En la obertura y los intermedios, el contenido figurativo de los principales momentos del drama, se desarrolla sinfónico. principios de post-Beethoven tm También hay 1837 pequeñas obras de Glinka para dramas. teatro – aria de un esclavo con coro para el drama “Moldavian Gypsy” de Bakhturin (1), orc. introducción y coro para “Tarantella” de Myatlev (19), coplas inglesas para la obra “Bought Shot” de Voikov (19).

Rus. T m 2 ° piso. Siglo XIX en gran medida relacionado con la dramaturgia de AN Ostrovsky. Conocedor y coleccionista de ruso. nar. canciones, Ostrovsky a menudo usaba la técnica de caracterización a través de una canción. Sus obras sonaban a ruso antiguo. cantos, cantos épicos, parábolas, romances pequeñoburgueses, cantos de fábricas y prisiones, y otros. – La música de PI Tchaikovsky para The Snow Maiden (19), creada para la representación del Teatro Bolshoi, en la que se combinarían ópera, ballet y teatro. comparsas Esto se debe a la abundancia de música. episodios y su riqueza de género, acercando la representación a la ópera (introducción, intervalos, episodio sinfónico para una escena en el bosque, coros, melodramas, canciones). La trama del "cuento de hadas de primavera" requería la participación de material de canciones populares (persistente, baile redondo, canciones de baile).

Las tradiciones de MI Glinka fueron continuadas por MA Balakirev en la música para El rey Lear de Shakespeare (1859-1861, obertura, intermedios, procesiones, canciones, melodramas), Tchaikovsky – para Hamlet de Shakespeare (1891) y otros. (La música de "Hamlet" contiene una obertura de programa generalizada en la tradición del sinfonismo lírico-dramático y 16 números: melodramas, canciones de Ofelia, el sepulturero, una marcha fúnebre, fanfarria).

De las obras de otros rusos. compositores del siglo XIX la balada de AS Dargomyzhsky de la música de “Catherine Howard” de Dumas père (19) y sus dos canciones de la música de “The Schism in England” de Calderón (1848), ed. números de la música de AN Serov a la "Muerte de Iván el Terrible" de AK Tolstoy (1866) y "Nero" de Gendre (1867), el coro del pueblo (escena en el templo) de MP Mussorgsky de la tragedia de Sófocles “Edipo Rey” (1869-1858), música de EF Napravnik para dramas. poema de AK Tolstoy “Tsar Boris” (61), música de Vas. S. Kalinnikov a la misma producción. Tolstoi (1898).

A la vuelta de los siglos XIX-XX. en T. m. ha habido una reforma profunda. KS Stanislavsky fue uno de los primeros en sugerir, en nombre de la integridad de la representación, que nos limitáramos únicamente a las musas indicadas por el dramaturgo. números, movió la orquesta detrás del escenario, exigió que el compositor “se acostumbrara” a la idea del director. La música para las primeras representaciones de este tipo perteneció a AS Arensky (intermedios, melodramas, coros de La tempestad de Shakespeare en Maly T-re, puesta en escena por AP Lensky, 19), AK Glazunov (La mascarada de Lermontov) en post de VE Meyerhold, 20, además de bailes, se utilizan pantomimas, el romance de Nina, los episodios sinfónicos de Glazunov, Waltz-Fantasy de Glinka y su romance The Venetian Night. Al principio. Siglo XX La muerte de Iván el Terrible de Tolstoi y La doncella de nieve de Ostrovsky con música de AT Grechaninov, Noche de Reyes de Shakespeare con música de AN Koreshchenko, Macbeth de Shakespeare y El cuento del pescador y el pez con música de NN Cherepnin. La unidad de la decisión del director y la música. actuaciones del Teatro de Arte de Moscú con música de IA Sats (música para "Drama of Life" de Hamsun y "Anatem" de Andreev, "The Blue Bird" de Maeterlinck, "Hamlet" de Shakespeare en post. Inglés dirigido por G. Craig, etc.) diferían en el diseño.

