Música

Moysikn griego, de mousa - musa

Un tipo de arte que refleja la realidad y afecta a una persona a través de secuencias de sonido significativas y especialmente organizadas en altura y tiempo, que consisten principalmente en tonos (sonidos de cierta altura, ver Sonido musical). Al expresar los pensamientos y emociones de una persona en forma audible, M. sirve como un medio de comunicación entre las personas e influye en su psique. La posibilidad de esto se deriva de la conexión física y biológicamente condicionada de las manifestaciones sonoras de una persona (así como de muchos otros seres vivos) con su mental. vida (especialmente emocional) y de la actividad del sonido como irritante y señal de acción. En varios aspectos, M. es similar al habla, más precisamente, a la entonación del habla, donde ext. el estado de una persona y su actitud emocional hacia el mundo se expresan a través de cambios en el tono y otras características del sonido de la voz durante la emisión. Esta analogía nos permite hablar de la naturaleza entonacional de M. (ver Entonación). Al mismo tiempo, M. difiere significativamente del habla, principalmente por las cualidades inherentes a él como arte. Entre ellas: la mediación del reflejo de la realidad, las funciones utilitarias facultativas, el papel más importante de la estética. funciones, art. el valor tanto del contenido como de la forma (la naturaleza individual de las imágenes y su realización, la manifestación de la creatividad, el talento artístico general y específicamente musical del autor o intérprete, etc.). En comparación con el medio universal de comunicación sonora humana: el habla, la especificidad de M. también se manifiesta en la imposibilidad de expresar sin ambigüedades conceptos específicos, en el estricto ordenamiento del tono y las relaciones temporales (rítmicas) de los sonidos (debido al tono fijo y duración de cada uno de ellos), lo que aumenta considerablemente su expresividad emocional y estética.

Siendo “el arte del significado entonado” (BV Asafiev), la música realmente existe y funciona en la sociedad solo en el sonido en vivo, en la interpretación. En una serie de artes, M. se une, en primer lugar, a las no pictóricas (poesía lírica, arquitectura, etc.), es decir, para las cuales no es necesario reproducir la estructura material de objetos específicos y, en segundo lugar, a temporal unos (danza, literatura, teatro, cine), es decir, tales, a-centeno se despliegan en el tiempo, y, en tercer lugar, a la interpretación (la misma danza, teatro, cine), es decir, requieren intermediarios entre la creatividad y la percepción. Al mismo tiempo, tanto el contenido como la forma del arte son específicos en relación con otros tipos de arte.

El contenido de M. está constituido por imágenes artístico-entonativas, es decir, plasmadas en sonidos significativos (entonaciones), resultado de la reflexión, la transformación y la estética. evaluación de la realidad objetiva en la mente de un músico (compositor, intérprete).

El papel dominante en el contenido de M. lo juegan los “arts. emociones” – seleccionadas de acuerdo con las posibilidades y objetivos de la afirmación, despejadas de momentos aleatorios y estados y procesos emocionales significativos. Su lugar principal en la música. el contenido está predeterminado por el sonido (entonación) y la naturaleza temporal de M., lo que le permite, por un lado, contar con miles de años de experiencia en revelar externamente las emociones de las personas y transferirlas a otros miembros de la sociedad, principalmente y cap. arreglo a través de los sonidos, y por otro lado, expresar adecuadamente la experiencia como un movimiento, un proceso con todos sus cambios y matices, dinámico. subidas y bajadas, transiciones mutuas de emociones y sus colisiones.

Desde dic. tipos de emociones M. sobre todo tienden a encarnar estados de ánimo: los estados emocionales de una persona, no dirigidos, a diferencia de los sentimientos, a algo específico. sujeto (aunque causado por razones objetivas): diversión, tristeza, alegría, abatimiento, ternura, confianza, ansiedad, etc. M. también refleja ampliamente los aspectos emocionales de las cualidades intelectuales y volitivas de una persona (y los procesos correspondientes): consideración , determinación, energía, inercia, impulsividad, moderación, perseverancia, falta de voluntad, seriedad, frivolidad, etc. Esto le permite a M. revelar no solo lo psicológico. estados de las personas, sino también sus caracteres. En la expresión de emociones más concreta (pero no traducida al lenguaje de las palabras), muy sutil y "contagiosa", M. no conoce igual. Es en esta capacidad que se basa su definición generalizada como el "lenguaje del alma" (AN Serov).

En la música El contenido también incluye “Artes. pensamientos” seleccionados, como las emociones, y estrechamente relacionado con estas últimas, “sentido”. Al mismo tiempo, por sus propios medios, sin la ayuda de palabras, etc. vnemuz. factores, M. no puede expresar todo tipo de pensamientos. No se caracteriza por mensajes de pensamiento extremadamente concretos que sean fácilmente accesibles para la expresión en palabras, que contengan información sobre cualquier hecho, y extremadamente abstractos, que no causen asociaciones emocionales y visual-figurativas. Sin embargo, M. es bastante accesible a tales pensamientos-generalizaciones, a centeno expresado en conceptos relacionados con la dinámica. lado de lo social y mental. fenómenos, a las cualidades morales, rasgos de carácter y estados emocionales de una persona y sociedad. En pura instr. Las obras de los grandes compositores de diferentes épocas plasmaron profunda y vívidamente sus ideas sobre la armonía o desarmonía del mundo, la estabilidad o inestabilidad de las relaciones sociales en una sociedad dada, la integridad o fragmentación de las sociedades. y la conciencia personal, el poder o la impotencia de una persona, etc. La dramaturgia musical, es decir, la comparación, la colisión y el desarrollo de imágenes musicales, juega un papel muy importante en la incorporación de generalizaciones de pensamientos abstractos. Las mayores oportunidades para expresar ideas generalizadoras significativas de las musas propiamente dichas. significa da el sinfonismo como dialéctico. desarrollo de un sistema de imágenes, que lleva a la formación de una nueva cualidad.

En un esfuerzo por ampliar el alcance del mundo de las ideas filosóficas y sociales, los compositores a menudo recurren a la síntesis de la música con la palabra como portadora de un contenido conceptual específico (vok. y program instr. M., ver Program music), así como con música escénica. acción. Gracias a la síntesis con la palabra, la acción y otros factores no musicales, se amplían las posibilidades de la música. En él se forman nuevos tipos de musas. imágenes, a-centeno constantemente asociado en las sociedades. la conciencia con conceptos e ideas expresados ​​por otros componentes de la síntesis, y luego pasan a M. "puros" como portadores de los mismos conceptos e ideas. Además, los compositores utilizan símbolos sonoros (signos convencionales) que han surgido en las sociedades. práctica (varios tipos de señales, etc.; esto también incluye melodías o melodías que existen en un determinado entorno social y han recibido un significado inequívoco estable en él, que se han convertido en "emblemas musicales" de cualquier concepto), o crean sus propios , música nueva. señales." Como resultado, el contenido de M. incluye un círculo de ideas enorme y en continuo enriquecimiento.

Un lugar relativamente limitado en M. está ocupado por imágenes visuales de fenómenos específicos de la realidad, encarnados en la música. las imágenes, es decir, en los sonidos, to-rye reproducen los signos sensuales de estos fenómenos (ver pintura sonora). El pequeño papel de la representación en el arte se debe objetivamente a la capacidad mucho menor del oído, en comparación con la vista, para informar a una persona sobre las características materiales específicas de los objetos. Sin embargo, los bocetos de la naturaleza y los "retratos" se encuentran a menudo en M. dec. personas y fotografías o “escenas” de la vida de dec. estratos de la sociedad de un determinado país y época. Se presentan como una imagen (reproducción) más o menos directa (aunque inevitablemente sujeta a la lógica musical) de los sonidos de la naturaleza (ruido del viento y del agua, canto de los pájaros, etc.), una persona (entonación del habla, etc.) y la sociedad (sonidos no musicales y géneros musicales cotidianos que forman parte de la vida práctica), y la recreación de las características visibles y otras concretas-sensoriales de los objetos con la ayuda de asociaciones (canto de pájaros - una imagen de un bosque), analogías (una amplia moverse en una melodía - una idea de uXNUMXbuXNUMXbspace) y sinestesia - conexiones entre sensaciones auditivas y visuales, táctiles, sensaciones de peso, etc. (los sonidos altos son ligeros, agudos, ligeros, delgados; los sonidos bajos son oscuros, sordos, pesados , grueso). Las representaciones espaciales, por la presencia de asociaciones, analogías y sinestesias, acompañan necesariamente a la percepción de M., sin embargo, no siempre significan la presencia en este producto. imágenes como imágenes visuales integrales de objetos específicos. Si las imágenes están disponibles en la música. Los productos, entonces, por regla general, sirven sólo como un medio adicional para revelar el contenido ideológico y emocional, es decir, los pensamientos y estados de ánimo de las personas, sus caracteres y aspiraciones, sus ideales y valoraciones de la realidad. Así, específico. sujeto de la musica reflexiones son la actitud (ch. arr. emocional) de una persona y sociedad hacia el mundo, tomado en su dinamica.

El contenido de M. (en una sociedad de clases) es una unidad de lo individual, de clase y universal. M. siempre expresa no solo la actitud personal del autor ante la realidad, su ext. mundo, sino también algunos de los más importantes, típicos. características de la ideología y, especialmente, la psicología de un grupo social particular, incl. su sistema de sentimientos, el "tono psicológico" general, su ritmo de vida inherente e interno. ritmo. Al mismo tiempo, a menudo transmite el color emocional, el ritmo, el ritmo de la era en su conjunto, pensamientos y emociones que están cerca no de uno, sino de varios. clases (por ejemplo, las ideas de transformación democrática de la sociedad, liberación nacional, etc.) o incluso todas las personas (por ejemplo, los estados de ánimo despertados por la naturaleza, el amor y otras experiencias líricas), encarna altos ideales universales. Sin embargo, dado que lo universal en el mundo ideológico y emocional de una persona no está divorciado de su ser social, entonces lo universal en M. adquiere inevitablemente una orientación social.

