Vladímir Vladímirovich Sofronitsky |

Vladímir Sofronitsky

Vladimir Vladimirovich Sofronitsky es una figura única a su manera. Si, digamos, el actor "X" es fácil de comparar con el actor "Y", para encontrar algo cercano, relacionado, que los lleve a un denominador común, entonces es casi imposible comparar a Sofronitsky con cualquiera de sus colegas. Como artista, es único y no se puede comparar.

Por otro lado, se encuentran fácilmente analogías que conectan su arte con el mundo de la poesía, la literatura y la pintura. Incluso durante la vida del pianista, sus creaciones interpretativas se asociaron con los poemas de Blok, los lienzos de Vrubel, los libros de Dostoievski y Green. Es curioso que algo similar sucediera en una época con la música de Debussy. Y no pudo encontrar análogos satisfactorios en los círculos de sus compañeros compositores; al mismo tiempo, la crítica musical contemporánea encuentra fácilmente estas analogías entre poetas (Baudelaire, Verlaine, Mallarmé), dramaturgos (Maeterlinck), pintores (Monet, Denis, Sisley y otros).

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Separarse en el arte de los hermanos en el taller creativo, a distancia de los que son similares en el rostro, es el privilegio de los artistas verdaderamente destacados. Sofronitsky indudablemente pertenecía a tales artistas.

Su biografía no fue rica en hechos destacables externos; no hubo sorpresas especiales en él, no hubo accidentes que repentina y abruptamente cambiaran el destino. Cuando miras el cronógrafo de su vida, una cosa te llama la atención: conciertos, conciertos, conciertos… Nació en San Petersburgo, en una familia inteligente. Su padre era físico; en el pedigrí puedes encontrar los nombres de científicos, poetas, artistas, músicos. Casi todas las biografías de Sofronitsky dicen que su tatarabuelo materno fue un destacado retratista de finales del siglo XIX y principios del siglo XIX, Vladimir Lukich Borovikovsky.

Desde los 5 años, el niño se sintió atraído por el mundo de los sonidos, por el piano. Como todos los niños verdaderamente superdotados, le encantaba fantasear con el teclado, tocar algo propio, captar melodías que escuchaba al azar. Mostró temprano un oído agudo, una memoria musical tenaz. Los familiares no tenían dudas de que debía enseñarse con seriedad y lo antes posible.

Desde los seis años, Vova Sofronitsky (su familia vive en Varsovia en ese momento) comienza a tomar lecciones de piano con Anna Vasilievna Lebedeva-Getsevich. Alumno de NG Rubinshtein, Lebedeva-Getsevich, como dicen, era un músico serio y bien informado. En sus estudios reinaba la mesura y el orden férreo; todo fue consistente con las últimas recomendaciones metodológicas; las asignaciones y las instrucciones se registraron cuidadosamente en los diarios de los estudiantes, su implementación se controló estrictamente. “El trabajo de cada dedo, cada músculo no escapó a su atención, y buscó persistentemente eliminar cualquier irregularidad dañina” (Sofronitsky VN De las memorias // Memorias de Sofronitsky. – M., 1970. P. 217)– escribe en sus memorias Vladimir Nikolayevich Sofronitsky, el padre del pianista. Aparentemente, las lecciones con Lebedeva-Getsevich le sirvieron a su hijo. El niño avanzaba rápido en sus estudios, estaba apegado a su maestra, y luego la recordó más de una vez con una palabra de agradecimiento.

… Pasó el tiempo. Siguiendo el consejo de Glazunov, en el otoño de 1910, Sofronitsky estuvo bajo la supervisión de un destacado especialista de Varsovia, profesor del Conservatorio Alexander Konstantinovich Mikhalovsky. En este momento, se interesó cada vez más en la vida musical que lo rodeaba. Asiste a veladas de piano, escucha a Rachmaninov, al joven Igumnov y al famoso pianista Vsevolod Buyukli, que estaban de gira por la ciudad. Un excelente intérprete de las obras de Scriabin, Buyukli tuvo una fuerte influencia en el joven Sofronitsky: cuando estaba en la casa de sus padres, a menudo se sentaba al piano, de buena gana y tocaba mucho.