Si el Teatro de Arte de Moscú limitó el papel de la música en aras de la integridad de la actuación, entonces directores como A. Ya. Tairov, KA Mardzhanishvili, PP Komissarzhevsky, VE Meyerhold, EB Vakhtangov defendieron la idea del teatro sintético. Meyerhold consideró la partitura de la actuación del director como una composición construida de acuerdo con las leyes de la música. Creía que la música debía nacer de la interpretación y al mismo tiempo darle forma, buscaba el contrapunto. fusión de música y planes escénicos (involucrados DD Shostakovich, V. Ya. Shebalin y otros en el trabajo). En la producción de La muerte de Tentagil de Maeterlinck en el Studio Theatre de Povarskaya (1905, compuesta por IA Sats), Meyerhold trató de basar toda la actuación en la música; “Ay de la mente” (1928) basada en la obra “Ay del ingenio” de Griboedov, escenificó con música de JS Bach, WA ​​Mozart, L. Beethoven, J. Field, F. Schubert; en el puesto La música de la obra de teatro “Teacher Bubus” de AM Fayko (alrededor de 40 fp. de las obras de F. Chopin y F. Liszt) sonaba continuamente, como en el cine mudo.

La peculiaridad del diseño musical de una serie de actuaciones 20 – temprano. años 30 asociados con la naturaleza experimental de sus decisiones de dirección. Así, por ejemplo, en 1921, Tairov representó "Romeo y Julieta" de Shakespeare en el Kamerny T-re en forma de un "boceto trágico de amor" con bufonería grotesca, acentuada teatralidad, desplazando lo psicológico. experiencia; De acuerdo con esto, en la música de AN Aleksandrov para la actuación casi no había letra. línea, se impuso el ambiente de la comedia de máscaras. Dr. un ejemplo de este tipo es la música de Shostakovich para Hamlet de Shakespeare en T-re im. Evg. Vakhtangov en la publicación. NP Akimova (1932): el director transformó la obra “con fama de sombría y mística” en una alegre, jovial, optimista. la actuación, en la que prevalecía la parodia y lo grotesco, no había Fantasma (Akimov eliminó este personaje), y en lugar de la loca Ofelia había una Ofelia intoxicada. Shostakovich creó una partitura de más de 60 números, desde pequeños fragmentos intercalados en el texto hasta grandes sinfonías. episodios La mayoría son obras de parodia (cancán, galope de Ofelia y Polonio, tango argentino, vals filisteo), pero también hay algunas trágicas. episodios (“Pantomima Musical”, “Réquiem”, “Marcha Fúnebre”). En 1929-31, Shostakovich escribió música para varias representaciones de Leningrado. t-ra de la juventud trabajadora – “Shot” Bezymensky, “Rule, Britannia!” Piotrovsky, espectáculo de variedades y circo “Provisionally Murdered” de Voevodin y Ryss en Leningrado. music hall, por sugerencia de Meyerhold, a Bedbug de Mayakovsky, más tarde a La comedia humana de Balzac para T-ra im. Evg. Vakhtangov (1934), para la obra Salute, Spain! Afinogenov para Leningrado. t-ra im. Pushkin (1936). En la música de "El rey Lear" de Shakespeare (publicada por GM Kozintsev, Leningrad. Bolshoy drama. tr., 1941), Shostakovich se aparta de la parodia de los géneros cotidianos inherentes a sus primeras obras y revela en la música el significado filosófico de la tragedia en el espíritu de la problemática su símbolo. creatividad de estos años, crea una línea sinfónica transversal. desarrollo dentro de cada uno de los tres núcleos. esferas figurativas de la tragedia (Lear – Jester – Cordelia). Contrariamente a la tradición, Shostakovich terminó la actuación no con una marcha fúnebre, sino con el tema de Cordelia.