Veraz y, además, mecanografiada, es decir, combinando una generalización con sociohistórica, nat. y la concreción psicológica individual, un reflejo de los estados de ánimo y caracteres de las personas como miembros de lo definido. la sociedad sirve como una manifestación de realismo en la música. La ausencia total en la producción de contenido ideológico y emocional (incluido el mundo mental del hombre), el "juego" sin sentido con los sonidos o su transformación solo en un medio fisiológico. las influencias en los oyentes llevan tal "construcción de sonido" más allá de los límites de M. como un arte.

M. contenido disponible dic. Género: épico, dramático, lírico. Al mismo tiempo, sin embargo, por su carácter no pictórico, las letras más próximas a ella, previendo el predominio de la “autoexpresión” sobre la imagen del mundo exterior, los “autorretratos” psicológicos sobre las características de otros gente. El contenido de M. en su conjunto está dominado por imágenes positivas que corresponden al ideal ético y estético del autor. Aunque las imágenes negativas (y con ellas la ironía, la caricatura y lo grotesco) también ingresaron al mundo musical hace mucho tiempo, y especialmente desde la era del romanticismo, aún siguen siendo la tendencia principal en la música. contenido, queda una tendencia hacia la afirmación, el “cántico”, y no hacia la negación, la denuncia. La tendencia de este M. orgánico a revelar y enfatizar lo mejor de una persona realza su importancia como portavoz de lo humanista. principio y portador de la función moral y educativa.

La encarnación material del contenido de M., la forma de su existencia es la música. forma – un sistema de música. sonidos, en los que se realizan los pensamientos, emociones y representaciones figurativas del compositor (ver Forma musical). Musas. la forma es secundaria al contenido y generalmente subordinada a él. Al mismo tiempo posee relaciones. independencia, que es tanto más grande cuanto que el arte, como todos los tipos de arte no pictóricos, es muy limitado en el uso de formas de fenómenos de la vida real y, por lo tanto, inevitablemente da lugar a sus propias formas a gran escala que no repiten los fenómenos naturales. unos. Estas formas especiales se crean para expresar algo específico. el contenido musical, a su vez, lo influye activamente, lo “moldea”. La forma musical (así como cualquier forma artística) se caracteriza por una tendencia a la estabilidad, estabilidad, repetición de estructuras y elementos individuales, lo que entra en conflicto con la variabilidad, movilidad y originalidad de las musas. contenido. Esto es dialéctico. la contradicción en el marco de la interconexión y la unidad se resuelve cada vez a su manera en el proceso de creación de musas específicas. cuando, por un lado, la forma tradicional se individualiza y actualiza bajo la influencia del nuevo contenido, y por otro lado, el contenido se tipifica y en él se revelan y cristalizan momentos que corresponden a los rasgos estables del formulario utilizado.

La proporción en la música. la creatividad y el rendimiento entre estable y cambiante de diferentes maneras en la música. culturas de diferente tipo. En M. tradición oral (folklore de todos los países, prof. reivindicando el principio de improvisación (cada vez sobre la base de ciertas normas estilísticas), la forma permanece abierta, "abierta". Al mismo tiempo, las estructuras típicas de Nar. música pl.pueblos son más estables que las estructuras de la música profesional (ver Música folclórica).En M.tradición escrita (europea) cada producto tiene una forma cerrada, más o menos estable, aunque aquí, en algunos estilos, elementos de improvisación se proporcionan (ver Improvisación).

Además de la fijación material del contenido, la forma en M. también cumple la función de su transmisión, “mensaje” a la sociedad. Esta función comunicativa determina también ciertos aspectos esenciales de las musas. formas y, sobre todo, el cumplimiento de los patrones generales de percepción del oyente y (dentro de ciertos límites) su tipo y capacidades en una época determinada.

Incluso las musas tomadas por separado. Los sondeos ya tienen expresos primarios. oportunidades. Cada uno de ellos es capaz de causar fisiológico. una sensación de placer o desagrado, excitación o calma, tensión o descarga, así como sinestésico. sensaciones (pesadez o ligereza, calor o frío, oscuridad o luz, etc.) y las asociaciones espaciales más simples. Estas posibilidades se utilizan de una forma u otra en cualquier música. prod., pero por lo general sólo como un lado en relación con esos recursos psicológicos. e influencias estéticas, que están contenidas en las capas más profundas de la forma musical, donde los sonidos ya actúan como elementos de estructuras organizadas integrales.

Guardando cierta similitud con los sonidos de la vida real, musas. el sonido al mismo tiempo difiere fundamentalmente de ellos en que están incluidos en los sistemas históricamente establecidos desarrollados por las musas. la práctica de una sociedad dada (ver Sistema de sonido). Cada musica. el sistema de sonido (tricordio, tetracordio, pentatónico, diatónico, sistema de temperamento igual de doce sonidos, etc.) proporciona los requisitos previos para la aparición de varias combinaciones estables de tonos que pueden reproducirse repetidamente horizontal y verticalmente. De manera similar, en cada cultura se seleccionan y agregan al sistema de duración de los sonidos, lo que hace posible formar tipos estables de sus secuencias temporales.

En M., además de los tonos, también se utilizan sonidos indefinidos. altura (ruido) o similar, cuya altura no se tiene en cuenta. Sin embargo, juegan un papel dependiente y secundario, ya que, como muestra la experiencia, solo la presencia de un tono fijo permite que la mente humana organice los sonidos, establezca relaciones entre ellos, los traiga a un sistema y los transforme en lógicamente organizados, significativos y definidos. , además, estructuras sonoras suficientemente desarrolladas. Por lo tanto, las construcciones a partir del ruido solo (por ejemplo, a partir de los sonidos del habla “no musical” o de instrumentos de percusión sin un tono específico) pertenecen a la “premúsica” (en culturas primitivas) o van más allá del ámbito de la música. pleito en ese sentido, que estaba arraigado en lo histórico-social. la práctica de la mayoría de los pueblos durante muchos años. siglos.

En cada música dada. en una obra, los tonos forman su propio sistema de secuencias horizontales y (en polifonía) conexiones verticales (consonancias), que conforman su forma (ver Melodía, Armonía, Polifonía). De esta forma, se debe distinguir entre los lados externo (físico) e interno ("lingüístico"). El lado externo incluye el cambio de timbres, la dirección de la melódica. movimiento y su patrón (suave, espasmódico), dinámico. curva (cambios en el volumen, ver Dinámica), tempo, carácter general del ritmo (ver Ritmo). Este lado de las formas musicales se percibe de manera similar al habla en un idioma desconocido, lo que puede tener un impacto emocional en el oyente (en los niveles fisiológico y mental inferior) con su sonido general, sin comprender su contenido. El lado interior (“lingüístico”) de la música. las formas son su entonación. composición, es decir, los pares sonoros significativos incluidos en ella (giros melódicos, armónicos y rítmicos), ya dominados anteriormente por las sociedades. conciencia (o similares a los dominados), cuyos significados potenciales son generalmente conocidos por los oyentes. Las formas de este lado de la música se perciben de manera similar al habla en un idioma familiar, afectando no solo por su sonido, sino también por su significado.

M. de cada nación en cada época se caracteriza por un cierto. un complejo de tipos estables de combinaciones de sonidos (entonaciones) junto con las reglas (normas) para su uso. Tal complejo puede llamarse (metafóricamente) musas. “idioma” de esta nación y era. A diferencia del lenguaje verbal (verbal), está desprovisto de ciertas criaturas. signos de un sistema de signos, porque, en primer lugar, sus elementos no son formaciones estables específicas (signos), sino solo tipos de combinaciones de sonido, y en segundo lugar, cada uno de estos elementos tiene más de una definición. valor, sino un conjunto de valores potenciales, cuyo campo no tiene límites precisamente establecidos, tercero, la forma de cada elemento es inseparable de sus valores, no puede ser reemplazada por otra, ni cambiada significativamente sin cambiar el valor; por lo tanto, en M. es imposible transferir de una musa. lengua a otra.

El campo de valores potenciales de cualquier elemento musical-lingüístico depende, por un lado, de su físico. propiedades (acústicas), y por otro lado, de la experiencia de su uso en sociedades musicales. práctica y sus conexiones, como resultado de esta experiencia, con otros fenómenos. Tales son los vnemuz. asociaciones (con los sonidos del habla, la naturaleza, etc., y a través de ellos con las correspondientes imágenes de personas y fenómenos naturales) e intramusicales, que, a su vez, se dividen en asociaciones extratextuales (con otras obras musicales) y intra-texto (surgen dentro de una obra dada sobre la base de varios tipos de conexiones entonacionales, similitudes temáticas, etc.). En la formación de la semántica. diferencias de posibilidades elementos musicales El lenguaje juega un papel muy importante en la experiencia de su uso repetido en todos los días M., así como en M. con la palabra y el escenario. acción, donde se forman sus fuertes lazos con las situaciones de la vida y con aquellos elementos de contenido que se encarnan fuera de musa. significa.

A los elementos repetitivos de la música. formas, semántica. las oportunidades de to-rykh dependen de las tradiciones de su uso en las sociedades musicales. práctica, pertenecen no solo a los tipos de entonaciones ("palabras" musicales), sino también a esa unidad de expresiones musicales. significa, cuáles son los géneros (marcha, baile, canto, etc., véase Género musical). Maceta. Los significados de cada género están determinados en gran medida por sus funciones cotidianas primarias, es decir, su lugar en la práctica de la vida.