Varios años pasados ​​con Mikhalovsky tuvieron el mejor efecto en el desarrollo de Safronitsky como artista. El propio Michalovsky fue un destacado pianista; un apasionado admirador de Chopin, aparecía con bastante frecuencia en el escenario de Varsovia con sus obras de teatro. Sofronitsky estudió no solo con un músico experimentado, un maestro eficiente, se le enseñó concertista, un hombre que conocía bien la escena y sus leyes. Eso era lo que importaba y era importante. Lebedeva-Getsevich le trajo beneficios indudables en su tiempo: como dicen, ella "metió la mano", sentó las bases de la excelencia profesional. Cerca de Mikhalovsky, Sofronitsky sintió por primera vez el emocionante aroma del escenario del concierto, captó su encanto único, que amó para siempre.

En 1914, la familia Sofronitsky regresó a San Petersburgo. El pianista de 13 años ingresa al conservatorio del famoso maestro de pedagogía del piano Leonid Vladimirovich Nikolaev. (Además de Sofronitsky, sus estudiantes en varios momentos incluyeron a M. Yudina, D. Shostakovich, P. Serebryakov, N. Perelman, V. Razumovskaya, S. Savshinsky y otros músicos conocidos). Sofronitsky todavía tuvo suerte de tener maestros. Con toda la diferencia de carácter y temperamento (Nikolaev era moderado, equilibrado, invariablemente lógico y Vova era apasionado y adicto), los contactos creativos con el profesor enriquecieron a su estudiante de muchas maneras.

Es interesante notar que Nikolaev, no demasiado extravagante en sus afectos, rápidamente tomó simpatía por el joven Sofronitsky. Se dice que a menudo recurría a amigos y conocidos: “Vengan a escuchar a un chico maravilloso… Me parece que este es un talento sobresaliente, y ya está jugando bien”. (Conservatorio de Leningrado en Memorias. – L., 1962. S. 273.).

De vez en cuando, Sofronitsky participa en conciertos estudiantiles y eventos benéficos. Se fijan en él, hablan con más insistencia y más alto de su gran y encantador talento. Ya no solo Nikolaev, sino también el más clarividente de los músicos de Petrogrado, y detrás de ellos algunos de los críticos, predicen un glorioso futuro artístico para él.

… Se termina el conservatorio (1921), comienza la vida de un concertista profesional. El nombre de Sofronitsky se puede encontrar cada vez más en los carteles de su ciudad natal; el público moscovita, tradicionalmente estricto y exigente, lo conoce y le da una calurosa bienvenida; se escucha en Odessa, Saratov, Tiflis, Bakú, Tashkent. Gradualmente, lo aprenden en casi todas partes de la URSS, donde se venera la música seria; se le pone a la par de los artistas más famosos de la época.

(Un toque curioso: Sofronitsky nunca participó en concursos de música y, según él mismo admitió, no le gustaban. Él ganó la gloria no en concursos, no en combate singular en algún lugar y con alguien; menos que nada se lo debe al caprichoso juego de azar, que sucede que uno será levantado unos pocos pasos, el otro relegado inmerecidamente a la sombra. Llegó al escenario como vino antes, en tiempos previos a la competencia: por actuaciones, y solo por ellos. , acreditando su derecho a la actividad concertística.)

En 1928 Sofronitsky se fue al extranjero. Con éxito son sus giras en Varsovia, París. Alrededor de un año y medio vive en la capital de Francia. Se reúne con poetas, artistas, músicos, se familiariza con el arte de Arthur Rubinstein, Gieseking, Horowitz, Paderewski, Landowska; busca el consejo de un maestro brillante y experto en pianismo, Nikolai Karlovich Medtner. París con su cultura milenaria, museos, vernissages, el tesoro más rico de la arquitectura le da al joven artista muchas impresiones vívidas, hace que su visión artística del mundo sea cada vez más nítida.