En los años 30. cuatro teatro. las partituras fueron creadas por SS Prokofiev – “Egyptian Nights” para la actuación de Tairov en el Teatro de Cámara (1935), “Hamlet” para el Theatre-Studio de SE Radlov en Leningrado (1938), “Eugene Onegin” y “Boris Godunov » Pushkin para la Cámara de Cámara (las dos últimas producciones no se realizaron). Música para "Noches egipcias" (una composición escénica basada en las tragedias "César y Cleopatra" de B. Shaw, "Antonio y Cleopatra" de Shakespeare y el poema "Noches egipcias" de Pushkin) incluye una introducción, intermedios, pantomimas, recitación con orquesta, bailes y cantos con coro. Al diseñar esta interpretación, el compositor utilizó dec. métodos sinfónicos. y dramaturgia operística: un sistema de leitmotivs, el principio de individualización y oposición de descomposición. esferas de entonación (Roma – Egipto, Antonio – Cleopatra). Durante muchos años colaboró ​​con el teatro Yu. A. Shaporín. En los años 20-30. en Leningrado se realizaron una gran cantidad de actuaciones con su música. t-rah (Gran Drama, t-re Académico del drama); los más interesantes son “Las bodas de Fígaro” de Beaumarchais (director y artista AN Benois, 1926), “Flea” de Zamyatin (después de NS Leskov; dir. HP Monakhov, artista BM Kustodiev, 1926), “Sir John Falstaff ” basado en “Las alegres comadres de Windsor” de Shakespeare (dir. NP Akimov, 1927), así como una serie de otras obras de Shakespeare, obras de Moliere, AS Pushkin, G. Ibsen, B. Shaw, búhos. dramaturgos KA Trenev, VN Bill-Belo-Tserkovsky. En los años 40. Shaporin escribió música para las actuaciones de Moscú. Pequeños oficios “Iván el Terrible” de AK Tolstoi (1944) y “La noche de Reyes” de Shakespeare (1945). Entre el teatro. obras de los años 30. gran sociedad La música de TN Khrennikov para la comedia de Shakespeare Mucho ruido y pocas nueces (1936) tuvo resonancia.

En el campo de T. m. hay muchos productos creado por AI Khachaturian; desarrollan las tradiciones de conc. sim. T m (alrededor de 20 representaciones; entre ellas, música para las obras de G. Sundukyan y A. Paronyan, Macbeth y King Lear de Shakespeare, Masquerade de Lermontov).

En representaciones basadas en las obras de los búhos. dramaturgos sobre temas de la modernidad. vida, así como en producciones de clásicos. las obras de teatro formaban un tipo especial de música. diseño, basado en el uso de búhos. masa, estr. canciones líricas y cómicas, cancioncillas ("The Cook" de Sofronov con música de VA Mokrousov, "The Long Road" de Arbuzov con música de VP Solovyov-Sedogo, "The Naked King" de Schwartz y "Twelfth Night" de Shakespeare con música por ES Kolmanovsky y otros); en algunas actuaciones, en particular en la composición de Mosk. t-ra drama y comedia en Taganka (dirigida por Yu. P. Lyubimov), incluyó canciones de la revolución. y años militares, canciones juveniles (“10 días que estremecieron al mundo”, “Los caídos y los vivos”, etc.). En una serie de producciones modernas gravitan notablemente hacia el musical, por ejemplo. en la obra Leningrado. t-ra im. Ayuntamiento de Leningrado (director IP Vladimirov) "La fierecilla domada" con música de GI Gladkov, donde los personajes interpretan estr. canciones (similares en función a las canciones en el teatro de B. Brecht), o The Chosen One of Fate dirigida por S. Yu. Yursky (compuesta por S. Rosenzweig). Sobre el papel activo de la música en la dramaturgia de la performance se acercan producciones de tipo sintético. Meyerhold Theatre ("Pugachev" con música de YM Butsko y especialmente "The Master and Margarita" de MA Bulgakov con música de EV Denisov en el Teatro de Drama y Comedia de Moscú en Taganka, director Yu. P. Lyubimov). Uno de los más significativos. obras – música de GV Sviridov para el drama de AK Tolstoy “Tsar Fyodor Ioannovich” (1973, Moscú. Maly Tr).

B años 70 20 c. en la región de T. m. много работали Yu. M. Butsko, VA Gavrilin, GI Gladkov, SA Gubaidulina, EV Denisov, KA Karaev, AP Petrov, NI Peiko, NN Sidelnikov, SM Slonimsky, ML Tariverdiev, AG Schnittke, RK Shchedrin, A. Ya. Eshpai et al.

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TB Baránova