El compositor puede utilizar en sus obras. como patrones generales de la música. “lengua” de la nación y época, así como sus elementos específicos. Al mismo tiempo, ciertos elementos pasan dentro del estilo dado de obra en obra y de un autor a otro sin serlo. cambios (desarrollando giros melódicos y armónicos, cadencias, fórmulas rítmicas de géneros cotidianos, etc.). Otros sirven solo como prototipos para la creación de nuevos, en cada caso, elementos originales de las musas. formas (tales son los giros primarios de los temas, sus "granos", así como las entonaciones culminantes). Cuando enciendes cualquier elemento de música. lengua en una obra, el campo de sus significados cambia: por un lado, se estrecha debido al papel concretador de las musas. contexto, así como palabras o escenas. la acción (en géneros sintéticos), por otro lado, se expande debido a la emergencia de conexiones intratextuales. Utilizando los elementos y reglas de las musas existentes. lenguajes, modificándolos, creando otros nuevos, el compositor forma así su propia música individual, en cierto modo única. el lenguaje que necesita para encarnar su propio contenido original.

Musas. idiomas diferentes. Las épocas, las naciones y los compositores son inusualmente diversos, pero todos ellos también tienen algunos principios generales para organizar los tonos: tono y tiempo. En la gran mayoría de las culturas y estilos musicales, las relaciones de tono de los tonos se organizan sobre la base del modo, y las relaciones temporales se organizan sobre la base de la métrica. El traste y el metro sirven al mismo tiempo como generalizaciones de toda la entonación-ritmo anterior. prácticas y reguladores de mayor creatividad, que dirigen el flujo de emparejamientos de sonido generados por la conciencia del compositor a lo largo de un cierto canal. Despliegue coherente y significativo (en monofonía) de las relaciones temporales y de altura de las musas. Los sonidos basados ​​en el traste y la métrica forman una melodía, que es la más importante de expresar. medio de M., su alma.

Combinando la música de fondo principal. expresividad (entonación, tono, organización rítmica y sintáctica), la melodía los implementa de forma concentrada e individualizada. Relieve y originalidad melódica. material sirven como criterio esencial para el valor de las musas. obras, contribuyen significativamente a su percepción y memorización.

En cada música dada. una obra de elementos individuales de su forma se forma en el proceso de combinar y subordinar una estructura general, que consiste en un conjunto de estructuras privadas. Estos últimos incluyen estructuras melódicas, rítmicas, armónicas de trastes, texturales, tímbricas, dinámicas, de tempo, etc. De particular importancia es la temática. estructura, cuyos elementos son musas. temas junto con diff. tipos y etapas de su cambio y desarrollo. En la mayoría de los estilos musicales, son los temas los principales portadores materiales de las musas. imágenes y, en consecuencia, temática. estructura musical. formas en los medios. grado sirve como una manifestación externa de la estructura figurativa del contenido. Ambos, fusionándose, constituyen figurativo-temático. la estructura de la obra.

Todas las estructuras privadas de las musas. las formas están unidas entre sí y coordinadas sintácticamente. estructura (unión de motivos, frases, oraciones, períodos) y compositiva (unión de partes, secciones, partes, etc.). Las dos últimas estructuras forman las musas. forma en el sentido estricto de la palabra (en otras palabras, la composición de una obra musical). Debido a la relativa independencia particularmente grande de la forma en el arte como una forma de arte no pictórica, se han desarrollado tipos estables y relativamente duraderos de estructuras compositivas: musas típicas. formas (en el sentido estricto de la palabra) capaces de incorporar una gama muy amplia de imágenes. Estos son los que existen en Europa. M. desde hace ya varios años. siglos formas a dos y tres partes, variaciones, rondó, sonata allegro, fuga, etc.; hay formas típicas en la música. culturas de oriente. Cada uno de ellos refleja generalmente los tipos de movimiento característicos y más comunes en la naturaleza, la sociedad y la conciencia humana (la formación de fenómenos, su repetición, cambio, desarrollo, comparación, colisión, etc.). Esto determina su significado potencial, que se especifica de diferentes maneras en varias obras. El esquema típico se realiza de una manera nueva cada vez, convirtiéndose en una composición única de esta obra.

Como el contenido, la música. la forma se despliega en el tiempo, siendo un proceso. Cada elemento de cada estructura juega un papel en este proceso, realiza una cierta. función. Las funciones del elemento en la música. la forma puede ser múltiple (multifuncionalidad) y cambiante (variabilidad de funciones). Elementos según las estructuras (así como los tonos, en los elementos) se conectan y funcionan sobre la base de las musas. lógica, que es específica. refracción de los patrones generales del ser humano. actividades. En cada estilo musical (ver Estilo musical) se forma su propia variedad de musas. lógica, reflejando y resumiendo la práctica creativa de esta era, nat. escuela, cualquiera de sus corrientes o un autor individual.

Tanto el contenido de M. como su forma se están desarrollando gradualmente. Sus oportunidades internas se revelan cada vez más y se enriquecen gradualmente bajo la influencia de factores externos y, sobre todo, cambios en la vida social. M. incluye continuamente nuevos temas, imágenes, ideas, emociones, que dan lugar a nuevas formas. Al mismo tiempo, los elementos obsoletos de contenido y forma están desapareciendo. Sin embargo, todo lo valioso creado en Moscú queda por vivir en forma de obras que componen el clásico. herencia, y como tradiciones creativas adoptadas en épocas posteriores.

La actividad musical humana se divide en tres variedades principales: creatividad (ver Composición), interpretación (ver Interpretación musical) y percepción (ver Psicología musical). Corresponden a tres etapas de la existencia de las musas. obras: creación, reproducción, escucha. En cada etapa, el contenido y la forma del trabajo aparecen en una forma especial. En la etapa de creación, cuando en la mente del compositor al mismo tiempo. el contenido del autor (ideal) y la forma del autor (material) se desarrollan, el contenido existe en forma actual y la forma existe solo en forma potencial. Cuando la obra se realiza en ejecución (en las culturas musicales escritas, esto suele ir precedido de una codificación condicional de la forma musical en forma de notación musical, véase Escritura musical), entonces la forma se actualiza, pasa a un estado sonoro. Al mismo tiempo, tanto el contenido como la forma cambian un poco, el artista los transforma de acuerdo con su visión del mundo, la estética. ideales, experiencia personal, temperamento, etc. Esto demuestra su percepción e interpretación individual de la obra. Hay variantes escénicas de contenido y forma. Finalmente, los oyentes se saltan el producto percibido. a través del prisma de sus miradas, gustos, vida y musas. experimentar y a través de esto de nuevo algo transformarla. Nacen variantes de contenido y forma para el oyente, derivadas de las interpretativas y, a través de ellas, del contenido y la forma del autor. Así, en todas las etapas de la música. la actividad es creativa. carácter, aunque en diversos grados: el autor crea M., el intérprete lo recrea y lo recrea activamente, mientras que el oyente lo percibe más o menos activamente.

La percepción de M. es un proceso complejo de varios niveles, incluido el físico. audiencia M., su comprensión, experiencia y evaluación. La audición física es una percepción sensorial directa del lado externo (sonido) de las musas. formas, acompañadas de fisiológicas. impacto. Comprender y experimentar es la percepción de los significados de las musas. formas, es decir, el contenido de M., a través de la comprensión de sus estructuras. La condición para la percepción en este nivel es un conocimiento preliminar (al menos de manera general) con lo correspondiente. el lenguaje musical y la asimilación de la lógica de la música. pensamiento inherente a este estilo, que permite al oyente no sólo comparar cada momento del despliegue de las musas. formas con las anteriores, sino también para prever ("anticipar") la dirección del movimiento posterior. En este nivel se lleva a cabo el impacto ideológico y emocional de M. en el oyente.

Etapas adicionales de percepción de la música. las obras que rebasan los límites de su sonoridad real en el tiempo son, por un lado, la formación de la actitud perceptiva del oyente (a partir de las circunstancias de la audiencia próxima, el conocimiento previo del género de la obra, el nombre de su autor, etc.), y por otro lado, la posterior comprensión de lo escuchado, su reproducción en la memoria (“after-hearing”) o en la propia. interpretación (por ejemplo, cantando al menos fragmentos y voces individuales) y la evaluación final (mientras que la evaluación preliminar ya se forma durante el sonido de la M.).

La capacidad del oyente para percibir significativamente (comprender y experimentar) esta o aquella música. la obra, el contenido de su percepción y valoración dependen tanto del objeto (obra) como del sujeto (oyente), más precisamente, de la relación entre necesidades e intereses espirituales, estéticos. ideales, el grado de arte. desarrollo, experiencia del oyente de música e internas las cualidades del trabajo. A su vez, las necesidades y otros parámetros del oyente están formados por el entorno social y su música personal. la experiencia es parte del público. Por tanto, la percepción de la música está tan condicionada socialmente como la creatividad o la interpretación (lo que no excluye la cierta importancia de las capacidades innatas y las propiedades psicológicas individuales para todo tipo de actividad musical). En particular, los factores sociales juegan un papel principal en la formación de interpretaciones (interpretaciones) y evaluaciones de musas tanto individuales como masivas. obras. Estas interpretaciones y valoraciones son históricamente cambiantes, reflejan diferencias en el significado objetivo y el valor de una misma obra para diferentes épocas y grupos sociales (dependiendo de su conformidad con los requisitos objetivos de la época y las necesidades de la sociedad).

Tres tipos básicos de actividades musicales están estrechamente interconectados, formando una sola cadena. Cada enlace subsiguiente recibe material del anterior y experimenta su influencia. También hay una retroalimentación entre ellos: el desempeño estimula (pero, hasta cierto punto, limita) la creatividad a sus necesidades y capacidades; sociedades la percepción influye directamente en la interpretación (a través de las reacciones del público en su contacto directo, en vivo, con el intérprete y otras formas) e indirectamente en la creatividad (ya que el compositor, voluntaria o involuntariamente, se centra en uno u otro tipo de percepción musical y se apoya en el lenguaje musical que se ha desarrollado en una determinada sociedad).