Después de separarse de Francia, Sofronitsky regresa a su tierra natal. Y de nuevo viajes, giras, grandes y poco conocidas escenas filarmónicas. Pronto comienza a enseñar (es invitado por el Conservatorio de Leningrado). La pedagogía no estaba destinada a convertirse en su pasión, vocación, el trabajo de su vida, como, por ejemplo, para Igumnov, Goldenweiser, Neuhaus o su maestro Nikolaev. Y sin embargo, por voluntad de las circunstancias, estuvo atado a ella hasta el final de sus días, sacrificó mucho tiempo, energía y fuerza.

Y luego llegaron el otoño y el invierno de 1941, una época de pruebas increíblemente difíciles para el pueblo de Leningrado y para Sofronitsky, que permaneció en la ciudad sitiada. Una vez, el 12 de diciembre, en los días más pesadillescos del bloqueo, tuvo lugar su concierto, uno insólito, grabado para siempre en la memoria de él y de muchos otros. Tocó en el Teatro Pushkin (antes Alexandrinsky) para la gente que defendía su Leningrado. “Hacía tres grados bajo cero en la sala Alexandrinka”, dijo Sofronitsky más tarde. “Los oyentes, los defensores de la ciudad, estaban sentados con abrigos de piel. Yo jugaba con guantes con las puntas de los dedos recortadas… ¡Pero cómo me escuchaban, cómo jugaba! Que preciosos son estos recuerdos… Sentí que los oyentes me entendían, que había encontrado el camino a sus corazones…” (Adzhemov KX Inolvidable. – M., 1972. S. 119.).

Sofronitsky pasa las últimas dos décadas de su vida en Moscú. En este momento, a menudo está enfermo, a veces no aparece en público durante meses. Cuanto más impacientes esperan sus conciertos; cada uno de ellos se convierte en un acontecimiento artístico. Tal vez incluso una palabra octubre no es el mejor cuando se trata de las actuaciones posteriores de Sofronitsky.

Estas actuaciones en un momento se llamaron de manera diferente: "hipnosis musical", "nirvana poética", "liturgia espiritual". De hecho, Sofronitsky no solo interpretó (bueno, excelentemente) este o aquel programa indicado en el cartel del concierto. Mientras tocaba música, parecía estar confesándose con la gente; Confesó con la mayor franqueza, sinceridad y, lo que es muy importante, entrega emocional. Sobre una de las canciones de Schubert – Liszt, mencionó: “Quiero llorar cuando toco esto”. En otra ocasión, después de haber presentado al público una interpretación verdaderamente inspirada de la sonata en si bemol menor de Chopin, admitió, yendo a la sala artística: “Si te preocupas así, entonces no la tocaré más de cien veces. .” Realmente revive la música que se está reproduciendo so, como lo experimentó en el piano, se dio a unos pocos. El público vio y entendió esto; aquí estaba la clave del inusualmente fuerte, “magnético”, como muchos aseguraron, el impacto del artista en la audiencia. De sus tardes, solía ser que salían en silencio, en un estado de autoprofundización concentrada, como si estuvieran en contacto con un secreto. (Heinrich Gustovovich Neuhaus, que conocía bien a Sofronitsky, dijo una vez que “el sello de algo extraordinario, a veces casi sobrenatural, misterioso, inexplicable y poderosamente atrayente siempre está en su juego…”)

Sí, y los propios pianistas ayer, los encuentros con el público también se producían a veces a su manera, especial. Sofronitsky amaba las habitaciones pequeñas y acogedoras, "su" audiencia. En los últimos años de su vida, tocó de buena gana en la Sala Pequeña del Conservatorio de Moscú, en la Casa de los Científicos y, con la mayor sinceridad, en la Casa-Museo de AN Scriabin, el compositor a quien idolatraba casi desde pequeño. edad temprana.

