Serguéi Mijáilovich Slonimsky |

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Sólo merece heredar Quien puede aplicar una herencia a la vida. JW Goethe, “Fausto”

De hecho, es uno de esos pocos compositores contemporáneos que invariablemente son vistos como sucesores de las tradiciones. ¿Cuyo? Por lo general, se llama M. Mussorgsky y S. Prokofiev. No menos firmemente en los juicios sobre Slonimsky, también se enfatiza lo contrario: la brillante individualidad de la música, su memorabilidad y fácil reconocimiento. La confianza en las tradiciones y el propio "yo" de Slonimsky no son mutuamente excluyentes. Pero a la unidad de estos dos opuestos, se agrega un tercero: la capacidad de crear de manera confiable en los estilos musicales de diferentes épocas y pueblos, ya sea un pueblo ruso de la época prerrevolucionaria en la ópera Virineya (1967, basada en la historia de L. Seifullina) o la vieja Escocia en la ópera Mary Stuart (1980), que sorprendió incluso a los oyentes escoceses con su profundidad de penetración. La misma cualidad de autenticidad reside en sus composiciones “antiguas”: el ballet “Icarus” (1971); piezas vocales “Cantar de los cantares” (1975), “Adiós a un amigo en el desierto” (1966), “Monólogos” (1967); ópera El maestro y Margarita (1972, Escenas del Nuevo Testamento). Al mismo tiempo, el autor estiliza la antigüedad, combinando los principios musicales del folclore, las últimas técnicas compositivas del siglo XIX. con personalidad propia. “Slonimsky, aparentemente, tiene ese don especial que distingue a un compositor de muchos: la capacidad de hablar varios lenguajes musicales, y al mismo tiempo el sello de una calidad personal que se encuentra en sus obras”, cree el crítico estadounidense.

Autor de muchas obras, Slonimsky es impredecible en cada nueva obra. A continuación de la cantata “Canciones de los hombres libres” (1959, sobre textos populares), en la que la asombrosa implementación del folclore ruso permitió hablar de Slonimsky como uno de los inspiradores de la “nueva ola del folclore”, apareció la Sonata para violín solo. – una obra de la máxima expresión y complejidad modernas. Tras la ópera de cámara El Maestro y Margarita, apareció el Concierto para tres guitarras eléctricas, instrumentos solistas y orquesta sinfónica (1973), la síntesis más original de dos géneros y formas de pensamiento musical: el rock y la sinfonía. Tal amplitud y un cambio brusco en los intereses figurativos y de trama del compositor al principio conmocionaron a muchos, sin dejar claro: ¿cuál es el verdadero Slonimsky? “…A veces, después de la próxima obra nueva, sus fans se convierten en sus “negacionistas”, y estos últimos se convierten en fans. Solo una cosa permanece constante: su música siempre despierta el interés de los oyentes, la piensan y la discuten. Poco a poco, se reveló la unidad inseparable de los diferentes estilos de Slonimsky, por ejemplo, la capacidad de dar incluso a la dodecafonía las características de los melos folklóricos. Resultó que técnicas ultrainnovadoras como el uso de un sistema no templado (entonaciones de tercer y cuarto tono), ritmos de improvisación libres sin calmas, son características del folclore. Y un estudio cuidadoso de su armonía reveló cómo el autor usa peculiarmente los principios de la armonía antigua y la polifonía popular, por supuesto, junto con un arsenal de medios de armonía romántica y moderna. Es por eso que en cada una de sus nueve sinfonías creó ciertos dramas musicales, a menudo interconectados por imágenes, portadoras de las ideas principales, personificando diferentes manifestaciones y formas del bien y del mal. Con la misma brillantez, riqueza y sinfonía, las tramas de sus cuatro composiciones escénicas musicales (un ballet y tres óperas) se revelan precisamente en la música. Esta es una de las principales razones del continuo interés de los intérpretes y oyentes por la música de Slonimsky, que se escucha ampliamente en la URSS y en el extranjero.

Nacido en 1932 en Leningrado, en la familia del destacado escritor soviético M. Slonimsky, el futuro compositor heredó las tradiciones espirituales de la intelectualidad creativa democrática rusa. Desde la primera infancia, recuerda a los amigos cercanos de su padre: E. Schwartz, M. Zoshchenko, K. Fedin, historias sobre M. Gorky, A. Grin, la atmósfera de la vida de un escritor tenso, difícil y dramático. Todo esto expandió rápidamente el mundo interior del niño, enseñado a mirar el mundo a través de los ojos de un escritor, un artista. La observación aguda, la analiticidad, la claridad en la evaluación de los fenómenos, las personas, las acciones, desarrollaron gradualmente en él el pensamiento dramático.