Junto con actividades como la distribución y propaganda de M. con la ayuda de decomp. los medios de comunicación, la investigación científica musical (ver Musicología, Etnografía musical, Estética musical), la crítica (ver Crítica musical), la formación de personal, la dirección organizativa, etc., y las instituciones que les corresponden, los sujetos de esta actividad y los valores generados por él, la creatividad, el rendimiento y la percepción forman un sistema: musas. la cultura de la sociedad. En la cultura musical desarrollada, la creatividad está representada por muchas variedades que se cruzan, to-rye se puede diferenciar según dec. señales.

1) Por tipo de contenido: M. lírico, épico, dramático, así como heroico, trágico, humorístico, etc.; en otro aspecto: música seria y música ligera.

2) Por finalidad interpretativa: música vocal y música instrumental; en un aspecto diferente: solo, conjunto, orquestal, coral, mixto (con posibles aclaraciones adicionales de las composiciones: por ejemplo, para una orquesta sinfónica, para una orquesta de cámara, para jazz, etc.).

3) Por síntesis con otros tipos de arte y con la palabra: M. teatral (ver Música teatral), coreográfica (ver Música bailable), programa instrumental, melodrama (lectura musical), vocal con palabras. M. fuera de la síntesis – vocalizaciones (canto sin palabras) e instrumental “puro” (sin programa).

4) Según funciones vitales: música aplicada (con su posterior diferenciación en música de producción, música militar, música de señal, música de entretenimiento, etc.) y música no aplicada.

5) Según las condiciones de sonido: M. para escuchar en especial. un entorno donde los oyentes están separados de los artistas (M. "presentado", según G. Besseler), y M. para la actuación masiva y la escucha en una situación de la vida ordinaria (M. "cotidiano"). A su vez, el primero se divide en espectacular y concierto, el segundo, en doméstico masivo y ritual. Cada una de estas cuatro variedades (grupos de género) se puede diferenciar aún más: espectacular: en M. para musas. teatro, teatro dramático y cine (ver Música de cine), concierto – sobre música sinfónica, música de cámara y música pop. música, misa todos los días - en M. para cantar y para movimiento, ritual - en M. ritos de culto (ver música de la Iglesia) y secular. Finalmente, dentro de ambos ámbitos de la música cotidiana de masas, sobre la misma base, en conjunción con la función vital, los géneros del canto (himno, nana, serenata, barcarola, etc.), los géneros de la danza (hopak, vals, polonesa, etc.). ) y marcha (marcha de combate, marcha fúnebre, etc.).

6) Por tipo de composición y música. lenguaje (junto con los medios interpretativos): varios de una sola parte o cíclicos. géneros dentro de variedades (grupos de géneros) identificados según las condiciones de sonido. Por ejemplo, entre el espectacular M. – ópera, ballet, opereta, etc., entre el concierto – oratorio, cantata, romance, sinfonía, suite, obertura, poema, instr. concierto, sonata solista, trío, cuarteto, etc., entre los ceremoniales – himnos, coral, misa, réquiem, etc. A su vez, dentro de estos géneros, se pueden distinguir más unidades fraccionarias de género según el mismo criterio, pero a diferente nivel: por ejemplo, aria, conjunto, coro en ópera, opereta, oratorio y cantata, adagio y variación solista en ballet, andante y scherzo en sinfonía, sonata, cámara-instr. conjunto, etc. Debido a su conexión con factores no musicales e intramusicales estables como la función vital, las circunstancias de interpretación y el tipo de estructura, los géneros (y los grupos de géneros) también tienen una gran estabilidad, durabilidad, a veces persistiendo durante varios años. épocas Al mismo tiempo, a cada uno de ellos se les asigna una determinada esfera de contenido y ciertas características de las musas. formularios Sin embargo, con un cambio en el entorno histórico general y las condiciones para el funcionamiento de M. en la sociedad, los géneros también evolucionan. Algunos de ellos se transforman, otros desaparecen, dando paso a otros nuevos. (En particular, en el siglo XX, el desarrollo de la radio, el cine, la televisión y otros medios técnicos de difusión de los medios contribuyeron a la formación de nuevos géneros). Como resultado, cada era y nat. La cultura musical se caracteriza por su “fondo de género”.

7) Por estilos (histórico, nacional, grupal, individual). Al igual que el género, el estilo es un concepto general que abarca un gran número de musas. fenómenos que son similares en ciertos aspectos (cap. arr. según el tipo de pensamiento musical incorporado en ellos). Al mismo tiempo, los estilos, por regla general, son mucho más móviles, más cambiantes que los géneros. Si la categoría de género refleja la comunidad de musas. obras del mismo tipo pertenecientes a diferentes estilos y épocas, luego en la categoría de estilo – la comunidad de obras de diferentes géneros pertenecientes a la misma época. En otras palabras, el género da una generalización musical-histórica. proceso en secuencia, diacronía y estilo - en simultaneidad, sincronía.

La interpretación, al igual que la creatividad, se divide en vocal e instrumental y, además, según los instrumentos y según la composición de los conjuntos u orquestas; por grupos de género (músico-teatral, concierto, etc.), en ocasiones también por subgrupos (sinfónico, de cámara, pop) y por otd. géneros (ópera, ballet, canción, etc.); por estilos.

La percepción se subdivide en variedades según el grado de concentración (“autopercepción”—incluida en la propia actuación; percepción “concentrada”—totalmente concentrada en el medio percibido y no acompañada por otra actividad; “acompañante”—acompañada por actividad CL ); según la orientación del oyente a uno u otro tipo de contenido M. (M. serio o ligero), a un determinado grupo de género, o incluso a un grupo separado. género (por ejemplo, para una canción), para un estilo determinado; por la capacidad de comprender y evaluar adecuadamente el M. de un género y estilo determinado (experto, aficionado, incompetente). De acuerdo con esto, existe una división de los oyentes en capas y grupos, determinados en última instancia por factores sociales: la música. crianza en una determinada sociedad. ambiente, la asimilación de sus peticiones y gustos, sus circunstancias habituales de percepción de M., etc. (ver Educación musical, Educación musical). También juega un cierto papel la diferenciación de la percepción según lo psicológico. signos (analyticidad o sinteticidad, predominio de un comienzo racional o emocional, una u otra actitud, un sistema de expectativas en relación con M. y con el arte en general).

M. realiza importantes funciones sociales. Respondiendo a las diversas necesidades de la Sociedad, entra en contacto con dec. tipos de personas actividades – material (participación en procesos de trabajo y rituales relacionados), cognitiva y evaluativa (reflejo de la psicología tanto de personas individuales como de grupos sociales, expresión de su ideología), espiritual y transformadora (impacto ideológico, ético y estético), comunicativa (comunicación entre personas). Sociedades particularmente grandes. El papel de M. como medio de educación espiritual de una persona, la formación de creencias, la moral. cualidades, gustos estéticos e ideales, el desarrollo de las emociones. capacidad de respuesta, sensibilidad, amabilidad, sentido de la belleza, estimulación de la creatividad. habilidades en todas las áreas de la vida. Todas estas funciones sociales de M. forman un sistema, que cambia en función del histórico-social. condiciones.

Historia de la música. Respecto al origen de M. en el siglo XIX. y se propusieron hipótesis de principios del siglo XX, según las cuales los orígenes de M. eran las entonaciones del habla emocionalmente excitada (G. Spencer), el canto de los pájaros y las llamadas amorosas de los animales (C. Darwin), los ritmos de la obra de los primitivos (K. Bucher), sus señales sonoras (K. Stumpf), magia. hechizos (J. Combarier). Según la ciencia materialista moderna basada en la arqueología. y datos etnográficos, en la sociedad primitiva hubo un largo proceso de “maduración” paulatina de M. dentro de lo práctico. actividades de las personas y el primitivo sincrético que aún no ha surgido de él. complejo — pre-arte, que albergaba los embriones de M., la danza, la poesía y otros tipos de arte y servía a los fines de la comunicación, la organización del trabajo conjunto y los procesos rituales y el impacto emocional en sus participantes con el fin de educar las cualidades espirituales necesario para el equipo. Inicialmente caótica, desorganizada, que abarcaba una amplia gama de sucesión de un gran número de sonidos de altura indefinida (imitación del canto de pájaros, aullidos de animales, etc.) fueron reemplazadas por tonadas y tonadas, compuestas sólo por unas pocas. tonos diferenciados por lógica. valor en referencia (estable) y lado (inestable). Múltiples repeticiones melódicas y rítmicas. fórmulas arraigadas en las sociedades. práctica, condujo a una toma de conciencia y asimilación gradual de las posibilidades de la lógica. organización de los sonidos. Se formaron los sistemas de sonido musical más simples (los instrumentos musicales jugaron un papel importante en su consolidación), tipos elementales de metro y modo. Esto contribuyó a la conciencia inicial de las posibles expresiones. posibilidades de tonos y sus combinaciones.