Es de destacar que en la obra de Sofronitsky nunca hubo un cliché (un cliché de juego deprimente, aburrido, que a veces devalúa las interpretaciones de maestros notorios); plantilla interpretativa, dureza de la forma, proveniente del superfuerte entrenamiento, del escrupuloso programa “hecho”, de la repetición frecuente de las mismas piezas en varios escenarios. Una plantilla en una interpretación musical, un pensamiento petrificado, eran las cosas más odiosas para él. “Es muy malo”, dijo, “cuando, después de los primeros compases tomados por un pianista en un concierto, ya te imaginas lo que sucederá después”. Por supuesto, Sofronitsky estudió sus programas durante mucho tiempo y con cuidado. Y él, por todo lo desbordante de su repertorio, tuvo ocasión de repetir en conciertos anteriormente tocados. Pero, ¡una cosa increíble! – nunca hubo un sello, no hubo sensación de “memorización” de lo que decían desde el escenario. porque el era creador en el verdadero y elevado sentido de la palabra. “…Es Sofronitsky ejecutor? VE Meyerhold exclamó en un momento. “¿Quién movería la lengua para decir esto?” (Diciendo la palabra ejecutor, Meyerhold, como puede suponer, significaba ejecutante; no quise decir musicales actuación, y el musical diligencia.) En efecto: ¿se puede nombrar a un contemporáneo y colega de un pianista, en quien la intensidad y la frecuencia del pulso creativo, la intensidad de la radiación creativa se sentiría en mayor medida que en él?

Sofronitsky siempre creado en el escenario del concierto. En la interpretación musical, como en el teatro, es posible presentar al público el resultado final de una obra bien ejecutada con anticipación (como, por ejemplo, toca el famoso pianista italiano Arturo Benedetti Michelangeli); uno puede, por el contrario, esculpir una imagen artística allí mismo, frente a la audiencia: “aquí, hoy, ahora”, como quería Stanislavsky. Para Sofronitsky, esto último era la ley. Los visitantes de sus conciertos no acudían al “día inaugural”, sino a una especie de taller creativo. Por regla general, la suerte de ayer como intérprete no le vino bien al músico que trabajaba en este taller – asi que ya estaba… Hay un tipo de artista que para avanzar necesita constantemente rechazar algo, dejar algo. Se dice que Picasso hizo unos 150 bocetos preliminares para sus famosos paneles "Guerra" y "Paz" y no utilizó ninguno de ellos en la última versión final de la obra, aunque muchos de estos bocetos y bocetos, según testigos competentes cuentas, fueron excelentes. Picasso orgánicamente no podía repetir, duplicar, hacer copias. Tuvo que buscar y crear cada minuto; a veces descartar lo que se encontró previamente; una y otra vez para resolver el problema. Decidir de alguna manera diferente a, digamos, ayer o anteayer. De lo contrario, la creatividad misma como proceso perdería su encanto, deleite espiritual y sabor específico para él. Algo similar sucedió con Sofronitsky. Podía tocar dos veces seguidas lo mismo (como le sucedió en su juventud, en una de las clavirabends, cuando pidió permiso al público para repetir la improvisación de Chopin, que no le satisfizo como intérprete) – la segunda” versión” es necesariamente algo diferente de la primera. Sofronitsky debería haber repetido después de Mahler el director: "Es inimaginablemente aburrido para mí conducir una obra por un camino trillado". Él, de hecho, más de una vez se expresó de esta manera, aunque con otras palabras. En una conversación con uno de sus familiares, de alguna manera soltó: “Siempre juego diferente, siempre diferente”.

Estos “desiguales” y “diferentes” aportaron un encanto único a su juego. Siempre adivinó algo desde la improvisación, la búsqueda creativa momentánea; antes ya se dijo que Sofronitsky subió al escenario Para crear – no recrear. En conversaciones, aseguró -más de una vez y con todo el derecho a hacerlo- que él, como intérprete, siempre tiene un “plan sólido” en la cabeza: “antes del concierto sé tocar hasta la última pausa. ” Pero luego agregó:

“Otra cosa es durante un concierto. Puede ser igual que en casa, o puede ser completamente diferente”. Como en casa - similares – No tenía…