La educación musical de Slonimsky comenzó en los años anteriores a la guerra en Leningrado, continuó durante la guerra en Perm y en Moscú, en la Escuela Central de Música; terminó en Leningrado, en una escuela de diez años, en el conservatorio de las facultades de composición (1955) y piano (1958), y finalmente, en la escuela de posgrado, en teoría musical (1958). Entre los maestros de Slonimsky se encuentran B. Arapov, I. Sherman, V. Shebalin, O. Messner, O. Evlakhov (composición). La inclinación a la improvisación, el amor por el teatro musical, la pasión por S. Prokofiev, D. Shostakovich, M. Mussorgsky, manifestada desde la infancia, determinó en gran medida la imagen creativa del futuro compositor. Habiendo escuchado muchas óperas clásicas durante los años de la guerra en Perm, donde el Teatro Kirov fue evacuado, el joven Slonimsky improvisó escenas de ópera enteras, compuso obras de teatro y sonatas. Y, probablemente, estaba orgulloso en su alma, aunque estaba molesto porque un músico como A. Pazovsky, entonces el director principal del teatro, no creía que Sergei Slonimsky, de diez años, escribiera un romance con los versos de Lermontov. .

En 1943, Slonimsky compró en una de las mercerías de Moscú el clave de la ópera Lady Macbeth del distrito de Mtsensk; la obra prohibida de Shostakovich fue desechada. La ópera fue memorizada y los descansos en la Escuela Central de Música fueron anunciados como una “Escena de Nalgadas” bajo las miradas desconcertadas y desaprobatorias de los profesores. La perspectiva musical de Slonimsky creció rápidamente, la música del mundo fue absorbida género por género, estilo por estilo. Aún más terrible para el joven músico fue 1948, que redujo el mundo de la música moderna a un espacio estrecho limitado por muros de "formalismo". Como todos los músicos de esta generación que estudiaron en los conservatorios después de 1948, fue educado únicamente en la herencia clásica. Solo después del XNUMX Congreso del PCUS se inició un estudio profundo y desprejuiciado de la cultura musical del siglo XVIII. El compositor juvenil de Leningrado, Moscú, recuperó intensamente el tiempo perdido. Junto con L. Prigogine, E. Denisov, A. Schnittke. S. Gubaidulina, aprendieron unos de otros.

Al mismo tiempo, el folclore ruso se convirtió en la escuela más importante de Slonimsky. Muchas expediciones folclóricas, “todo un conservatorio folclórico”, en palabras del autor, se llevaron a cabo en la comprensión no solo de la canción, sino también del carácter popular, el camino del pueblo ruso. Sin embargo, la posición artística de principios de Slonimsky requería una escucha sensible del folclore urbano moderno. Así, entonaciones de canciones turísticas y de bardos de los años 60 entraron orgánicamente en su música. La cantata “Voice from the Chorus” (en A. Blok's st., 1964) es el primer intento de combinar estilos distantes en un único conjunto artístico, posteriormente definido por A. Schnittke como “poliestilística”.

El pensamiento artístico moderno fue formado por Slonimsky desde la infancia. Pero los finales de los 50 y principios de los 60 fueron especialmente importantes. Comunicándose mucho con los poetas de Leningrado E. Rein, G. Gerbovsky, I. Brodsky, con los actores M. Kozakov, S. Yursky, con el leninista V. Loginov, el director de cine G. Poloka, Slonimsky creció en una constelación de talentos brillantes. Combina a la perfección la madurez y la picardía, la modestia, alcanzando la escrupulosidad, y el coraje, una posición de vida activa. Sus discursos agudos y honestos son siempre contundentes, respaldados por un sentido de la justicia y una gran erudición. El humor de Sergei Slonimsky es espinoso, preciso, pegajoso como una frase popular certera.

Slonimsky no es solo un compositor y pianista. Es un improvisador brillante y muy artístico, un importante musicólogo (autor del libro "Sinfonía de S. Prokofiev", artículos sobre R. Schumann, G. Mahler, I. Stravinsky, D. Shostakovich, M. Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov, M. Balakirev, discursos agudos y polémicos sobre la creatividad musical contemporánea). También es maestro, profesor en el Conservatorio de Leningrado, de hecho, el creador de toda una escuela. Entre sus alumnos: V. Kobekin, A. Zatin, A. Mrevlov, en total más de 30 miembros de la Unión de Compositores, incluidos musicólogos. Una figura musical y pública que se preocupa por perpetuar la memoria e interpretar obras inmerecidamente olvidadas de M. Mussorgsky, V. Shcherbachev, incluso R. Schumann, Slonimsky es uno de los músicos soviéticos contemporáneos más autorizados.

M. Rytsareva