Durante el período de descomposición del primitivo sistema comunal (tribal), cuando el art. la actividad se separa gradualmente de la práctica y sincrética. El complejo prearte se va desintegrando paulatinamente, y el arte nace también como entidad independiente. tipo de reclamo. En los mitos de diferentes pueblos relacionados con esta época, la idea de M. como una fuerza poderosa capaz de influir en la naturaleza, domesticar animales salvajes, curar a una persona de enfermedades, etc. Con el crecimiento de la división del trabajo y la aparición de las clases, inicialmente una música única y homogénea. la cultura perteneciente al conjunto de la sociedad se divide en cultura de las clases dominantes y cultura de los oprimidos (el pueblo), así como en profesionales y no profesionales (aficionados). A partir de este momento, comienza a ser independiente. la existencia de la música. el folclore como pleito popular no profesional. Musas. la creatividad de las masas populares se convierte en el futuro en la base de las musas. la cultura de la sociedad en su conjunto, la fuente más rica de imágenes y expresar. fondos para el prof. compositores

Musas. cultura de la tenencia de esclavos y las primeras disputas. estados del Mundo Antiguo (Egipto, Sumer, Asiria, Babilonia, Siria, Palestina, India, China, Grecia, Roma, los estados de Transcaucasia y Asia Central) ya se caracteriza por la extensa actividad del prof. músicos (generalmente combinando un compositor y un intérprete), que sirvieron en los templos, en las cortes de los gobernantes y la nobleza, participaron en acciones rituales masivas, sociedades. fiestas, etc. M. conserva Ch. arreglo funciones prácticas materiales y espirituales heredadas de la sociedad primitiva y asociadas directamente con ella. participación en el trabajo, en la vida cotidiana, en la vida militar, en los ritos civiles y religiosos, en la educación de la juventud, etc. Sin embargo, por primera vez, se perfila una separación de estéticas. funciones, aparecen las primeras muestras de música, destinadas únicamente a escuchar (por ejemplo, cantos y obras instrumentales interpretadas en Grecia en concursos de músicos). Se están desarrollando varios. canto (épico y lírico) y danza. géneros, en muchos de los cuales la poesía, el canto y el baile conservan su unidad original. M. juega un papel importante en el teatro. representaciones, en particular en griego. tragedia (Esquilo, Sófocles, Eurípides no solo fueron dramaturgos, sino también músicos). Varias musas están mejorando, adquiriendo una forma y construcción estables. instrumentos (incluyendo arpa, lira, viento antiguo y percusión). Aparecen los primeros sistemas de escritura M. (cuneiforme, jeroglífico o alfabético), aunque dominan. la forma de su conservación y difusión sigue siendo oral. Aparecen las primeras estéticas musicales. y enseñanzas y sistemas teóricos. Muchos filósofos de la antigüedad escriben sobre M. (en China, Confucio, en Grecia, Pitágoras, Heráclito, Demócrito, Platón, Aristóteles, Aristóxeno, en Roma, Lucrecio Caro). M. se considera en la práctica y en la teoría como una actividad cercana a la ciencia, la artesanía y la religión. culto, como “modelo” del mundo, contribuyendo al conocimiento de sus leyes, y como el medio más poderoso para influir en la naturaleza (magia) y en el hombre (formación de cualidades cívicas, educación moral, curación, etc.). En este sentido, se establece una estricta regulación pública (en algunos países - incluso estatal) del uso de M. de diferentes tipos (hasta modos individuales).

En la era de la Edad Media en Europa, hay una musa. cultura de un nuevo tipo – feudal, uniendo prof. arte, música amateur y folklore. Dado que la iglesia domina en todas las áreas de la vida espiritual, la base del prof. El arte musical es la actividad de los músicos en los templos y monasterios. Prof. secular. el arte esta representado en un principio solo por cantantes que crean e interpretan epopeya. leyendas en la corte, en las casas de la nobleza, entre guerreros, etc. (bardos, escaldos, etc.). Con el tiempo, se desarrollaron formas amateurs y semiprofesionales de música de caballería: en Francia, el arte de los trovadores y los trovadores (Adam de la Halle, siglo XIII), en Alemania, los minnesingers (Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, 13 -siglos XIII), así como montañas. artesanos En la enemistad. castillos y ciudades cultivaron todo tipo de géneros, géneros y formas de canciones (épica, “alba”, rondó, le, virelet, balada, canzones, laudas, etc.). Nuevas musas cobran vida. herramientas, incluido los que venían de Oriente (viola, laúd, etc.), surgen las agrupaciones (composiciones inestables). El folklore florece entre el campesinado. También hay “profesionales populares”: narradores, sintéticos errantes. artistas (malabaristas, mimos, juglares, shpilmans, bufones). M. vuelve a interpretar el cap. arreglo aplicada y espiritual-práctica. funciones La creatividad actúa en unidad con el rendimiento (por regla general, en una persona) y con la percepción. La colectividad domina tanto en el contenido de la masa como en su forma; el comienzo individual se somete al general, sin desmarcarse de él (el maestro-músico es el mejor representante de la comunidad). El tradicionalismo estricto y la canonicidad reinan en todas partes. La consolidación, conservación y difusión de tradiciones y normas (pero también su paulatina renovación) se vio facilitada por la transición de los neumas, que sólo indicaban aproximadamente la naturaleza de lo melódico. movimiento, a la notación lineal (Guido d'Arezzo, siglo X), que permitía fijar con precisión el tono de los tonos, y luego su duración.

Poco a poco, aunque lentamente, se enriquece el contenido de la música, sus géneros, formas y medios de expresión. En Zap. Europa de los siglos VI-VII. está tomando forma un sistema estrictamente regulado de iglesia monofónica (monódica, véase Monofónico, Monody). M. sobre la base de diatónica. trastes (canto gregoriano), combinando recitación (salmodia) y canto (himnos). Con el cambio del 6er y 7do milenio, nace la polifonía. Se están formando nuevos trabajos. (coral) y wok.-instr. (coro y órgano) géneros: organum, motete, dirección, luego misa. en Francia en el siglo XII. la primera escuela de compositores (creativos) se formó en la Catedral de Notre Dame (Leonin, Perotin). A la vuelta del Renacimiento (estilo ars nova en Francia e Italia, siglo XIV) en el prof. La monofonía de M. es suplantada por la polifonía, M. comienza a liberarse gradualmente de lo puramente práctico. funciones (sirviendo a los ritos de la iglesia), realza la importancia de los géneros seculares, incl. canciones (Guillaume de Machaux).

En Vost. Europa y Transcaucasia (Armenia, Georgia) desarrollan sus propias musas. culturas con sistemas independientes de modos, géneros y formas. En Bizancio, Bulgaria, Kievan Rus, más tarde Novgorod, florece el canto de culto znamenny (ver Znamenny chant), osn. en el sistema diatónico. voces, limitadas solo a puro wok. géneros (troparia, stichera, himnos, etc.) y utilizando un sistema de notación especial (ganchos).

Al mismo tiempo, en Oriente (el califato árabe, los países de Asia Central, Irán, India, China, Japón), se estaba formando una musa feudal. un tipo especial de cultura. Sus signos son la difusión generalizada de la profesionalidad secular (tanto cortesana como popular), adquiriendo un carácter virtuosístico, limitación a la tradición oral y monódica. formas, alcanzando, sin embargo, una gran sofisticación en relación con la melodía y el ritmo, la creación de sistemas de musas nacionales e internacionales muy estables. pensando, combinando un estrictamente definido. tipos de modos, géneros, entonación y estructuras compositivas (mugams, makams, ragi, etc.).

Durante el Renacimiento (siglos XIV-XVI) en Occidente. y Centro, música feudal de Europa. la cultura comienza a volverse burguesa. El arte secular florece sobre la base de la ideología del humanismo. M. en medios. el grado está exento de las prácticas obligatorias. destino. Cada vez más sale a relucir su estética. Y saber. funciones, su capacidad para servir como un medio no sólo para gestionar el comportamiento de las personas, sino también como un reflejo interno. el mundo humano y la realidad circundante. En M. se distingue el comienzo individual. Obtiene una mayor libertad del poder de los cánones tradicionales. establecimientos La percepción se separa gradualmente de la creatividad y la actuación, la audiencia se forma como independiente. componente musical. cultura. Instrumento floreciente. aficionado (laúd). El wok doméstico recibe el mayor desarrollo. tocar música (en los hogares de los ciudadanos, círculos de amantes de la música). Se crean poligoles simples para él. canciones: villanella y frottola (Italia), chansons (Francia), así como más difíciles de interpretar y, a menudo, de estilo refinado (con características cromáticas) de 14 o 16 goles. madrigales (Luca Marenzio, Carlo Gesualdo di Venosa), incl. a los versos de Petrarca, Ariosto, Tasso. Los músicos semiprofesionales están activos en Alemania. asociaciones de ciudadanos-artesanos – talleres de maestros cantores, donde numerosos. canciones (Hans Sachs). Himnos de masa social, nat. y movimientos religiosos: himno husita (República Checa), canto luterano (Reforma y Guerra Campesina del siglo XVI en Alemania), salmo hugonote (Francia).

en el prof. M. alcanza su coro pináculo. la polifonía a cappella (polifonía de “estilo estricto”) es puramente diatónica. almacén en los géneros de misa, motete o polígono secular. canciones con uso virtuoso de imitaciones complejas. formas (canon). Principales escuelas de compositores: la escuela franco-flamenca u holandesa (Guillaume Dufay, Johayanes Okeghem, Jacob Obrecht, Josquin Despres, Orlando di Lasso), la escuela romana (Palestrina), la escuela veneciana (Andrea y Giovanni Gabrieli). Los grandes maestros del coro avanzan. creatividad en Polonia (Vaclav de Shamotul, Mikolaj Gomulka), República Checa. Simultáneamente por primera vez gana independencia instr. M., en un enjambre también desarrolla la imitación. polifonía (preludios de órgano, ricercars, canzones de los venecianos A. y G. Gabrieli, variaciones del compositor español Antonio Cabezón). Se revive la ciencia. pensado en M., se crean nuevos medios. musical-teórico. tratados (Glarean en Suiza, G. Tsarlino y V. Galilei en Italia, etc.).