Había en esto ventajas (enormes) y desventajas (presumiblemente inevitables). No hace falta demostrar que la improvisación es una cualidad tan preciosa como rara en la práctica actual de los intérpretes musicales. Improvisar, ceder a la intuición, realizar en el escenario un trabajo minuciosamente y durante mucho tiempo estudiado, salirse de la pista estriada en el momento más crucial, solo un artista con una imaginación rica, audacia y una imaginación creativa ardiente. puede hacer esto El único “pero”: no se puede, subordinando el juego “a la ley del momento, a la ley de este minuto, a un estado mental dado, a una experiencia dada…” – y fue en estas expresiones que GG Neuhaus describió La manera escénica de Sofronitsky: es imposible, al parecer, ser siempre el mismo feliz en sus hallazgos. Para ser honesto, Sofronitsky no pertenecía a pianistas iguales. La estabilidad no estaba entre sus virtudes como concertista. Percepciones poéticas de extraordinario poder alternaron con él, sucedió, con momentos de apatía, trance psicológico, desmagnetización interna. Los más brillantes éxitos artísticos, no, no, sí, intercalados con insultantes fracasos, alzas triunfales -con inesperados y desafortunados quiebres, alturas creativas- con “mesetas” que lo trastornan profunda y sinceramente…

Las personas cercanas al artista sabían que nunca era posible predecir con al menos cierta certeza si su próxima actuación sería exitosa o no. Como suele ser el caso de las naturalezas nerviosas, frágiles y fácilmente vulnerables (una vez dijo sobre sí mismo: "Vivo sin piel"), Sofronitsky estaba lejos de ser capaz de recuperarse antes de un concierto, concentrar su voluntad, superar un espasmo de la ansiedad, encontrar la paz de la mente. Indicativa en este sentido es la historia de su alumno IV Nikonovich: “Por la noche, una hora antes del concierto, a petición suya, a menudo lo llamaba en taxi. El camino de casa a la sala de conciertos solía ser muy difícil… Estaba prohibido hablar de música, del próximo concierto, por supuesto, de cosas prosaicas ajenas, de hacer todo tipo de preguntas. Estaba prohibido exaltarse demasiado o callar, distraer del ambiente previo al concierto o, por el contrario, centrar la atención en él. Su nerviosismo, magnetismo interior, impresionabilidad ansiosa, conflicto con los demás alcanzan su clímax en estos momentos. (Nikonovich IV Memorias de VV Sofronitsky // Memorias de Sofronitsky. S. 292.).

La emoción que atormentaba a casi todos los músicos de concierto agotó a Sofronitsky casi más que al resto. El sobreesfuerzo emocional fue por momentos tan grande que todos los primeros números del programa, e incluso toda la primera parte de la velada, pasaron, como él mismo dijo, “bajo el piano”. Sólo gradualmente, con dificultad, no llegó pronto la emancipación interior. Y entonces vino lo principal. Comenzaron los famosos "pases" de Sofronitsky. Comenzó aquello por lo que las multitudes acudían a los conciertos del pianista: el santo de los santos de la música se revelaba a la gente.

Casi todos sus oyentes sintieron el nerviosismo, la electrificación psicológica del arte de Sofronitsky. Los más perspicaces, sin embargo, adivinaron algo más en este arte: sus connotaciones trágicas. Esto es lo que lo distinguió de músicos que parecían estar cerca de él en sus aspiraciones poéticas, el almacén de una naturaleza creativa, el romanticismo de la cosmovisión, como Cortot, Neuhaus, Arthur Rubinstein; puesto por sí mismo, un lugar especial en el círculo de contemporáneos. La crítica musical, que analizó la forma de tocar de Sofronitsky, realmente no tuvo más remedio que volverse en busca de paralelismos y analogías con la literatura y la pintura: con los mundos artísticos confusos, inquietos, de colores crepusculares de Blok, Dostoievski, Vrubel.

Las personas que estuvieron al lado de Sofronitsky escriben sobre su eterno anhelo por los bordes dramáticamente afilados del ser. "Incluso en los momentos de la animación más alegre", recuerda AV Sofronitsky, el hijo de un pianista, "alguna arruga trágica no abandonó su rostro, nunca fue posible captar una expresión de completa satisfacción en él". María Yudina habló de su “aspecto doliente”, “inquietud vital…”. Ni que decir tiene que los complejos choques espirituales y psicológicos de Sofronitsky, hombre y artista, afectaron su juego, le dieron una impronta muy especial. A veces, este juego se volvió casi sangrante en su expresión. A veces la gente lloraba en los conciertos del pianista.