En Rusia, después de la liberación de Mong.-Tat. el yugo florece M., en el prof. M. alcanza un alto desarrollo del canto Znamenny, desarrolla la creatividad. las actividades de destacados compositores - "cantantes" (Fiodor Krestyanin), nace la polifonía original ("tres líneas"), las principales musas están activas. colectivos (coro de “clerks cantores soberanos”, siglo XVI).

El proceso de transición en Europa desde las musas. la cultura del tipo feudal a la burguesa continua en el siglo XVII. y 17er piso. Siglo XVIII Finalmente se determina el predominio general del M. secular (aunque en Alemania y algunos otros países, el M. eclesiástico conserva una gran importancia). Su contenido cubre una amplia gama de temas e imágenes, incl. filosófico, histórico, moderno, civil. Junto con tocar música en la aristocracia. salones y haciendas nobiliarias, en las casas de los representantes del “tercer estado”, así como en la cuenta. instituciones (universidades) se despliega intensamente público. vida musical. Sus hogares son musas permanentes. instituciones de carácter abierto: teatros de ópera, filarmónica. (concierto) sobre-va. Las violas están siendo reemplazadas por modernas. instrumentos de cuerda frotada (violín, violonchelo, etc.; maestros destacados en su fabricación: A. y N. Amati, G. Guarneri, A. Stradivari de Cremona, Italia), se creó el primer pianoforte (1, B. Cristofori, Italia) ). Se está desarrollando la impresión de música (que se originó a fines del siglo XV). La música se expande. educación (conservatorios en Italia). De musas. la ciencia sobresale de la crítica (I. Mattheson, Alemania, principios del siglo XVIII).

En el desarrollo de la creatividad del compositor, este período estuvo marcado por las influencias cruzadas de tales artes. estilos, como el barroco (instrumentos italianos y alemanes y coro M.), el clasicismo (ópera italiana y francesa), el rococó (instrumentos franceses M.) y una transición gradual de géneros, estilos y formas previamente establecidos a nuevos, conservando el dominio . posición en Europa M. hasta el día de hoy. Entre los géneros monumentales, junto a la continua existencia de “pasiones” (pasiones) sobre la religión. los temas y la misa, la ópera y el oratorio pasan rápidamente a primer plano. Cantata (solista y coral), instr. concierto (solista y orquestal), cámara-instr. conjunto (trío, etc.), canción solista con instr. escolta; la suite adquiere un nuevo aspecto (su variedad es partita), que combina bailes cotidianos. Al final del período, la formación de la moderna. sinfonías y sonatas, así como ballets independientes. género. Paralelamente a la polifonía de imitación del “estilo libre”, que alcanza su apogeo, con la amplia utilización del cromatismo, a partir de los mismos modos (mayor y menor), el que maduró aún antes, dentro de la polifonía y en danza cotidiana, se afirma. M., homofónico-armónico. almacén (la voz superior es la principal, el resto son acompañamiento de acordes, ver Homofonía), cristalizar armónico. funciones y un nuevo tipo de melodía a partir de ellas, está muy difundida la práctica del bajo digital, o bajo general (improvisación por parte del ejecutante al órgano, clavicémbalo o laúd del acompañamiento armónico de una melodía o recitativo a partir de la voz baja escrita por el compositor – bajo con notación digital condicional de armonía). Simultáneamente a las formas polifónicas (passacaglia, chaconne, fuga) se suman algunas homofónicas: rondó, sonata antigua.

En países donde en este momento se lleva a cabo (o termina) el proceso de formación de naciones unidas (Italia, Francia, Inglaterra, en parte Alemania), nacional altamente desarrollado. cultura musical Entre ellos se encuentran el dominio. el papel lo conserva el italiano. Fue en Italia donde nació la ópera (Florencia, entre los siglos XVI y XVII), y se crearon las primeras óperas clásicas. ejemplos de este nuevo género (primera mitad del siglo I, la escuela veneciana, C. Monteverdi), se forman sus variedades estables, que se difunden por toda Europa: una ópera seria, u opera seria, heroica. y trágico. de carácter, sobre mitológico. y tramas históricas (segunda mitad del siglo XVII, escuela napolitana, A. Scarlatti), y cómic, u ópera buffa, sobre temas cotidianos (primera mitad del siglo II, escuela napolitana, G. Pergolesi). En el mismo país aparecen el oratorio (16) y la cantata (ejemplos destacados de ambos géneros son de G. Carissimi y A. Stradella). Finalmente, en la base de los amores de apogeo. y conc. performance (los mayores virtuosos del violín: J. Vitali, A. Corelli, J. Tartini) está desarrollando y actualizando intensamente instr. M .: órgano (primera mitad del siglo XVIII, G. Frescobaldi), orquestal, conjunto, solo para cuerdas. herramientas. En el piso 17. 1 – rogar. Siglo XVII los géneros de concerto grosso (Corelli, Vivaldi) e instr solista. concierto (Vivaldi, Tartini), variedades (“iglesia” y “cámara”) trio sonata (para 17 cuerdas o instrumentos de viento y clave u órgano – de Vitali) y sonata solo (para violín o para violín solo y clave – de Corelli, Tartini, para clave de D. Scarlatti).

En Francia, hay especiales nacionales. géneros op. para música t-ra: “lírica. tragedia” (un tipo de ópera monumental) y ópera-ballet (J. B. Luly, J. F. Rameau), comedia-ballet (Lully en colaboración con Moliere). Una galaxia de destacados clavecinistas, compositores e intérpretes (finales del siglo XVII-principios del siglo XVIII, F. Couperin, Rameau), quienes desarrollaron formas rondó (a menudo en obras de naturaleza programática) y variaciones, pasaron a primer plano. En Inglaterra, entre los siglos XVI y XVII, en la era de Shakespeare, surgió la primera escuela europea de compositores para música para piano: los virginalistas (W. pájaro y j. Toro). M. ocupa un gran lugar en el teatro de Shakespeare. En el 2do piso. Ejemplos destacados de nat. del siglo XVII. ópera, coro, órgano, cámara-instr. y Clavier M. (GRAMO. Purcel). En el 1er piso. La creatividad del siglo XVIII se está desarrollando en el Reino Unido. actividades de g F. Handel (oratorios, ópera seria), al mismo tiempo. el nacimiento de un género cómico nacional. ópera – ópera balada. En Alemania en el siglo XVII aparecen obras de oratorio originales (“pasiones”, etc.) y los primeros ejemplos de patrias. ópera y ballet (G. Schutz), florece org. arte (d. Buxtehude, I. Froberger, I. Pachelbel). En el 1er piso. Medios del siglo XVIII. pinchar. en muchos géneros (“pasiones”, otros géneros de oratorio; cantatas; fantasías, preludios, fugas, sonatas para órgano y clave, suites para clave; conciertos para orquesta y para instrumentos separados, etc.) crea J. S. Bach, cuya obra fue el resultado y el pináculo de todo el desarrollo anterior de la europea. polifonía y todo M. barroco. En España nacen los teatros de música original. géneros de tipo operístico con diálogos coloquiales: zarzuela (contenido dramático), tonadilla (cómico). En Rusia, la polifonía en la música de culto está en auge (partes cantadas de finales del siglo XVII y principios del XVIII, conciertos corales de V. Titov y N. Kaláchnikov). Simultáneamente en la época de las reformas de Pedro I nace la música profesional profana (cantes panegíricos) y se activa el desarrollo de la música urbana cotidiana (cantes líricos, salmos). El desarrollo del europeo M. Piso 2. El siglo XVIII y principios del XIX transcurre bajo la influencia de las ideas de la Ilustración, y luego del Gran Francés. revolución, que no sólo dio lugar a una nueva música de masas, la cotidiana (marchas, cantos heroicos, incluida la Marsellesa, fiestas de masas y rituales revolucionarios), sino que encontró respuesta directa o indirecta en otras músicas. géneros. El barroco, el “estilo galante” (rococó) y el clasicismo noble dan paso al lugar dominante de lo burgués. (Ilustración) clasicismo, que afirma las ideas de razón, igualdad de las personas, servicio a la sociedad, altos ideales éticos. En los franceses La máxima expresión de estas aspiraciones fue la obra operística de K. Gluck, en el austro-alemán - obras sinfónicas, operísticas y de cámara de los representantes de la escuela clásica vienesa J. Haydn, w. A. Mozart y L.

Pasar significa. avances en todas las áreas prof. M. Gluck y Mozart, cada uno a su manera, están reformando el género operístico, tratando de superar el convencionalismo anquilosado de lo aristocrático. ópera “seria”. En diferentes países, las democracias cercanas entre sí se están desarrollando rápidamente. géneros: ópera buffa (Italia – D. Cimarosa), cómic. ópera (Francia – JJ Rousseau, P. Monsigny, A. Gretry; Rusia – VA Pashkevich, EI Fomin), Singspiel (Austria – Haydn, Mozart, K. Dittersdorf). Durante la Gran Revolución Francesa aparece “ópera de salvación” sobre la heroica. y melodrama. tramas (Francia – L. Cherubini, JF Lesueur; Austria – Fidelio de Beethoven). Separado como independiente. género de ballet (Gluck, Beethoven). En la obra de Haydn, Mozart, Beethoven, se fija y recibe un clásico. la encarnación del género de la sinfonía en su moderno. comprensión (ciclo de 4 partes). Antes de eso, en la creación de la sinfónica (así como en la formación final de la orquesta sinfónica de tipo moderno), el checo (J. Stamitz) y el alemán jugaron un papel importante. músicos que trabajaron en Mannheim (Alemania). Paralelamente, el tipo de sonata grande clásica y el instrumento de cámara. conjunto (trío, cuarteto, quinteto). Se está desarrollando la forma de la sonata allegro y se está formando una nueva, dialéctica. el metodo de pensamiento musical es el sinfonismo, que alcanzo su apogeo en la obra de beethoven.

En los pueblos M. Slavic (Rusia, Polonia, República Checa), el desarrollo del wok continúa. géneros (coro. concierto en Rusia – MS Berezovsky, DS Bortnyansky, romance cotidiano), aparecen las primeras patrias. opera, se esta preparando el terreno para la creacion de nat. clásicos de la música. A través de Europa. profe. M. polifónico. los estilos se reemplazan en su mayoría por homofónicos-armónicos; el sistema funcional de armonía finalmente se forma y consolida.

En el siglo XIX en la mayoría de los países europeos y en el norte. América completa la educación de las musas. cultura “clásica”. tipo burgués. Este proceso tiene lugar en el contexto y bajo la influencia de la democratización activa de todas las sociedades. y musica. vida y la superación de las barreras de clase heredadas del feudalismo. Desde salones aristocráticos, teatros de la corte y capillas, pequeños conc. Salas destinadas a un círculo cerrado de un público privilegiado, M. se adentra en el amplio local (e incluso en la plaza), abierto al acceso democrático. oyentes Hay muchas musas nuevas. teatros, conc. instituciones, iluminar. organizaciones, editores de música, música. uch. instituciones (incluidos los conservatorios de Praga, Varsovia, Viena, Londres, Madrid, Budapest, Leipzig, San Petersburgo, Moscú y otros; algo antes, a finales del siglo XVIII, se fundó un conservatorio en París). Aparecen las musas. revistas y periódicos. El proceso de actuación finalmente se separa de la creatividad como independiente. tipo de actividades musicales, representadas por una gran cantidad de conjuntos y solistas (los artistas más destacados del siglo XIX y principios del siglo XX: pianistas - F. Liszt, X. Bulow, AG y NG Rubinstein, SV Rachmaninov; violinistas – N. Paganini, A. Vieton, J. Joachim, F. Kreisler, cantantes – G. Rubini, E. Caruso, FI Chaliapin, violonchelista P. Casals, directores – A. Nikish, A. Toscanini). Delimitación prof. la creatividad con el rendimiento y el atractivo para una audiencia masiva contribuyen a su rápido desarrollo. Al mismo tiempo, la estratificación de cada uno de los nat. culturas en propiamente burguesas y democráticas. La comercialización de la música está creciendo. vida contra la que luchan los músicos progresistas. M. ocupa un lugar cada vez más importante en el ámbito social y político. la vida. Se desarrolla una revolución democrática general y luego obrera. canción. Sus mejores muestras ("International", "Red Banner", "Varshavyanka") son adquiridas por international. sentido. Junto al nat previamente formado. Están floreciendo escuelas de compositores jóvenes de un nuevo tipo: rusa (fundada por MI Glinka), polaca (F. Chopin, S. Moniuszko), checa (B. Smetana, A. Dvorak), húngara (F. Erkel, F. Liszt) , noruego (E. Grieg), español (I. Albeniz, E. Granados).

En la obra del compositor de una serie de europeos. países en la 1ra mitad. Se afirma el romanticismo del siglo XIX (alemán y austriaco M. – ETA Hoffmann, KM Weber, F. Schubert, F. Mendelssohn, R. Schumann; francés – G. Berlioz; húngaro – Liszt; polaco – Chopin, ruso – AA Alyabiev, AN Verstovsky). Sus rasgos característicos en M. (en comparación con el clasicismo): mayor atención al mundo emocional del individuo, individualización y dramatización de las letras, la promoción del tema de la discordia entre el individuo y la sociedad, entre el ideal y la realidad, y un llamamiento a lo historico. (mediados de siglo), folk-legendario y folk-escenas cotidianas e imágenes de la naturaleza, interés por lo nacional, histórico. y geográfica la originalidad de la realidad reflejada, una encarnación más concreta de lo nacional sobre la base de canciones de diferentes pueblos, el fortalecimiento del papel de la voz, el comienzo de la canción, así como el colorido (en armonía y orquestación), una interpretación más libre de tradiciones géneros y formas y la creación de otros nuevos (poema sinfónico), el deseo de una síntesis diversa de M. con otras artes. Se está desarrollando música programada (basada en tramas y temas de la epopeya folklórica, literatura, pintura, etc.), instr. miniatura (preludio, momento musical, improvisación, etc.) y un ciclo de miniaturas programáticas, romance y wok de cámara. ciclo, “gran ópera” de tipo decorativo sobre lo legendario e histórico. temas (Francia – J. Meyerbeer). En Italia, la ópera buffa (G. Rossini) llega a lo más alto, nat. variedades de óperas románticas (líricas: V. Bellini, G. Donizetti; heroicas: principios de G. Verdi). Rusia está formando sus propios clásicos musicales nacionales, adquiriendo importancia mundial, se forman tipos originales de folk-histórico. y épica. óperas, así como sinfonías. M. en la litera. temas (Glinka), el género romántico alcanza un alto nivel de desarrollo, en el que las características psicológicas maduran gradualmente. y el realismo cotidiano (AS Dargomyzhsky).

Todo R. y 2do piso. Siglo XIX algunos compositores de Europa occidental continúan románticos. dirección en ópera (R. Wagner), sinfonía (A. Bruckner, Dvorak), software instr. M. (Liszt, Grieg), canción (X. Wolf) o buscan combinar los principios estilísticos del romanticismo y el clasicismo (I. Brahms). Manteniéndose en contacto con la tradición romántica, las formas originales son italianas. ópera (su pináculo es obra de Verdi), francés. ópera (Ch. Gounod, J. Wiese, J. Massenet) y ballet (L. Delibes), ópera polaca y checa (Moniuszko, Smetana). En el trabajo de una serie de europeos occidentales. compositores (Verdi, Bizet, Wolf, etc.), las tendencias del realismo se intensifican. Se manifiestan de manera especialmente clara y amplia en el M. ruso de este período, que está ideológicamente conectado con lo democrático. sociedades movimiento y literatura avanzada (el difunto Dargomyzhsky; los compositores de The Mighty Handful son MA Balakirev, AP Borodin, MP Mussorgsky, NA Rimsky-Korsakov y Ts. A. Cui; PI Tchaikovsky). Basado en el nar ruso. canciones, así como M. East rus. compositores (Mussorgsky, Borodin y Rimsky-Korsakov) están desarrollando nuevos melódicos, rítmicos. y armónico. fondos que enriquezcan significativamente a Europa. sistema de trastes.

de Ser. Siglo XIX en Zap. Europa, se está formando un nuevo teatro musical. género – opereta (Francia – F. Herve, J. Offenbach, Ch. Lecoq, R. Plunket; Austria – F. Suppe, K. Millöker, J. Strauss-son, más tarde Hung. compositores, representantes del “neo-Vienés ” escuela de F. Legar e I. Kalman). en el prof. la creatividad se destaca por sí sola. la línea de "luz" (danza cotidiana) M. (valses, polkas, galope de I. Strauss-son, E. Waldteuffel). Nace la escena del entretenimiento. M. como independiente. industria de la música. la vida.

En estafa Siglo XIX y principios del XX en Europa Se inicia en Moscú un período de transición, correspondiente al inicio del imperialismo como etapa superior y última del capitalismo. Este período está marcado por una crisis de una serie de predecesores. Tendencias ideológicas y estilísticas.

Las tradiciones establecidas se revisan en gran medida y, a menudo, se actualizan. En conexión con el cambio en el “clima espiritual” general, están surgiendo nuevos métodos y estilos. Los recursos musicales se están expandiendo. expresividad, hay una intensa búsqueda de medios capaces de transmitir una percepción aguda y refinada de la realidad. Al mismo tiempo, las tendencias del individualismo y el esteticismo están creciendo, en varios casos existe el peligro de perder un gran tema social (el modernismo). En Alemania y Austria, la línea romántica termina. nace la sinfonía (G. Mahler, R. Strauss) y la música. expresionismo (A. Schoenberg). También se desarrollaron otras nuevas tendencias: en Francia, el impresionismo (C. Debussy, M. Ravel), en Italia, el verismo (óperas de P. Mascagni, R. Leoncavallo y, en cierta medida, G. Puccini). En Rusia, las líneas provenientes de los “Kuchkists” y Tchaikovsky (SI Taneev, AK Glazunov, AK Lyadov, SV Rakhmaninov) continúan y se desarrollan parcialmente, al mismo tiempo. surgen también nuevos fenómenos: un tipo de música. simbolismo (AN Skryabin), modernización de nar. fabulosidad y antigüedad "bárbara" (primeros IF Stravinsky y SS Prokofiev). Los cimientos de los clásicos de la música nacional en Ucrania (NV Lysenko, ND Leontovich), en Georgia (ZP Paliashvili), Armenia (Komitas, AA Spendiarov), Azerbaiyán (U. Gadzhibekov), Estonia (A. Kapp), Letonia (J. Vitol), Lituania (M. Čiurlionis), Finlandia (J. Sibelius).

Sistema de música clásica europea. el pensamiento, basado en la armonía funcional mayor-menor, está experimentando profundos cambios en la obra de varios compositores. dep. los autores, preservando el principio de la tonalidad, amplían su base utilizando modos naturales (diatónicos) y artificiales (Debussy, Stravinsky), la saturan con abundantes alteraciones (Scriabin). Otros generalmente abandonan este principio, pasando a la música atonal (Schoenberg, American C. Ive). El debilitamiento de las conexiones armónicas estimuló el renacimiento de la teoría. e interés creativo en la polifonía (Rusia – Taneyev, Alemania – M. Reger).