Ahora se trata principalmente de los últimos años de la vida de Sofronitsky. En su juventud, su arte fue diferente en muchos aspectos. La crítica escribió sobre "exaltaciones", sobre el "patotismo romántico" del joven músico, sobre sus "estados de éxtasis", sobre "la generosidad de los sentimientos, el lirismo penetrante" y cosas por el estilo. Así tocó las obras para piano de Scriabin y la música de Liszt (incluida la sonata en si menor, con la que se graduó en el conservatorio); en la misma vena emocional y psicológica, interpretó las obras de Mozart, Beethoven, Schubert, Schumann, Chopin, Mendelssohn, Brahms, Debussy, Tchaikovsky, Rachmaninov, Medtner, Prokofiev, Shostakovich y otros compositores. Aquí, probablemente, sería necesario estipular específicamente que todo lo que interpretó Sofronitsky no se puede enumerar: guardó cientos de obras en su memoria y en sus dedos, podría anunciar (lo que, por cierto, hizo) más de una docena de conciertos. programas, sin repetir en ninguno de ellos: su repertorio era verdaderamente ilimitado.

Con el tiempo, las revelaciones emocionales del pianista se vuelven más comedidas, la afectación da paso a la profundidad y capacidad de vivencias, que ya se ha dicho, y bastante. La imagen del difunto Sofronitsky, un artista que sobrevivió a la guerra, al terrible invierno de Leningrado del cuarenta y uno, a la pérdida de seres queridos, cristaliza en sus contornos. probablemente jugar socómo jugaba en sus años de decadencia, sólo era posible dejar atrás su camino de la vida. Hubo un caso en el que le dijo sin rodeos sobre esto a un estudiante que estaba tratando de representar algo en el piano en el espíritu de su maestro. Las personas que visitaron las orquestas de teclados del pianista en los años cuarenta y cincuenta probablemente nunca olvidarán su interpretación de la fantasía en do menor de Mozart, las canciones de Schubert-Liszt, la “Apassionata” de Beethoven, el Poema trágico y las últimas sonatas de Scriabin, las piezas de Chopin, Fa-Sharp- sonata menor, “Kreisleriana” y otras obras de Schumann. No se olvidará la orgullosa majestuosidad, casi monumentalismo de las construcciones sonoras de Sofronitsky; relieve escultórico y protuberancia de detalles pianísticos, líneas, contornos; “deklamato” extremadamente expresivo y aterrador. Y una cosa más: la lapidaridad cada vez más manifiesta del estilo de interpretación. “Empezó a tocar todo mucho más simple y estricto que antes”, señalaron músicos que conocían a fondo su estilo, “pero esta sencillez, laconismo y sabia objetividad me sorprendieron como nunca antes. Dio solo la esencia más desnuda, como un cierto concentrado final, un coágulo de sentimiento, pensamiento, voluntad... habiendo ganado la más alta libertad en formas inusualmente mezquinas, comprimidas, moderadamente intensas. (Nikonovich IV Memorias de VV Sofronitsky // Ed citado.)

El mismo Sofronitsky consideró el período de los años cincuenta como el más interesante y significativo de su biografía artística. Lo más probable es que fuera así. El arte del atardecer de otros artistas a veces se pinta en tonos completamente especiales, únicos en su expresividad: los tonos de la vida y el creativo "otoño dorado"; esos tonos que son como un reflejo son descartados por la iluminación espiritual, profundizando en uno mismo, psicologismo condensado. Con una emoción indescriptible, escuchamos las últimas obras de Beethoven, miramos los rostros afligidos de los ancianos y ancianas de Rembrandt, capturados por él poco antes de su muerte, y leemos los actos finales del Fausto de Goethe, la Resurrección de Tolstoi o Los hermanos Karamazov de Dostoievski. Le correspondió a la generación de oyentes soviéticos de la posguerra ponerse en contacto con las verdaderas obras maestras de las artes musicales y escénicas: las obras maestras de Sofronitsky. Su creador sigue en el corazón de miles de personas, recordando con agradecimiento y amor su maravilloso arte.

G. Tsipin