Desde 1917-18 música burguesa. la cultura entró en un nuevo período de su historia. Su desarrollo está fuertemente influido por factores sociales como la participación de millones de personas en la política. y sociedades. la vida, el poderoso crecimiento de la masa liberará. movimientos, el surgimiento en una serie de países, en oposición a los burgueses, nuevas sociedades. sistema – socialista. Significa. impacto en el destino de M. en moderno. la sociedad burguesa tambien tenia un rapido desarrollo cientifico y tecnico. progreso, que propició la aparición de nuevos medios de comunicación de masas: cine, radio, televisión, grabaciones. Como resultado, la metafísica se ha extendido globalmente, penetrando en todos los “poros” de las sociedades. vida, arraigada con la ayuda de los medios de comunicación en la vida de cientos de millones de personas. Se le unieron nuevos y enormes contingentes de oyentes. Su capacidad para influir en la conciencia de los miembros de la sociedad, todo su comportamiento, ha aumentado considerablemente. Musas. la vida en el capitalismo desarrollado. países adquirieron un carácter exteriormente tormentoso, a menudo febril. Sus signos eran la abundancia de festivales y concursos, acompañados de bombo publicitario, el rápido cambio de moda, un caleidoscopio de sensaciones provocadas artificialmente.

En los países capitalistas se destacan aún más claramente dos culturas, opuestas en su ideología. direcciones entre sí: burgueses y democráticos (incluidos los elementos socialistas). Burzh. la cultura aparece en dos formas: élite y “masa”. El primero de ellos es antidemocrático; a menudo niega al capitalista. forma de vida y critica a los burgueses. la moral, sin embargo, sólo desde las posiciones de la pequeña burguesía. individualismo. Burzh. La cultura de “masas” es pseudodemocrática y en realidad sirve a los intereses de las dominaciones, de las clases, distrayendo a las masas de la lucha por sus derechos. Su desarrollo está sujeto a las leyes del capitalismo. producción de mercancías. Se ha creado toda una “industria” de peso ligero, trayendo enormes ganancias a sus dueños; M. es ampliamente utilizado en su nueva función publicitaria. La cultura musical democrática está representada por las actividades de muchos músicos progresistas que luchan por la contención. un pleito que afirma las ideas de humanismo y nacionalidad. Ejemplos de tal cultura son, además de las obras de teatro musical. y conc. géneros, muchas canciones revolucionarias. movimiento y lucha antifascista de los años 1920-40. (Alemania -X. Eisler), moderno. Canciones de protesta política. En su desarrollo, junto con el prof. Amplias masas de semiprofesionales y aficionados han jugado y continúan jugando un papel importante como músicos.

En el siglo XX la creatividad del compositor en el capitalista. países se distingue por una diversidad sin precedentes y diversidad de tendencias estilísticas. El expresionismo alcanza su apogeo, caracterizado por un agudo rechazo de la realidad, una subjetividad acentuada y una intensidad de las emociones (la Nueva Escuela Vienesa, Schoenberg y sus alumnos A. Berg y A. Webern, y el compositor italiano L. Dallapiccola, desarrollaron un estilo estrictamente regulado). sistema de dodecafonía melódica atonal). El neoclasicismo está muy extendido, caracterizado por el deseo de alejarse de las contradicciones irreconciliables de la modernidad. sociedades vida en el mundo de las imágenes y las musas. formas de los siglos XVI-XVIII, racionalismo fuertemente pronunciado (Stravinsky en los años 20-16; Alemania - P. Hindemith; Italia - O. Respighi, F. Malipiero, A. Casella). La influencia de estas tendencias en un grado u otro también la experimentaron otros grandes compositores, quienes, en su conjunto, sin embargo, lograron superar las limitaciones de las corrientes por su vinculación con lo democrático. y realista tendencias de la época y de Nar. creatividad (Hungría – B. Bartok, Z. Kodai; Francia – A. Honegger, F. Poulenc, D. Millau; Alemania – K. Orff; Polonia – K. Shimanovsky; Checoslovaquia – L. Janacek, B. Martinu; Rumania – J. Enescu, Gran Bretaña – B. Britten).

en los años 50 hay diferentes corrientes de música. vanguardista (Alemania – K. Stockhausen; Francia – P. Boulez, J. Xenakis; EE. UU. – J. Cage; Italia – L. Berio, en parte L. Nono, que se distingue por sus posiciones políticas avanzadas), rompiendo por completo con el clásico. tradiciones y cultivo de música específica (montaje de ruido), música electrónica (montaje de sonidos obtenidos por el arte), sonorismo (montaje de sonidos musicales dispares de timbres inusuales), aleatoriedad (combinación de sonidos separados o secciones de forma musical sobre el principio del azar ). El vanguardismo, por regla general, expresa el estado de ánimo de la pequeña burguesía en el trabajo. individualismo, anarquismo o esteticismo sofisticado.

Un rasgo característico del mundo M. Siglo XX. – el despertar a una nueva vida y el crecimiento intensivo de las musas. culturas de los países en desarrollo de Asia, África, Lat. América, su interacción y acercamiento con las culturas europeas. escribe. Estos procesos van acompañados de una dura lucha de los músicos progresistas, por un lado, contra las influencias niveladoras de Europa Occidental. y norteamericano. M. elitista y pseudomasificado, contagiado de cosmopolitismo, y por otro lado, contra los reaccionarios. tendencias de conservación nat. culturas de forma inquebrantable. Para estas culturas, los países del socialismo sirven como ejemplo de solución del problema de lo nacional e internacional en Moldavia.

Tras la victoria del Gran Octubre Socialista. revolución en el país soviético (después de la 2ª Guerra Mundial de 1939-1945 y en una serie de otros países que se embarcaron en el camino del socialismo), se formó una música musical. cultura de un tipo fundamentalmente nuevo: socialista. Se distingue por un carácter consistentemente democrático a nivel nacional. En los países socialistas se ha creado una extensa y ramificada red de música pública. instituciones (teatros, sociedades filarmónicas, instituciones educativas, etc.), grupos de ópera y conciertos que realizan actuaciones musicales y estéticas. esclarecimiento y educación de todo el pueblo. En cooperación con el prof. pleito desarrollar musica de masas. la creatividad y la interpretación en forma de actuaciones de aficionados y folclore. Todas las naciones y nacionalidades, incl. y no tenía música escrita previamente. culturas, tuvieron la oportunidad de revelar y desarrollar completamente las características originales de su gente. M. y al mismo tiempo unirse a las alturas del mundo prof. arte, para dominar géneros como la ópera, el ballet, la sinfonía, el oratorio. Las culturas musicales nacionales interactúan activamente entre sí, intercambiando personal, ideas creativas y logros, lo que conduce a su estrecha unión.

Papel principal en la música del mundo. reclamación ve 20 siglo. pertenece a los búhos. M. Muchos compositores destacados pasaron a primer plano (incluidos los rusos: N. Ya. Myaskovsky, Yu. A. Shaporin, SS Prokofiev, DD Shostakovich, V. Ya. Shebalin, DB Kabalevsky, TN Khrennikov, GV Sviridov, RK Shchedrin; Tatar – N. Zhiganov; Daguestán – G. Gasanov, Sh. Chalaev; Ucraniano – LN Revutsky, BN Lyatoshinsky; Bielorruso – EK Tikotsky, AV Bogatyrev, Georgiano – Sh. Harutyunyan, AA Babadzhanyan, EM Mirzoyan; Azerí – K. Karaev, F Amirov, kazajo: EG Brusilovsky, M. Tulebaev, uzbeko: M. Burkhanov, turcomano: V. Mukhatov, estonio: E. Kapp, G. Ernesaks, E. Tamberg, letón: J. Ivanov, M. Zarin, lituano: B. Dvarionas, E. Balsis), así como artistas (EA Mravinsky, EP Svetlanov, GN Rozhdestvensky, KN Igumnov, VV Sofronitsky, ST Richter, EG Gilels, DF Oistrakh, LB Kogan, LV Sobinov, AV Nezhdan ova, IS Kozlovsky , S. Ya. Lemeshev, ZA Dolukhanova), musicólogos (BV Asafiev) y otra música. cifras.

Ideológico y estético. la base de los búhos. Las matemáticas se componen de los principios de partidismo y nacionalidad en el arte, el método del realismo socialista, que prevé una variedad de géneros, estilos y maneras individuales. En las lechuzas M. encontró una nueva vida, muchas tradiciones. generos musicales. Ópera, ballet, sinfónica, conservando el clásico. forma grande y monumental (en gran parte perdida en Occidente), se actualizaron desde el interior bajo la influencia de los temas de la revolución y la modernidad. Sobre la base de la revolución histórica. y pueblo-patriota. tema floreció coro. y wok.-symp. M. (oratorio, cantata, poema). Búhos. la poesía (junto con la clásica y el folklore) estimuló el desarrollo del género romántico. Nuevo genero prof. la creatividad compositiva fue la canción: masiva y cotidiana (AV Aleksandrov, AG Novikov, AA Davidenko, Dm. Ya. y Dan. Ya. Pokrassy, ​​​​IO Dunaevsky, VG Zakharov, MI Blanter, VP Solovyov-Sedoy, VI Muradeli, BA Mokrousov, AI Ostrovsky, AN Pakhmutova, AP Petrov). Búhos. la canción jugó un papel muy importante en la vida y la lucha de Nar. masas y tuvo una fuerte influencia en otras musas. géneros En todas las musas. Las culturas de los pueblos de la URSS recibieron modernas. refracción y desarrollo de la tradición del folklore, y al mismo tiempo sobre la base de socialista. el contenido se enriquecia y transformaba nat. estilos que han absorbido muchas entonaciones nuevas y otros medios expresivos.

Significa. éxitos en la construcción de la música. También se han logrado culturas en otros países socialistas, donde muchos compositores destacados han trabajado y continúan trabajando (RDA—H. Eisler y P. Dessau; Polonia—V. Lutoslawski; Bulgaria—P. Vladigerov y L. Pipkov; Hungría—Z . Kodály, F. Sabo, Checoslovaquia – V. Dobiash, E. Suchon).

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